Hat sich das Warten wenigstens gelohnt? Ganz subjektiv: nein! Die Entwicklung von Shehan’s erster Band Knapsack über den frühen The Jealous Sound-Stoff bis hin zum aktuellen Album ist logisch und vollkommen natürlich. Selbst wenn sich die Band nie aufgelöst hat, fühl ich mich an die Comeback-Scheiben von Joshua, Braid und Far oder auch an Solea (ex-Texas is the Reason/ex-Knapsack) erinnert. Wahrscheinlich würden auch Jawbreaker so klingen, wenn sie sich reformieren würden! „A Gentle Reminder“ ist somit ein poliertes, routiniertes aber gleichzeitig total harmloses und angepasstes Pop-Rock-Album geworden. Eins dieser Alben, die mich nicht stören, wenn sie nebenbei laufen, die mir aber genauso viel geben wie 45 Minuten ohne Musik. Keines der zehn neuen Stücke bleibt so richtig hängen. Keines setzt sich irgendwie von dem davor ab. Ja, The Jealous Sound haben noch nicht mal einen 3-Minuten-Radio-Hit am Start! Wie denn auch, schließlich kommt fast jeder Song über die 4-Minuten-Marke. Zähe Angelegenheit, das.

Schon das erste Album tat sich schwer damit die Atmosphäre der Knapsack-Werke einzufangen. Aber es fand einen anderen Zugang zu dieser Art von Musik – über Pop-Punk-angehauchte Hooks, einschmeichelnde Melodien und Shehan’s tollem Gesang. Selbst wenn „Kill them with Kindness“ im Großen und Ganzen kein Kracher war, hatte es mit „Hope for us“ und „Anxious Arms“ zwei Songs drauf, die den Test der Zeit überstanden haben. „A Gentle Reminder“ hat davon kaum mehr was. Musikalisch ist das Album standardisiert wie standardisiert nur sein kann. Das war ja auch zu befürchten! Enttäuschend ist aber, dass Blair Shehan den Stücken kaum Charakter verleiht. Er trällert sein Programm herunter und setzt keinen einzigen Höhepunkt. Es fällt einem beinahe schwer ihn und seine Stimme wiederzuerkennen.

Damit haben wir nicht nur die Bestätigung, dass man im Alter langsamer wird. Vermutlich wird man im Alter auch langweilig und genügsam.
5/10

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The Usual – „Doorways Full of Ghosts Holding Faces in their Hands“-EP (DIY)
The Usual brachten letztes Jahre das durchwegs solide „Light Letters“ raus. Sie konnten sich nie so richtig entscheiden, ob sie nun reinrassigen, altmodernen Screamo, Mid-90ies-Emo oder den aktuell so angesagten, vertrakten Stoff spielen wollten. Vielleicht war das Album gerade deswegen so unterhaltsam. Am Besten gefielen mir The Usual allerdings, wenn sie direkt zu Werke gingen und ihre Songs kaum über die 1-Minuten-Marke kamen. Die beiden neuen, hier vertretenen Stücke zeigen definitiv in die entgegengesetzte Richtung. Nichtsdestotrotz kombinieren The Usual auch über die zwei- bis dreifache Länge die selben Stilistiken. Das neue Material ist noch etwas facettenreicher, noch etwas ausgefeilter. Im Opener „The World Record is 9″ erzeugen The Usual über einen ausgedehnten Instrumental-Part sehr viel Atmosphäre und fahren dann ein episches Crescendo auf – spontan fühl ich mich an The Saddest Landscape erinnert. „Breaking Thick Bones“ startet chaotisch, in bester We were Skeletons-Manier und geht dann über in einen typischen Emo-Part, mit dramatischem Geschrei und immer leiser werdenden Instrumenten. Der Vorteil von The Usual ist zugleich ihr Nachteil. Sie sind innerhalb des Screamo-Universums sehr variabel, legen sich aber nie auf etwas fest. Was Neueinsteiger begeistern könnte, wird Puristen weniger zusagen. Ich bin hin- und hergerissen. Reifer als das Material davor ist „Doorways“ aber allemal! 6/10
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xJustified Violencex – „Straight Edge Warrior“-EP (DIY)
Zum Abschluss des ersten Dreiers in 2012 ein wahres Sahnehäubchen! xJustified Violencex rechnen innerhalb von fünf Minuten mit allen Ungläubigen ab! Wo einem als Fleischfresser, Raucher und Trinker anfangs nur Prügel angedroht wird, da heißt es später: „keep smoking… get buried alive!“. Freundlicherweise liegen dem Download die Lyrics anhand eines Word-Dokuments bei. Musikalisch hauen einem xJustified Violencex einen derart stumpfen, minimalistischen Mosh-Brocken um die Ohren, dass man prompt in die frühen 90er geschleudert wird. Cool ist übrigens, dass die Straight Edger das Geld ihrer verkauften Scheiben dafür einsetzen wollen, ihren ehemaligen Basser Jake aus dem Gefängnis zu holen. Bei seinem Fleischer kann er ja kaum eingebrochen sein…. 7/10
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Von da an scheint die Transformation vollzogen zu sein. Stücke wie „Uniform“ oder „Uselessness“ verharren stärker denn je im Midtempo und bieten diesen Kontrast aus Dampfwalze einerseits und hintegründiger Epik andererseits. „Aside from this Distant Shadow“ fährt eine ähnliche Schiene, ist aber etwas verspielter und gehört somit zu den wenigen Highlights der zweiten Hälfte. Ansonsten gibt mir diese Hälfte wenig. „Biography“ versinkt im Noise und ist einfach nur anstregend. Rausschmeißer „Diamond Tooth“ gibt sich betont melancholisch und für Loma Prieta-Verhältnisse fast schon „ruhig“, beschließt „I.V.“ aber relativ ereignislos – gerade im Vergleich zum tollen Closer vom letzten Album „Life/Less“.

Mit die größte Veränderung gab es natürlich beim Sound. Dabei ist es erwähnenswert, dass Loma Prieta ihren alten Produzenten Jack Shirley behielten und „I.V.“ im gleichen Studio aufnahmen, in dem man auch „Life/Less“ einspielte. Anscheinend waren die Rahmenbedingungen besser, denn so heftig und voluminös wie auf dem neuen Werk klangen Loma Prieta nie zuvor. Allgemein passen sie damit perfekt auf Deathwish, denn sie reihen sich unauffällig in die Bands ein, die einerseits roh und dreckig, andererseits äußerst fett klingen. Beizeiten ist mir der penetrante Noise auf „I.V.“ etwas too much. Ich bevorzuge den minimalistischen Sound der Vorgänger – doch das dürfte Geschmackssache sein. Großartig herausragen können Loma Prieta in der Hinsicht jedenfalls nicht.

Wer „I.V.“ aktuell völlig abfeiert und es schon als Album des Jahres hinstellt, der hat entweder nie etwas von Loma Prieta gehört oder ließ sich vom typischen Deathwish-Hype mitreißen. Das Album ist durchwegs solide und unterhaltsamer als das unspektakuläre „Dark Mountain“. An die beiden besten LP-Alben „Last City“ und „Life/Less“ kommt es aber niemals ran! Im Endeffekt sind Loma Prieta sogar ein lobendes Beispiel, dass man sich auf Deathwish nicht komplett anpassen muss. Denn neben vielen Bezügen zu den Vorgängern, hielt man auch am Produzenten fest und gestaltete sogar das Artwork im Stile der Platten davor. All das hilft nichts, wirklich gar nichts, wenn die Band musikalisch kaum Höhepunkte setzen kann – und das ist hier der Fall!
6/10

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Schon die ersten Sekunden verärgern mich. Der Einstieg mit „System…“/“Meltdown“ ist schlicht und einfach vom The Streets-Album „Original Pirate Material“ abgekupfert. Dieser epische Beat erinnert frappierend an den von „Turn the Page“. Wenn der Sänger dann mit den gerappten Parts einsteigt, weiß man, wie sehr er Mike Skinner lieben muss. Arm wird’s bei „Sssnakepit“ wo er dessen „Oi!“-Ruf imitiert und unterlegt von einem Two-Step-Beat erneut zu rappen beginnt. Nichts gegen Heldenverehrung, aber in diesem Fall ist das einfach nur eine dreiste  Kopie des Originals. The Streets wird sich im Grab umdrehen! „Sssnakepit“ wird dann auch nicht besser, wenn Enter Shikari in der Mitte einen völlig ausgelutschten Breakdown runterschrammeln. Spätestens hier kann ich diese Band nicht mehr ernst nehmen. Deswegen nehme ich ihnen auch nicht eine Halbballade wie „Search Party“ ab – obwohl es zu den „Highlights“ zählt. Hier zeigen Enter Shikari ihr songschreiberisches Talent, ähnlich wie in ihrer Frühphase. Gut ist diese Band allerdings nur, wenn sie sich selbst reduziert. Und das tut sie auf „A Flash Flood of Colour“ viel zu selten! Der Großteil des Albums ist ein verwirrter, überambitionierter Haufen aus Ballerman-Techno, pseudo-fettem Breakdown-Scheiß, abgekupferten Rap-Parts, humorig gemeinten Sound-Schnipseln und Emo-Herzschmerz-Gesten. Alleine der Sprung von diesen überdrehten Blödeleien hin zu den plötzlich ganz ernsthaften Balladen funktioniert für mich einfach nicht. Schön für denjenigen, der Vielseitigkeit über alles liebt. Doch ich vermisse innerhalb der Platte jegliche Balance, jeglichen Zusammenhalt.

Im Endeffekt ist „A Flash Flood of Colour“ ein Album das viel will, aber wenig kann. Eins, dass mich schon von seiner reinen Attitüde her völlig abturnt. Eins, zu dem ich, trotz seiner zwei bis drei netten Stücke, nie wieder zurückkommen werde. Kurz gesagt: eins, dass man nicht gehört haben muss.
3/10

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Bei At the Drive-In kann man das Ganze wohl als absolute Sensation verbuchen, wenn man bedenkt, welche Schlammschlacht es nach der Trennung gab. Da wurde eine Reunion, zumindest von der Mars Volta-Seite aus, vollkommen ausgeschlossen. Wie immer stellt sich die Frage, wie hoch der kommerzielle Gedanke einer solchen Wiedervereinigung ist. Meine Vermutung: verdammt hoch! Es wurde schon eine neue Website eingerichtet, die aber wenig Licht ins Dunkel bringt. Dort stehen einzig und allein zwei Festival-Termine im April, irgendwo in Kalifornien. Ob es nur dabei bleibt, ob weitere Konzerte gespielt werden oder glatt eine neue Platte aufgenommen wird, ist unklar. Ich finde es gar nicht so unrealistisch, dass die Band wieder zusammengefunden hat – das würde zumindest erklären, warum es in letzer Zeit so ruhig um Sparta und The Mars Volta war. Eine noch viel abgefahrenere These: trotz meiner tief-pessimistischen Einstellung bei solchen Reunions, traue ich es At the Drive-In zu ein Album einzuspielen, dass an die Klasse von „Relationship of Command“ rankommt – selbst wenn die Erwartungshaltung ins Unermessliche schießen würde!

Nicht ganz so überraschend finde ich die Reunion von Refused. Zumindest im Vergleich zu der At the Drive-In-Meldung. Laut Kristofer Steen kamen die einzelnen Bandmitglieder zuletzt wieder recht gut miteinander klar. Dennis Lyxzen und David Sandström tobten sich genug bei der minimalistischen HC-Combo AC4 aus, sodass dieser Schritt nun mehr als logisch ist. Schließlich muss auch wieder etwas Geld in die Kassen! Doch wer will es diesen, nicht mehr allzu jungen, Herren verübeln? Bei Refused klingt es laut Website eher so, als ob sie sich nur für ein paar Konzerte wiedervereinen. Quasi um „The Shape of Punk to come“ Tribut zu zollen. Ob sich die Schweden zu einer neuen Platte aufrappeln?! Wenn ja, sehe ich nicht ganz so viel Potential wie bei At the Drive-In. So sehr ich die Jungs schätze, traue ich ihnen niemals zu ihr Meisterwerk zu toppen.

Interessant ist übrigens, dass At the Drive-In UND Refused beide beim selben Festival, namentlich das Coachella Festival, auftreten werden. Wo erstere zweimal den Sonntag bespielen, treten Letzgenannte zweimal am Freitag auf. Verrückte Sache, das.

Mit „Sounds like Chewbacca is Taking a Shit“ machten Paan einen großen Sprung nach vorne. Ihre Entwicklung erinnert mich frappierend an die von Trip Fontaine, die auf ihren letzten beiden Alben  vielschichtiger und professioneller als zuvor klangen. Der Sound der EP ist für eine derart kleine Veröffentlichung mehr als amtlich. Man hört die Instrumente klar und deutlich, dabei ist ihr Klang perfekt aufeinander abgestimmt. Kurz gesagt: verdammt rund. Es ist nicht nur der Sound, es ist auch die Mischung, die dieses Werk um so viel besser macht als seinen Vorgänger. Wie selbstverständlich switchen Paan hin und her zwischen rhythmischen, gefühlsvollen oder verspielten Sektionen und streifen innerhalb dieser fünf Songs unterschiedliche Genres wie Post-Hardcore, Indie, Mathrock oder Screamo/Emo. Die Jungs dürften sich einiges von Hot Cross, At the Drive-In oder Q and not U abgeschaut haben und entwickelten daraus ihren eigenen Stil. Denn immer wenn man Paan festnageln will, nehmen sie eine schräge Kehrtwende oder bringen etwas schwer Vergleichbares.

Der Hit steht mit „Steam“ gleich am Anfang. Ein schneller, hook- und melodiegeladener Song mit einem eingängigen, episch angehauchten Stakkato zum Schluss hinaus. Mein persönlicher Liebling folgt mit „Crazy Invention“ gleich darauf. Aus der chaotischen Verzwacktheit heraus entspringt ein anfixendes Lead, das den Song von da an direkter macht. Die Band geht über ins Crescendo und überrascht einen abermals mit einer grandiosen, zurückgelehnten Emo-Sektion. Es folgt der für diesen Stil so typische Ausbruch, der „Crazy Invention“ in sein instrumental ausgedehntes Finale leitet. Beeindruckender Song. Und das in fünf Minuten. Der Opener ist übrigens noch länger! Schön finde ich übrigens auch, wie das zweite ins dritte Stück überfließt. Dieses ist dann ein aggressiver Raser, der nach gut 60 Sekunden schon wieder vorüber ist – Paan können also auch anders. „Lisa Makka Hardy“ haut mich nicht direkt um, dafür hat der Closer seine Stärken. Der melodiös-verspielte Beginn mit dem abgeklärten Sprechgesang erinnert mich an We fade to Grey und Konsorten. Doch die Salzwedler rücken auch dieses Lied in eine andere Richtung und steigen mit viel Lärm ein, beenden die EP schließlich prompt, ohne viel Tam-Tam.

Ganz so genial wie die erste Hälfte, ist die zweite leider nicht. Doch wenn die Band an ihrem Songwriting feilt, dann könnte das nächste Album ein absoluter Kracher werden. Talent, starken Sound und diese gewisse Brise Wahnsinn besitzen Paan nämlich absolut. Ein würdiger Start in 2012, diese EP.
8/10

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 19 // Grinning Death’s Head // Black Sun Rising

 18 // Stray From The Path // Rising Sun

Stray From The Path gehen mit Rising Sun immer mehr in Richtung Beatdown. Geblieben sind die recht chaotischen Songstrukturen und mancher Riff der sehr an Converge erinnert.

 17 // Lentic Waters // Lentic Waters

 16 // Moritz Krämer // Wir Können Nix Dafür

Philipp Poisel mit guten Texten ist Moritz Krämer. ;)

 15 // In Solitude // The World. The Flesh. The Devil

Wenn man generell keinen Heavy Metal mag oder das glaubt, dann sollte man dieses Album hören und die vorherige Meinung wird sich vielleicht revidieren.

 14 // We Fade To Grey // Disappearances

Lange Halbwertszeit und so angenehm anders als Captain Planet und Konsorten.

 13 // The Southern Oracle // Hellwakening

Deathcore .. Deathcore der nicht einfach schlechter Death Metal mit Breakdowns ist, nicht einfach Härte zum Selbstzweck, sondern intelligenter Metalcore, mit jeder Menge atmosphärischen Momenten.

 12 // Ära Krâ // Ferne Tage

Erinnert sich noch jemand an Narziss?

 11 // Akela // Orientation

New School – Postrock Hybrid. Wirkt frisch. Großartiges Artwork.

 10 // One Ok Rock // Zankyo Reference

 09 // The Death Of Anna Karina // Lacrima/Pantera

 08 // Full Of Hell // Roots Of Earth Are Consuming My Home

Mahlender Hardcore mit Noise-Eskapaden findet sich auf Roots Of Earth Are Consuming My Home. Irgendwo zwischen Youth Attack und Holy Terror. Gibt es in der Form nicht so oft und tritt Ärsche.

 07 // Emmure // Speakers Of The Dead

Nach The Respect Issue und Felony ein gutes Album von Emmure. Wer hätte das gedacht. Super fette Gitarren und nicht nur Chugga Chugga, super catchige Melodien, ein Shouter der unter die Haut geht und hey ich hab die Texte immer gemocht.

 06 // Inevitable End  // The Oculus

Inevitable End spielen eine Mischung aus crustigen Hardcore und Death Metal, aber eigentlich ist The Oculus kaum definierbar und wird pro Durchlauf immer besser. Krankeste Scheibe dieses Jahr bzw. seit langem.

 05 // Heretoir // Heretoir

Düsterer, shoegaziger Rock mit deutlicher Nähe zum Black Metal. Eines der rundesten Vertreter seiner Art. Wunderschön!

 04 // Ironhide // Create/Collapse/Repeat

Dissonanter Metalcore nahe der Perfektion. Hier merkt man wie bei kaum einem Album wie viel Arbeit hineingesteckt wurde. Musik, Inhalt und Artwork ergeben eine Gesamtkunstwerk. So sollte es immer sein.

 03 // Absztrakkt // Diamantgeiszt

Bisher beste Veröffentlichung von Absztrakkt. Wie immer viel zum nachdenken.

 02 // Seed Of Pain // Red Suns

Da gibt’s auf weiter Flur nichts Vergleichbares. Grob HC trifft Post-Punk, Industrial, Einstürzende Neubauten etc. Unbedingt antesten. So muss sich Postcore anhören.

 01 // Plebeian Grandstand // How Hate Is Hard To Define

Blackenedscreamonoisemathcore .. How Hate Is Hard To Define ist schwer zu beschreiben. Plebeian Grandstand spielen sehr flächigen, atmosphärischen Hardcore (Nein kein Postrock!, eher Dampfwalze) und sind gleichzeitig schnell, verbreakt und auch technisch. Trotzdem kommt man mit relativ wenig Metal aus, was mir ja immer gut gefällt. Das Album ist ein absolut intensives Hörerlebnis, düster as fuck und erinnert an kaum eine andere Band. Ironhide mögen das perfektere Gesamtbild abgeben, aber so gut Emotionen rüberbringen können sie nicht. How Hate Is Hard To Define ist die Chaoscore-Scheibe des Jahres! Selbst wenn mein geschätzer Mitschreiber das anders sieht. ;)

Auch hörenswerte Alben dieses Jahr: 

Lantlôs – Agape
The Rodeo Idiot Engine – Fools Will Crush The Crown
Martial Canterel – You Today
Kreidler – Tank
Former Thieves – The Language That We Speak
Cara Neir – Stagnant Perceptions
Bologna Violenta – s/t
Necrocomiccon – Hot Dog Cart Hunger
Troubled Coast – Letters
Circle Of Ghosts – Miserable Life Retrospective
Bastions – Hospital Corners
Magdalena Solis – Hesperia
Fliehende Stürme – Warten Auf Raketen
Robocop – Robocop II
The Gentle Art of Chokin’ – s/t
&U&I – Light Bearer
The Tourists – We Live, We Doubt, We Scream, We Shout.
Mikroboy – Eine Frage Der Zeit
CN Roundhouse Kick – Phantomschmerz
Ampere – Like Shadows
Sailing On – Hinterland
I Refuse – s/t
Next Life – Artificial Divinity

Splits/Kleinformate:

Resurrectionists/Lich Split
Manku Kapak/Tyran Tyran Split
Jackals/Self Loathing Split
Sump/Sexdrome Split
Ruins/Kyrest Split
jakeL – Shelter
Planning For Burial – Late Twenties Blues
Deathheaven – Roads To Judah
Pariso – Sooner Insignificant Better
Brutality Will Prevail – Sleep Paralysis
Circle Of Ghosts – Prelude, Dried Blood And Tear Residue
Coup d’etat – Der Sinn Für Die Bewegung In Der Stille
Jimmy Kafka – Stadt, Land, Flucht
Code Orange Kids – Cycles, Embrace Me//Erase Me
No Gang Colors – Honorary Cop
Out Of Hope – Dreams/Defeat
Grieved – Ageing
Mox Nox – Down
Seed Of Pain – Ruins Of Men
Sichelstein – s/t
Expire – Suffer The Cycle
Love Channel – s/t
Carved Our Names in Snow – 3 Song Demo
Jarhead Fertilizer – Scaphism
Bone Dance/Divider/Plebeian Grandstand Split
Bohren & Der Club Of Gore – Beileid

Enttäuscht:

Today Is The Day – Pain Is A Warning
Heights – Dead Ends
Arckanum – Helvítismyrkr
Cloudkicker – Loop
Sesso Violento – Pacificador
Alpinist/Masakari Split
Krallice – Diotima
Khann – Erode
Terra Tenebrosa – The Tunnels
Sete Star Sept/Satan Split

Im Übrigen finde ich es immer wieder beeindruckend, wie so ein Song plötzlich durchstartet. Er hätte wohl genauso gut in der Versenkung verschwinden können. Denn dieser Gotye brachte in seiner Zeit schon drei Alben raus und blieb dabei relativ unbeachtet.

Mit dem Moderator, der durch „Verlustgeschäft“ hindurchführte, war das so eine Hassliebe: einerseits unterbroch er ständig den Hörfluss. Andererseits vermisste man seine Kommentare, wenn man sie übersprang. Dabei hätte Syn*Error’s erstes Full Length auch ohne die „Skits“ genug Alleinstellungsmerkmale. Derart gut verbindet in Deutschland keiner Bausteine aus D.C.-Post-Hardcore, verspielten Emo und tanzbaren Post-Punk. Und überhaupt: die Texte. Toll! Aber was ist mit dem Moderator? „Das ist so tief. Das ist so authentisch, dass wir Tränen in die Augen gekriegt haben, hier im Studio…“

19 // The Death of Anna Karina // Lacrima/Pantera

Ich war doch ziemlich verwundert, dass The Death of Anna Karina überhaupt noch existieren – und damit war ich sicherlich nicht der einzige. Noch überraschender war, wie gereift sich die italienische Band auf ihrem dritten Full Length präsentierte. Sie entfernten sich von ihren HC-Wurzeln, allerdings nicht von der Härte. Kombiniert mit den (erstmals) perfekt implementierten Synths, spannungsgeladenen Arrangements, intensiven Vocals und einer durchwegs angsteinflößenden Atmosphäre ist „Lacrima/Pantera“ ein richtig starkes Album geworden. Ein Geheimtipp noch dazu!

18 // Le Dead Projet // Keep on Living

Motiviert ging ich hier nicht grad ran. Französische Band, irgendwo im Hardcore-Umfeld. Das konnte ja nur auf den ewig gleichen Postrock-Mischmasch hinauslaufen. Denkste! Le Dead Projet spielten mit „Keep on Living“ eins der frischesten Alben des Jahres ein. Haupteinfluss waren wohl Botch, doch dank der Stop’n'Go-Mechanik fühlte ich mich stärker an die skandinavischen Ableger von Lack und Complete erinnert. Wie auch immer: originelles, progressives HC-Album, mit der richtigen Mischung aus zermalmenden Riffs und epischen Spannungsbögen. Wenn die zweite Hälfte auch so gute wäre wie die erste, würds gut zehn Plätze weiter oben unten stehen…

17 // Brain Fever // Brain Fever

Unglaublich, dass es heutzutage noch eine chaotische Hardcore-Band gibt, bei der einem weder das unerträgliche Wort „Math“, noch das bestialische Wort „Metal“ über die Lippen rutscht. Verspielt, abgedreht, verbreakt und spastisch sind Brain Fever dennoch. Die Kunst der Band ist es, diese Eigenschaften mit allerlei direkten Abgehparts, melodischen Sektionen und dutzenden Hooks zu entkräften. Dabei raus kommt ein HC-Album, wie ich es mir öfter wünsche. Eins zu dem man bestens abgehen kann, dass einen aber niemals überfordert und immer Spaß macht. Hätte Dangers’ „Anger“ eine kleine Schwester, würd diese „Brain Fever“ heißen…

16 // Deadverse // Caution to the Wind

Deadverse bewiesen 2011, dass man mit minimalen Aufwand an maximalen Ertrag kommt. Denn ohne völlig verwirrt Stile zu vermischen, ohne unmotivierte Intros/Interludes zu verwursten und ohne seine Songs unnötig in die Länge zu ziehen, war „Caution to the Wind“ mitreißend und erfrischend zu gleich. Ob man es Post-Hardcore, Emo-Hardcore oder einfach nur Punk nennen mag, ist egal: auf die Schnelle fällt mir keine Band ein, die in seiner Gesamtheit so klingt wie Deadverse. Außerdem: bester Shouter des Jahres! Unbestritten.

15 // We fade to Grey // Disappearances

We fade to Grey haben ja schon fast ein Heimspiel – mit Wurzeln in Bayern und Österreich. Umso mehr auf die Schulter klopen will ich den Dreien für ihren beeindruckenden Full Length-Einstand. „Disappearances“ unterhält vom ersten bis zum letzten Song und findet die perfekte Balance aus Arschtrittfaktor, Verspieltheit und Sensibilität. Was im einen Moment nerdig klingt, beschert einem im nächsten eine wohlige Gänsehaut oder entwickelt sich zum hartnäckigen Ohrwurm. In diesem Post-Punk-meets-Indie-Emo-Sektor gings 2011 nicht besser!

14 // Touche Amore // Parting the Sea between Brightness and me

Keine Diskussion. Objektiv betrachtet ist „Parting the Sea between Brightness and me“ eins der besten, vielleicht sogar DAS beste moderne HC-Album des Jahres. Ohne Ausfall rasen Touche Amore durch 13 treibende Songs mit viel Hitpotenzial hindurch. Gleichzeitig rückten Touche Amore den Hardcore gefährlich nahe an die kommerzielle Schwelle. Der makellose Sound macht deutlich, wie durchgeplant diese Scheibe entstand. Außerdem kann ich mir bei den zwanghaft formulierten Reimen von Jeremy Bolm ein Wort nicht verkneifen: käsig. Die Tatsache, dass „Parting“ wie kaum ein Album in diesem Jahr vor Selbstzitaten nur so strotzte, machte die zweischneidige Angelegenheit perfekt. Aller Kritikpunkte zu Wider ist dieser unoriginelle Aufguss immer noch so stark, dass er es locker in meine Top 20 schafft. Ich wette allerdings drauf, dass mir „Parting“ in ein paar Jahren völlig egal sein wird und ich im Plattenregal zu „To the Beat of a Dead Horse“ greifen werde. Das ist auch DER Grund, warum Touche Amore in dieser Liste schon so früh auftauchen. Ganz subjektiv.

13 // Balance and Composure // Separation

Nach ihrer „Only Boundaries“-EP sagte ich Balance and Composure zwar eine große Zukunft voraus – ein Debütalbum wie „Separation“ hätte ich ihnen dann doch nicht zugetraut. Verglichen zum Material davor sind die zwölf vorhandenen Songs nicht nur tiefer, sondern glänzen in Sachen Songstrukturen und Performance durch viel mehr Reife. Dabei bedient man sich gleichermaßen bei älteren Indie/Emo-Bands der Marke Sunny Day Real Estate wie bei der kommerzielleren, später aufkeimenden Welle, angeführt von Taking Back Sunday oder Brand New. Wenn man dann über das Album hinaus immer wieder alte Grunge-Einflüsse raushört, dann merkt man, wie eigenwillig „Separation“ in diesem Jahr klang. Abermals wage ich die Prognose, dass diese Jungspunde in naher Zukunt so richtig, richtig groß werden…

12 // Adolar // Zu den Takten des Programms

Adolar stehen auch 2011 für sich. Derart unterhaltsam verwurstet derzeit keiner lapidare Alltagsgeschichten und schafft es dabei so gut seine Kritik unter einer dicken Schicht Sarkasmus zu verstecken. Rein musikalisch punkten die Jungs abermals durch Vielfalt. Neben dem poppigen Radiohit steht der ungestüme, fast schon noisige Brocken. Auf den verwinkelten Postcore-Brecher folgt die reduzierte Ballade und irgendwo dazwischen findet auch noch eine seltsamer spoken word-Track seinen Platz. Dass man persönlich nicht mit allen Nummern klar kommt, ist vollkommen logisch – der Band muss man allerdings ein Lob für ihren Mut aussprechen!

11 // Empty Guns // Nichts ist laut hier

O-Ton meiner Freundin: „Ja, wo geht die denn nun hin? Zuerst nach London, dann nach Moskau. Das ergibt doch alles keinen Sinn!“. Dabei wollte sie die darauffolgenden Zeilen wohl gar nicht mehr hören: „Würdest du mir glauben, wenn ich sage, ich verlier’ mich in deinen Auge… so sehr!“. Wie tief die Texte der Empty Guns sind, ist völlig schnurz. Sänger Sören füllt die simplen Anekdoten mit so viel Leben und Charakter aus, dass mir zu jeder seiner Zeilen ein neues Bild im Kopf herumschwirrt. Die Band bastelt darum allerlei luftig-leichte, beizeiten melancholsiche Melodien, die all das perfekt einrahmen. Ohne Frage: mein Wohlfühl-, mein Sommeralbum des Jahres!

10 // Ironhide // Create/Collapse/Repeat

Jeglicher Kredit geht an Victor. Ohne ihn hätte ich diese Platte nie und nimmer entdeckt. Kein Wunder, denn mit Mathcore, Chaoscore, Tech-Metal oder wie man es auch immer nennen möchte, konnte ich die letzten Jahre nicht mehr viel anfangen. Ironhide änderten dies. Ihr „Create/Collapse/Repeat“ ist zwar vertrakt und beizeiten anstrengend – doch immer wenn es ZU anstrengend wird, wirft die Band einen epischen Melodiebogen, ein anfixendes Riff oder einfach nur einen direkten Abgehpart ins Geschehen. Die Australier holen sich innerhalb dieser 30 Minuten nicht einen runter auf ihr (beeindruckends) technisches Können, sondern kanalisieren dieses in intelligentem Songwriting. Wer Referenzen braucht: alte Dillinger Escape Plan, alte Protest the Hero, Misery Signals anno „Mirrors“. Dabei ist „Create/Collapse/Repeat“ 2011 konkurrenzlos. Selbst wenn mein geschätzer Mitschreiber das anders sieht…

09 // Daniel Striped Tiger // No Difference

Wenn das die Gitarre ist, auf der das Hauptriff von „No Reverse“ gespielt wurde, dann würde ich ihr auch hinterherlaufen! Zum dritten Mal in Folge machten Daniel Striped Tiger ein tolles Album – und zum dritten Mal in Folge merkte es keiner. Schade. Denn alleine ihr kaputter, schräger Gitarrensound macht sie zu etwas Besonderem. Ich liebe ihn! Das repetitive „No Reverse“ ist übrigens der Hit der Scheibe, allerdings nicht so mächtig, dass es den Rest in den Schatten stellen würde. Im Gegenteil: so dicht wie auf „No Difference“ klangen Daniel Striped Tiger nie zuvor!

08 // Ampere // Like Shadows

Der kürzeste Vertreter dieser Liste, zeigt wie Screamo aussehen sollte: laut, angriffslustig, schnell, dennoch komplex und melodisch. All das in gerade mal 14 ohrenzermalmenden Minuten, zu denen man nicht mehr als zwei Sätze schreiben braucht…

07 // Logs // Hogz

Vom kürzesten, zum spärlichsten Album. „Hogz“ ist so spärlich, dass die Songs keinen Titel bekamen. Noch nicht einmal zu einem Cover reichte es (das hier Verwendete kommt von der 7inch aus 2007). Dem zufolge wurde das Logs-Werk auch nie auf Vinyl oder CD gepresst. Von einer amtlichen Produktion kann man also nur träumen. Doch, wisst ihr was? Musik lebt nicht von solchen Faktoren! Denn sonst hätte diese… ähm, „Platte“ nicht die dreizehn bis dato genannten Alben hinter sich gelassen. Mit hohem musikalischen Verständnis reiht die Nebenband des Kidcrash-Shouters Alex Gaziano hier acht Songs aneinander, die durch ihre ausgefeilten Arrangements, ihre atmosphärischen Melodien, ihre arschtretenden Rhyhtmen und ihre perfekt platzierten Breaks voll und ganz mitreißen. DAS ist Post-Hardcore mit Screamo-Einfluss, so wie ich ihn mir vorstelle! Vergesst die anderen Kapellen die dieses Jahr Ähnliches probierten.

06 // Reaching Away // Please remember me

Reaching Away’s Zweitling hatte das selbe Problem wie der von Touche Amore: er hielt sich strikt an seinen Vorgänger. Was aber kein allzu großes Problem war. Schließlich kann man hier nicht annähernd von einer Kommerzialisierung sprechen. Außerdem spielen Reaching Away mit ihrem 90er-inspirierten Akustik-Emo in ihrer eigenen Liga. „Please remember me“ berührte abermals mit Roger King’s einfühlsamen Gesang und der melancholischen bis tieftraurigen Atmosphäre. Am Ende sehe ich es gleichauf mit „Push away the Moon“. Wo es in Sachen Kohärenz punktet, büßt es bei den etwas zu langen Songs ein. Unterm Strich ein tolles Album von einer meiner absoluten Lieblingsbands der letzten Jahre.

05 // Aristillus // Devoured Trees & Crystal Skies

Dass aus Norwegen immer wieder tolle Bands in der Schnittstelle von Post-Hardcore, New School und Screamo kommen, weiß man spätestens seit JR Ewing , Dominic und Kaospilot. Dennoch konnte bis dato keine Band an deren Klasse anschließen. Bis jetzt! Denn Aristillus huldigen auf ihrem Debüt „Devoured Trees & Crystal Skies“ nicht nur ihren Helden, sondern liefern ein derart ausgereiftes  Gesamtwerk ab, dass erwähnte Referenzen beinahe vollkommen in den Schatten gestellt werden. Aristillus picken sich das Beste der beiden JR Ewing-Alben „Ride Paranoia“ und „Maelstrom“ raus und verfeinern diesen Mix mit ein paar Eigenheiten. So großartig, so dicht dieses Album auch ist, habe ich einen Kritikpunkt: die Produktion ist übertrieben kalt, mechanisch. Hätten Band und Produzent hier bessere Arbeit geleistet, wäre „Devoured Trees & Crystal Skies“ ein Meisterwerk geworden! Für eine Combo, deren Mitglieder zwischen 16 und 20 Jahren sind, ist dieses Werk dennoch atemberaubend.

04 // I Refuse // I Refuse

Mit am Interessantesten an dieser Liste finde ich, wie schwer sich die einzelnen Platten untereinander vergleichen lassen. I Refuse sind eine weitere Band, die in 2011 ihren ganz eigenen Platz hatte – zumindest in meinem Herzen. Dass ihre streng integre HC/Punk-Attitüde neu ist, kann man zwar nicht behaupten, doch derart ehrlich und intensiv setzte sich schon lange keine Band mehr mit Themen wie Gleichberechtigung, Entfremdung, Kommerzialisierung oder Alltagsdruck auseinander. Die zehn Songs haben nicht nur eine klare, alles andere als platt formulierte Aussage, sie beweisen auch, dass diese Themen anno 2011 verdammt viel Relevanz haben. Zu einem Kracher macht dieses Album die musikalische Umsetzung. Die Songs sind in gleichen Teilen hart und melodisch, drücken immer aufs Gaspedal und streifen dabei so unterschiedliche Genres wie alten Deutsch-Punk, 80er-HC-Punk oder 90er-New School. Großartig! Ein Dank geht raus an Alex von Miss the Stars – nicht nur weil er mich auf I Refuse aufmerksam machte, sondern auch weil er (neben uns) der einzige im großen weiten Netz war, der diese Band unterstütze.

03 // The Streets // Computers and Blues

Ich glaube das nennt man… Grower. Nach der anfänglichen Enttäuschung, mauserte sich „Computers and Blues“ zu einem meiner absoluten Lieblingsalben aus 2011. Was auch daran lag, dass es einen Großteil des Jahres mein Autoradio nicht mehr verließ. Schließlich störte sich an dieser mehr oder minder massenkompatiblen Scheibe keiner meiner Beifahrer. Ein Schlag ins Gesicht war „Computers and Blues“ hauptsächlich dadurch, weil Mike Skinner sich und sein Charisma vollkommen zurückhielt. Nicht mehr viel war übrig geblieben von den amüsant erzählten Geschichten, seinen ulkigen Reimen oder den verrückten Songideen. Mit der Zeit merkte ich aber, dass er zum Ausklang seines Projekts einfach einen anderen Weg einschlagen wollte. Und so ist „Computers and Blues“ das musikalischte Album von Skinner. Während er sich raushält, gibt er der facettenreichen Musik die Führung in die Hand. Das sorgt dafür, dass man hier einige der größten Hits seiner Laufbahn findet – egal ob „Puzzled by People“, „We can never be Friends“ oder der grandiose Rausschmeißer „Lock the Locks“. Was dazwischen passiert muss man nicht völlig genial finden, doch es unterhält prächtig. Schließlich klingt jeder Song anders als der davor.

02 // Autarkeia // Autarkeia

Autarkeia’s Debütalbum ist für mich die Überraschung des Jahres. Mit den Vorgängerbands Jiyuna und Merkit konnte ich eher wenig anfangen, doch diese Band reißt mich vollkommen mit. Und das obwohl ich mit den ersten progressiven Screamo/Emo-Sachen gar nicht mehr SO viel anfangen kann. Autarkeia erinnern nämlich frappierend an Gruppen wie City of Caterpillar oder Circle takes the Square. Doch vom ersten Moment an nahm mich dieses Album mit seiner mal verspielten, mal epischen Melodik, seinen tollen Stimmungswechseln und der trostlosen, aber niemals weinerlichen Atmosphäre in seinen Bann. Darüber schreit sich eine Dame die Seele aus dem Leib und intoniert zwischendrin hervorragende Gesangsharmonien. Autarkeia ergänzen sich perfekt und klingen aktuell so wie keine andere Band. Außerdem finde ich es beeindruckend mit welch’ simplen Mitteln diese Gruppe komplexe, hochemotionale Stücke schreibt. Der leichte Postrock-Einfluss stört mich diesmal überhaupt nicht! Für meinen seltsamen Geschmack war Autarkeia’s Werk DIE essenzielle Screamo/Emo-Scheibe des Jahres.

01 // &U&I // Light Bearer

Ich bin froh, dass &U&I zum Ende des Jahres ein würdiges „Album des Jahres“ veröffentlicht haben. Denn das fehlte mir bis dahin. „Light Bearer“ ist für mich das einzige Album in diesem Jahr, dass sowohl als Gesamtwerk, als auch in seinen Einzelteilen überzeugt, dass kompositorisch, sowie lyrisch, musikalisch und auch vom Sound/der Produktion her keine Schwächen offenbart. Erwähnte ich schon den grandiosen Gesang oder die vielen Alleinstellungsmerkmale von &U&I?! Dass die Drei ihre Vorgängerband Blakfish auflösten, um mit diesem neuen Projekt durchzustarten, hat sich also voll und ganz ausgezahlt. Viel mehr kann ich nach meinem überschäumenden Review vom 24.12. nicht mehr zu „Light Bearer“ sagen – zu viel Arschkriecherei tut auch nicht gut.

Schon das atmosphärische Intro deutet darauf hin, wie ernst es &U&I diesmal meinen. Wasserrauschen und das Bimmeln einer Kirchenuhr eröffnen das Album – wer genau hinhört, der merkt, dass sowohl das Wasser- als auch das Zeit-Thema im Verlauf des Albums immer wieder aufgegriffen werden. Das Intro ebnet den Weg für den bekannten Opener „To the Water now is the Hour“, das einen mit verdammt viel Groove überrollt und durch sein 90er-Rock-Flair einfach nur frisch klingt. „Talk with Steam“ nimmt den Anfangsschwung raus und präsentiert sich als schleppende Midtempo-Nummer, die zur Mitte hin eine ruhige Sektion hat, sich dann peau a peau steigert und abrupt endet. Mit „Stalk this City“ folgt ein absolutes Highlight des Albums. Der verzwackte, dennoch poppige Anfang erinnert das erste Mal an alte Blakfish-Tage. Der Song folgt dem Stop’n'Go-Prinzip und verheddert sich immer wieder in verspielten Arrangements, die dann durch eine Melodie aufgebrochen werden. Zum Schluss hinaus zaubern &U&I einen überragenden Chorus aus dem Nichts hervor. Mit „Belly Full of Fire & a Heart Full of Blood“ zeigt sich der Dreier von seiner fiesen Seite, mit einem direkt stompenden Brecher, der frappierend an die Landsmänner von The Ghost of a Thousand erinnert. Ohne Pause geht es weiter mit dem mathematischen Gefrickel von „La Mere Vipere“, dass zwar auch im Verlauf die reinste Raserei bleibt, aber für kurze Zeit immer wieder einen poppigen Refrain aufkeimen lässt. Quasi zum Abschluss der ersten Hälfte folgt mit „Super Five“ das überrasschendste Stück. Ein Acapella-Song, der von Thom Peckartt’s Stimme getragen und von hintergründigen „mmm“-Chören untermalt wird. „You never learn, do you? You never do what you’re told“ heißt es immer wieder – das Stück entfaltet in seinen repetitiven drei Minuten eine fast schon hypnotische Wirkung. Der Übergang zum vielleicht besten Song des Albums ist perfekt.

„Accordingly in Motion“ startet mit fast schon klassischem Gitarrenspiel und dem eleganten Gesang von Thom – das hat fast was von Muse. Das Stück nimmt Fahrt auf, wird schneller, intensiver und haut dann einen berührenden, völlig mitreißenden Refrain raus. Ein Sample leitet über ins totale Chaos, in dem Thom seine Schreistimme auspackt, nur um unmittelbar darauf das nächste Feuerwerk abzufackeln. Plötzlich greift er die Aussage von „Super Five“ auf, diesmal nicht melancholisch und nachdenklich, sondern aufbrausend, ja angepisst! Zum Beginn von „Baskerville the Atheist“ geben sich &U&I erneut von ihrer ruhigen „Indie“-Seite, fügen dem Stück dann aber immer mehr Druck hinzu, starten in verspielte Sektionen und finden am Ende doch wieder den Weg zum anfänglichen Thema und einem eleganten Abschluss. „Of the Morning Star“ zeigt, wie stark dieses Album ist. Denn obwohl es dem Ganzen wenig Neues hinzufügt und zu den schwächeren Tracks gehört, macht es in seiner technischen Überdrehtheit viel Spaß! Mit „The Screaming Skull“ leiten &U&I langsam aber sicher das Ende ein. Zerstörerisch und angriffslustig wie nie meint Peckartt: „This is World War III! There is no one left fighting but you and me!“. Das Massaker endet in waberndem Feedback und führt uns über den Abgrund: „Above the Abyss“ lässt die Gitarre eine ablaufende Uhr imitieren und dann… „Burn me alive, this will burn me alive“ – der Refrain aus „To the Water Now is the Hour“ wird, ähnlich wie zuvor, in einer völlig neuen Stimmung, mit ganz anderer Intonierung präsentiert. Durch ein kurzes Sample bekommt der Song einen Cut, lässt Ruhe walten und eröffnet dann das laute, epische Finale von „Light Bearer“. Sämtliche Instrumente werden bis zum Anschlag aufgedreht und verlieren dann von Sekunde zu Sekunde immer mehr Lautstärke, bis das Album nach 44 Minuten 13 Sekunden endet. Mit Wasserrauschen und dem Bimmeln einer Kirchenuhr…

Mal abgesehen davon, dass &U&I unverschämtes Talent besitzen. Mal abgesehen davon, dass sie mit ihrer Mischung aus Mathrock, Post-Hardcore, Indie und Pop völlig eigen klingen. Mal abgesehen davon, dass Thom ein begnadeter Sänger ist. Mal abgesehen davon, dass sie mit ihrem Songwriting von Anfang bis Ende überzeugen. Abgesehen von all dem, ist es die Stringenz dieser Dreiviertelstunde, die „Light Bearer“ so gut macht. Die Stücke fließen nicht nur ineinander, sie nehmen Bezug auf das Gewesene oder bauen aufeinander auf. &U&I betonten schon im Vorfeld, dass sie ihr neues Werk als ganzes Album geschrieben haben – und das ist ihnen wirklich sehr gut gelungen. „Light Bearer“ ist ein Gesamtwerk. Anders als noch bei der EP, wo ein, zwei Songs herausragten, tu ich mir hier schwer einen Lieblingssong zu finden. Selbst die weniger hitverdächtigen Stücke passen geschmeidig in den Verlauf des Albums und bieten zumindest einen erinnerungswürdigen Moment.

Wenn es einen Schwachpunkt an „Light Bearer“ gibt, dann ist dieser im Schlussdrittel zu finden. Für meinen Geschmack sind die Stücke hier etwas zu verbreakt und in die Länge gezogen. Das Finale ist gut, aber nicht ganz so gut herausgearbeitet wie andere Passagen im Albumverlauf. Aber das ist Nitpicking! Im Endeffekt habe ich schon lange nicht mehr ein so starkes Album wie „Light Bearer“ gehört. Das Trio hat sich in allen Belangen weiterentwickelt und ein höchst unterhaltsames, süchtig machendes Werk aufgenommen, bei dem ein großer Moment den nächsten jagt. Ohne Frage: ein potenzieller All-Time-Favorit!
10/10

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Die Frage die sich mir dennoch stellt: War Musik damals wirklich besser? Oder ist das alles nur Einbildung?

Eine kleine Session durch meine Sammlung bestätigt mich jedenfalls. Mit den alten Klassikern hat man mehr Spaß als mit sämtlichen neuem Kram. Vielleicht oder gerade weil diese „Oldies“ ganz spezielle Erinnerungen in einem hervorrufen. Erinnerungen von einer aufregenderen, unbefangenen Zeit. Einer Zeit in der all das Neuland war und man immer mehr reinkam. Musik wird jedenfalls immer da sein. Es wird gute und schlechte Musik aus den unterschiedlichsten Sparten geben. Tag für Tag. Woche für Woche. Monat für Monat. Jahr für Jahr…

Und wisst ihr was? Das ist auch gut so. Jeder Mensch braucht im Leben seine Konstanten. Seine Dinge, an die er sich klammern kann. In guten wie in schlechten Zeiten. Bevor es nun allzu pathetisch wird, ballere ich meine Tops und Flops  in 2011 raus. Der Nörgler der ich nun mal bin, fand ich dieses Jahr, rein musikalisch, nicht ganz so gut wie 2010. Nichtsdestotrotz gabs abermals viel Zeug, das es verdient (nochmal) erwähnt zu werden…

_L A B E L S_

Die Zeiten der großen, amerikanischen HC- und Punk-Labels, die konstant gutes Zeug rausbringen, sind schon lange vorbei. Deswegen sehen meine Lieblingslabels in 2011 genauso aus wie die Jahre zuvor:

- Adagio 830
- Lala Schallplatten
- Moment of Collapse
- Purepainsugar
- React with Protest
- Lieblings-Ami-Label: Bear Records

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_A U F G E L Ö S T_

Alexisonfire (2001-2011)
Ark of the Covenant (2009-2011)
The Blackout Argument (2005-2011)
The Bled (2001-2011)
Dolcim (2008-2011)
Drowning with our Anchors (2007-2011)
Escapado (2002-2011)
The Ghost of a Thousand (2004-2011)
Ironhide (2009-2011)
It is Imperative (2004-2011)
Jimmy Kafka (2009-2011)
Killing the Dream (2003-2011)
Maths (2006-2011)
Sneinton (2011-2011)
Snowing (2008-2011)
Thursday (1997-2011)
Treaty of Versailles (2009-2011)
Zann (1999-2011)

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_E N T T Ä U S C H U N G E N_

- Abolition’s „s/t“
- Capsule’s „No Ghost“
- Gallows’ „Death is Birth“
- Roger King’s „Still Waiting“
- Thursday’s „No Devolucion“
- Mit Abstrichen: Thrice’s „Major/Minor“, Algernon Cadwallder’s „Parrot Flies“ & Heights’ „Dead Ends“

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_H Y P E S_

- „The Wave“ und ihre Alben. Muss ich diesen, von Bands und Labels, selbst heraufbeschworenen Trend verstehen? La Dispute‘s „Wildlife“ wird überall als Platte des Jahres abgefeiert, dabei hört es sich für mich so an als ob ich Postcore-Band Nummer 378 parallel zu eine dieser alten Märchen-Kassetten abspielen würde. Das gibt mir überhaupt nix. Deswegen: Gratulation für den Titel der am meist überschätzesten Platte des Jahres. Nein, warte! Da gab es ja noch „The Lack long after“ von Pianos become the Teeth. Diese Band ist ein Phänomen. Hochstilisiert von der Presse, gepusht durch das ehemalige Defeater-Label Topshelf und die sogenannte „The Wave“ wurd hier eine höchst durchschnittliche Band zu einer „wegweisenden“ gemacht. Sicherlich lässt sich über Geschmack streiten, doch ich bezweifle, dass „The Lack long after“ großartige Auszeichnungen bekommen hätte, wäre es von irgendeiner anderen Band aus irgendeiner anderen Stadt auf irgendeinem anderen Label rausgekommen. Um meinen Rant abzuschließen, muss ich auch noch Defeater und ihr zweites Album „Empty Days & Sleepless Nights“ erwähnen. Unterhaltsamer als die zuvor erwähnten Alben, war es für mich ebenfalls überbewertet. Der erste Part war solide, doch schön langsam ist dieser Modern Hardcore-Kram totgeritten. Dabei fand ich „Travels“ damals echt grandios! Beim zweiten Part, dem Akustik-Teil, kommt mir leider das Gähnen. Vielleicht hab ich keine Ahnung davon, doch guter Akustik-Kram hört sich für mich anders an. Nur die letzte „The Wave“-Band konnte ein paar Kohlen aus dem Ofen holen: Touche Amore‘s „Parting the Sea between Brightness and me“ riss mit, war nach dem überragenden Erstling aber eine Enttäuschung auf hohem Niveau.

- Post-Hardcore an sich. Was ist dieser Post-Hardcore oder kurz Postcore eigentlich? Für mich standen eigentlich mal Bands wie Fugazi, At the Drive-In oder Drive like Jehu für diesen Terminus. Anno 2011 war das meiste, dass die breitere Masse als „Post-Hardcore“ bezeichnete, langweilig, anstrengend oder beides zugleich. La Dispute und Pianos become the Teeth bekamen schon genug Fett weg, doch im Schatten dieser gab es weitere hochgelobte Platten, mit denen ich nichts anfangen konnte. Ob Trophy Scars‘ „Never born, never dead“, Counterparts‘ „The Current will carry us“ oder erwähntes „No Devolucion“ von Thursday. Ja, sogar Glassjaw erwachten aus ihrem Dornröschenschlaf. War das die Zukunft des Hardcores? Hat all das überhaupt was mit „Hardcore“ am Hut? Oder kann ich einfach nichts mehr mit progressivem Hardcore anfangen?

- Twinkle-Tinkle-Tinky-Winky-Emo. Zu. Viele. Zu! Verdammt! Viele! Zu viele Emo-Bands, die um den Cap’n Jazz-Gedächtnis-Preis wetterten, gab es in 2011. Wirklich rauszufinden, wer von all diesen Bands etwas taugt, ist beinahe unmöglich. Als Synonym für diesen Hype steht für mich das zweite Full Length von Algernon Cadwallder. Wo mir der Erstling richtig gut gefiel, da tönt „Parrot Flies“ völlig ausgelutscht. Und das obwohl es qualitativ keine Lichtjahre von seinem Vorgänger entfernt ist. Schräg. Fast so schräg, wie all diese lustigen Bands!

- Reunions und kein Ende. Ohne Text.

- Diese Kategorie. Eh klar.

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_ D E M O S_

04. Olive Cotard
Aus Missouri kommen Olive Cotard. Sie gehen in Richtung Spät 90er-/Früh-2000er-Schrei-Emo. Der Sound der Demo ist verdammt roh, was dem nostalgischem Feeling allerdings gut tut. Depressive Melodien findet man in den fünf Stücken genauso wie sich auftürmende build-ups, die dann in einem emotionalen Break mit mehrstimmigen Geschrei wieder eingerissen werden. Richtig gute Sache, das. Erinnert mich an diversen Ebullition-Sachen, allen voran an Yaphet Kotto. Olive Cotard liegen derzeit aus personellen Gründen auf Eis. Hoffentlich kommen sie bald zurück! Download

03. Black Everest
Eine der Lichtblicke im deutschen HC/Screamo-Universum waren in diesem Jahr Black Everest. Ihr Demo wurde gar auf Vinyl gepresst und kam vor ein paar Wochen über Moment of Collapse raus. Beachtenswert ist, wie eigenständig die Nordlichter klingen. Sie verbinden Screamo/Emo-Violence mit dezent crustigem Hardcore und schaffen es dabei Synthesizer auf eine unpeinliche Weise unterzubringen. Was im einen Moment so klingt, wie eine solche Scheibe klingen soll, nämlich heftig und alles begrabend, ist im anderen Augenblick überraschend verspielt. Da gibt es dann schon mal ruhige, atmosphärische Teile oder verzwackte Arrangements. Wie gesagt: vielleicht noch nicht ganz ausgereift, aber äußerst originell. Mit der Vorgängerband Only for the Sake of Aching konnt ich nicht allzu viel anfangen, doch die Black Everest-Demo macht Lust auf mehr!

02. Treaty of Versailles
Immer scheiße, wenn eine Band gute Ansätze zeigt, sich dann aber auflöst. So geschehen bei Treaty of Versailles, die eins der besten Screamo-Demos des Jahres einspielten. Ähnlich wie Olive Cotard erinnerte die Band aus Iowa an früher – was von Haus aus eine schöne Sache ist. Was in den harten Parts an Ebullition oder Level Plane-Stoff denken lässt, geht in den soften Richtung City of Caterpillar oder Portraits of Past. Treaty of Versailles verstanden es nahtlos zwischen diesen beiden Extremen zu wechseln, ja schafften eine Verschmelzung davon. Ich finds echt großartig! Ein Album auf dem Niveau wäre definitiv ein Knaller geworden. Blöde Screamo-Klischees! Download

01. Carved our Names in Snow
Unbestritten: mein Lieblingsdemo. Den mittleren Song „Nocturnal“ find ich zwar nicht so dufte, doch dafür zählen „Agree to Disagree“ und „Wilted“ zu den besten Songs des Jahres! Ersteres Stück ist ein verdammtes Meisterwerk. Post-Hardcore der La Dispute At the Drive-In- und Fugazi-Schule paart sich mit heftigen Rhythmen und den einfahrendsten Schreien, die ich seit Ewigkeiten gehört habe. Wenn der Sänger schreit, dann fühlt man seinen Schmerz regelrecht. Viel dazu bei trägt der Sound. Denn dieser klingt genau so, wie ich mir das für ein Demo erwarte. Es kratzt, scheppert und knirscht an allen Ecken. Man mag es „lo-fi“ nenne. Ich nenn es authentisch. Das einzige was mich an „Agree to Disagree“ stört ist, dass es dem Hörer einen falschen Eindruck von Carved our Names in Snow vermittelt. Denn eigentlich ist die Band viel melodiöser, viel mehr Emo, als man das anhand des Opener meinen möchte. Das beweisen nicht nur die darauffolgenden Stücke, das beweisen auch der Split und die 2-Song-EP die man später im Jahr veröffentlichte. „Wilted“ schafft es aber, trotz vorhandener Melodiösität, ein dramatischer Brecher zu sein, der einem einfach nur unter die Haut fährt. „I don’t know what they will think about me! Now!!„. Download

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_S P L I T S_

05. Cloud Rat/Autarkeia
Schöne 7inch der beiden IFB-Label-Kollegen. Nach dem Album vom letzten Jahr, sind Cloud Rat hier mit zwei neuen Songs vertreten. Die Band aus Michigan spielt heftigen Hardcore, wie er perfekt in unsere Zeit passt. Beizeiten wirds ultraschnell, doch man erreicht niemals Powerviolence-Dimensionen. Dafür sorgen schon die schleppenden Midtempo-Parts oder die ständig vertretene Melodik, die dem Treiben einen gewissen emotionalen Touch verleiht. Kurz gesagt: Freunde von Punch oder Ceremony werden Cloud Rat mögen. Wo ich die eine Seite nur solide finde, da glänzen Autarkeia auf der anderen. Sie sind mit einem über sechsminütigen Stück dabei, das ganz im Stile des Albums daherkommt. Melodisch-verspielte Gitarren treffen auf diesen unheimlich emotionalen Gesang und eine verzwackte Rhythmusabteilung. Das Arrangement des Songs ist in keiner Sekunde vorherzusehen, reißt aber von der ersten bis zur letzten Sekunde mit. Die Split kam übrigens vor dem grandiosen Album raus. Ich hab die Band jedenfalls ganz fest ins Herz geschlossen. Progressiver Schrei-Emo, wie er sein sollte!

04. Mouthbreather/Worn in Red
Eine weitere 7inch, bei der ich eine Seite eindeutig besser finde. Mouthbreather machen dennoch einen guten Job und sind in Sachen Hardcore-Punk mit Rock’n'Roll-Kante eh schon längers eine Bank. Der Opener „I can’t dance to that“ ist ein kleiner, aber feiner Hit, zu dem es sich dann doch ganz gut tanzen lässt. Der zweite Song „Sea of Storms“ ist nur halb so aufregend. Richtig gewartet habe ich aber auf neues Material von Worn in Red. „In the Offing“ war eines der besten Alben aus 2009 und Gott bewahre: Worn in Red machen dort weiter, wo sie aufgehört haben. Spätestens wenn die Stimme einsetzt, setzt bei mir die Gänsehaut ein. Wie zuvor zockt die Band ihren völlig eigenständigen Post-Hardcore-Sound runter, der mit depressiven Melodien, mitreißenden Spannungsbögen und emotionalem, zweistimmigen Gesang daherkommt. Wenn Worn in Red das Niveau dieser beiden Stücke auf das neue Album mitrübernehmen, dann ist eines der Highlights für 2012  jetzt schon fix!

03. Aussitot Mort/Heaven in her Arms
Fast genauso gespannt wie auf Worn in Red, war ich auf neues Material von Aussitot Mort. „Montuenga“ liegt nun auch schon drei Jahre zurück. Und auch die Franzosen enttäuschen nicht. Gefühlsmäßig machte man zwar einen weiteren Schritt Richtung Postrock, doch die beiden Split-Songs haben immer noch genug Härte, um an die Intensität des letzten Albums anzuschließen. Wie immer glänzen Aussitot Mort durch ihre spannenden Arrangements und den wunderbaren Sound. Genial ist natürlich der Einstieg der Split-10inch. In „Une defaite a la piaule“ gibt es nämlich einen Gastauftritt des Heaven in her Arms-Sängers, der im ruhigen Teil seine mysteriösen Sprachfetzen miteinbringt. Natürlich in Japanisch. Kombiniert mit den härteren, französischen Vocals von Aussitot Mort, ergibt das einen einzigartigen Song. In „Supraliminaire“ agieren Aussitot Mort auf eigene Faust. Im Gegensatz zum moshenden Opener lehnt sich der zweite Song mehr in Richtung Postrock. Mit seinem atmosphärischen Outro leitet er perfekt über in die zweite Hälfte. Und von wem anderen als von der anderen, ganz großen HC-meets-Postrock-Band könnte diese belegt sein? Heaven in her Arms nehmen die Vorlage von Aussitot Mort an und starten mit ihrem „Lost Title“, das ausschließlich aus Ambient-Geräuschen besteht. Es gibt die Einleitung für das rasend startende „Inversion Operation“. Der Hauptsong der Japaner bedient sich in Sachen Gitarrenarbeit heftig im Metal. Darum strikt man dann eine klassisch anmutende Harmonie und zieht das Laut-Leise-Wechselspielchen ab, für das man seit Jahren berüchtigt ist. Für sich betrachtet, haben beide Bands mehr Potenzial als sie auf dieser Split gezeigt haben, doch diese 10inch sollte man auch als Gesamtwerk sehen. Außerdem ist es verdammt cool, wenn ein solches „Genre-Gipfeltreffen“ zustande kommt. Mal alle Subjektivität beiseite, ist das hier DER essentielle Split des Jahres. Punkt.

02. John Cota/Ten Thousand Leagues
Ein richtig guter Screamo-Split pro Jahr ist Pflicht! In diesem Jahr kam dieser aus den Vereinigten Staaten. Während ich Ten Thousand Leagues durch ihre Demo schon kannte, waren mir John Cota bis dato unbekannt. Umso überraschender ist ihre Seite. Ihre drei Songs sollten jeden Screamo-Fan hinterm Ofen hervorlocken. John Cota spielen emotionalen, melodischen Screamo wie er sein sollte. Die Stücke sind einfallsreich strukturiert und bieten eine perfekte Balance aus epischen Melodiebögen und latent verzwackten Abgehparts, die mit rohen Schrei-Attacken kombiniert werden. Ten Thousand Leagues machen auf der Flipside das Hot Cross-Ding. Mathige, chaotische Songstrukturen werden mit emo-mäßigen Melodien und schnellen HC-Passagen vermixt. Das hat nicht nur Drive, sondern auch verdammt viel Gefühl. Aktuell gibt es kaum eine Band, die das besser macht. Und so runden die drei Songs von Ten Thousand Leagues diese 10inch ab.

01. Black Kites/Convulsions
Letztes Jahr standen hier ebenfalls Black Kites. Damals mit Swallowed Up. Das liegt ganz einfach daran, dass Black Kites weiterhin zu den besten HC-Bands der Gegenwart zählen. Die sechs neuen Songs kommen vielleicht nicht ganz an die vom letzten Album ran, sind aber immer noch klasse. Highlight ist der Opener „Sleep easy“, doch auch „Own this Monster“ und „Fake Punches“ können einiges! Auf der anderen Seite wirds mit Convulsions etwas unkonventioneller. Basis für die Band ist zwar ebenfalls Hardcore, doch ihre Interpretation gehört ohne Zweifel zu den originellsten in diesem Jahr. Noisige Spielereien einerseits paaren sich mit direkten HC-Attacken, schleppenden Bulldozer-Teilen und atmosphärischen, beinahe psychedelischen Momenten. Schön zu sehen, dass es noch eine Band gib, die sich an Gruppen wie Kiss it Goodbye oder Coalesce orientiert. Diese gut 20 Minuten sind schwer zu beschreiben, genau deswegen sollte man sie gehört haben. Jeder Convulsions-Song klingt völlig anders als der davor! Klasse an diesem Split finde ich vorallem die Mischung. Beide Bands passen irgendwie zusammen, weil sie ihre Inspiration hauptsächlich aus den 90ern ziehen. Aber im Endeffkt klingen sie völlig unterschiedlich. Das macht diesen Split so aufregend!

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_E P S_

15. Coup d’etat – „Der Sinn für die Bewegung in der Stille“
Die Band aus Berlin bearbeitet auf ihrer ersten Veröffentlichung einen in letzer Zeit eher ausgetrockneten Acker. Emotionaler Hardcore mit deutschen Texten. Sowohl Loxiran als auch Jet Black oder in Teilen auch Alpinist und Glasses kommen mir beim Hören in den Sinn. Wo sie in den Ambient-Teilen diverse Postrock-Kapellen in Erinnerung rufen, da verwurstet man in den harten Parts Screamo- und Crust-Einflüsse. Leicht auf einen Nenner zu bringen sind Coup d’etat also nicht. Das mit der düsteren, verzweifelten Stimmung bringen sie jedenfalls schon sehr gut hin. Vielversprechend!

14. Tashtego -“Simple Algorithms for Daily Living“
Ob es gut oder schlecht ist, wenn man das Vorbild einer Band schon nach wenigen Takten erkennt? Keine Ahnung. Tashtego nahmen sich mit den benachbarten Daniel Striped Tiger zumindest eine Referenz, die nicht allzu häufig kopiert wird. Auf „Simple Algorithms for Daily Living“ machen Tashtego ihre Sache so routiniert, das man gar nicht glauben kann, dass es ein Debütwerk ist. Fairerweise muss man dazu sagen, dass Tashtego, im Gegensatz zu Daniel Striped Tiger, viel Gesang einsetzen. Damit verschaffen sie sich dann doch ein eigenes Gesicht.

13. Jimmy Kafka – „Stadt, Land, Flucht“
Dass Jimmy Kafka ausgerechnet die Gemüter spalteten, weil sie ihre EP Gerüchten zufolge nach einer Muff Potter-Zeile benannten, war schräg. Denn rein musikalisch sollte man dankbar sein, dass jemand etwas neues mit deutschsprachigem Punkrock probiert. So ganz ins Konzept vieler Lala Schallplatten-Bands wollen Jimmy Kafka nämlich nicht passen. Was allen voran an ihrer viel ernsteren Herangehensweise liegt. Wo Willy Fog, Krawhel und Konsorten immer ein zwinkerndes Auge im Knopfloch haben, da verstehen Jimmy Kafka keinen Humor. Und das wirkt sich auf die schwermütigen Songs aus, die vor Intensität und Dramatik nur so strotzen. Dass es trotzdessen niemals weinerlich wird, verdankt man der arschtretenden Rhythmik dieser sechs Stücke. Überrascht war ich übrigens auch von der „mächtigen“ Produktion. Das hätte ich mir bei einer solchen Band nicht erwartet. Schade, dass sich Jimmy Kafka kurz nach „Stadt, Land, Flucht“ aufgelöst haben. Ts, müssen die schon wieder Muff Potter imitieren! Sowas aber auch!

12. Love American – „s/t“
Love American’s Debüt hat wohl den signifikantesten Opener des Jahres. An diesem hochfidelnde, leicht Metal-inspirierten Gitarrensolo konnt ich mich bis heute nicht satt hören. Und so ist „Where’s my Cash, Johnny?“ zugleich auch das Highlight dieser EP. Rein Schubladen-technisch haben Love American übrigens nichts mit Metal am Hut. Die Band spielt Screamo/Postcore mit nervöser Rhythmik, verzweifeltem Geschrei und sich duellierenden Gitarren – wo die eine mathigen Kram spielt, untermalt die andere mit einer verträumten Melodie. Ob schleppend wie in „Keep the Wes Dream alive“ oder durchgeknallt wie in „Alabama fucked up“, Love American halten stest die Balance aus verspielt und eingängig. Die Jungs haben ihr Handwerk perfekt von solchen Combos wie Hot Cross oder The Fall of Troy erlernt. Hier hat sich übrigens echt mal eine Band nach einem Songtitel benannt. Bestes American Nightmare-Stück übrigens! Unbestritten. (Download)

11. Alexander Korda – „Vous avez encore des secrets a dire“
Ja, wir sind Schwarzmaler. Wir sind Schlechtreder. Wir warnen vor zu viel Tinky-Winky-Emo, vor zu viel Postcore mit Sprechgesang. Wir warnen seit Urzeiten vor zehnminütigen Screamo-Songs. Und seit einigen Jahren sind wir der Meinung, dass Mathematik in der Schule besser als in unserer geliebten Musik aufgehoben ist. Pessimismus hin oder her, dieses Jahre gab eines einige „richtige“ Screamo-Veröffentlichungen. Mit am Besten an die tolle alte Zeit schlossen Alexander Korda an. „Vous avez…“ erinnert nicht nur stilistisch, sondern auch vom Sound her an Kapellen wie Tristan Tzara, Jerome’s Dream oder The Khayembii Communique. Abgerundet durch Samples und reduzierte Emo-Melodien schleudert einen dieses verzerrte, schiefe Lo-Fi-Schrei-Gewitter zurück in eine längst vergangene, aber niemals vergessene Zeit. Im Nachhinein betrachtet sind die Songs nicht ganz so stark, doch die EP gewinnt und lebt regelrecht durch sein Gefühl. (Download)

10. Sail On! Sail On! – „A Glow“
In einem Beitrag in dem ich so heftig über La Dispute und den aktuellen Postcore-Boom geschimpft habe, muss ich dann doch etwas gegenlenken. Denn mit Sail On! Sail On! gab es 2011 einen Vertreter dieser Richtung, der mich prächtig unterhalten hat. Einen La Dispute-Einschlag hört man bei den Australiern sogar deutlich raus. Nicht nur musikalisch, sondern auch bei diesem emotionalen Sprechgesang. Alles, aber auch wirklich alles an „A Glow“ ist bei weitem nicht so penetrant wie beim Vorbild. Der Sprechgesang ist hintergründiger und fühlt sich nicht so aufgesetzt an. Außerdem verfolgen Sail On! Sail On! musikalisch gesehen eine viel direktere Linie. Das hat dann auch einen gewissen Mall Screamo-Einschlag (alte Thrice, Beloved, Glory of This). Und weil die Jungs kongenial schaffen zwischen den verrücktesten Parts hin und her zu wechseln, macht das ganze einfach Laune. Ja, segelt mal weiter so, Jungs! Und vergesst das mit La Dispute. (Download)

09. Maths – „Ascent“
Das Maths-Album „Descent“ war eine mehr als solide, moderne Screamo-Platte, die von jedem ein bisschen hatte. Demnach fanden die Briten bei vielen Anklang. Mit dem direkten Nachfolger, der 4-Track-EP „Ascent“, machte die Band einen guten Sprung nach vorne. Zumindest songschreiberisch. Denn der Laut-Leise-Wechsel ist diesmal um einiges besser ausgearbeitet. Am Stärksten an diesen gut 12 Minuten finde ich, wie sich die Intensität von Sekunde zu Sekunde steigert. Ganz offensichtlich schrieben Maths die EP als Gesamtwerk – und das merkt man auch. Die Stücke fließen perfekt ineinader, sodass „Ascent“ wie eine lange Komposition anmutet. Den Höhepunkt hat man sich dann auch zum Schluss aufgespart, mit der wundervollen Hauptmelodie von „The Wind swept away“, die in epischer Weise zelebriert wird. Rein konzeptionell eine der besten EPs des Jahres!

08. Zona Mexicana – „s/t“
Bei den vielen äußerst netten Screamo-Sachen die das sympathische Bear-Label dieses Jahr veröffentlichte, ragte ein Release heraus: Zona Mexicana’s Debüt-EP. Freundlicherweise auf 10inch gepresst verdrehte es einen mit Kidcrash-mäßigem Math-Prog-Emo die Schädeldecke. Bei solchen Platten gibt es nur hit oder miss. Entweder ist dieser überdrehte, experimentelle, chaotische Stoff viel zu anstrengend oder eine Band findet die Balance, sodass man immer und immer wieder die Songs auf Repeat laufen hat. Zona Mexicana gelang Letzteres. Und es ist schwer zu sagen warum. Obwohl es in den beiden sechsminütigen Stücken „Watershed“ und „Waking up“ zig Breaks gibt, überfordert das Ganze niemals. Neben dem Aneinanderreihen der möglichsten und unmöglichsten Parts finden Zona Mexicana nämlich immer den Weg zur catchy Melodie, zum mitreißenden Singalong oder der direkten, rhythmus-orientierten Stelle. Wenn Ten Thousand Leagues für mich das Hot Cross-Flavour sind, dann könnten Zona Mexicana am ehesten in die Fußstapfen von Kidcrash anno „Jokes“ treten. Die Band hat jedenfalls unheimlich viel Potenzial! Nur die beiden kürzeren Songs in der Mitte ziehen die EP etwas runter.

07. Griever – „Inferior“
Bei Griever frage ich mich, wieso sie so unbeachtet blieben. Immerhin gingen sie aus der Asche der Deathwish-Band Lewd Acts hervor! Außerdem fand man mit Vitriol Records (u.a. Dangers, Comadre, Graf Orlock) ein renommiertes HC-Label. Wo ich Lewd Acts zwar solide, aber relativ ausgeluscht fand, da ist der erste Griever-Output für eine Genre-Platte überraschend originell. Mit dem Opener „The Forgetter“ positioniert man sich vielleicht etwas falsch, lebt dieses Stück doch von seiner fetten Gitarrenwand, den voluminösen Melodien und dem zweistimmigen Geschrei. Das Stück ist direkt, aber durch seine punktgenau platzierten Breaks und die anfixenden Hooklines verdammt catchy. Ausnahmsweise mag ich hier sogar diesen leichten „Tough Guy“-Anstrich. Kurz gesagt: „The Forgetter“ gehört für mich zu den besten Songs des Jahres! Danach ist es nicht einfach Anschluss zu finden. Danach folgen drei Stücke, die allesamt einen ganz anderen Anspruch haben. Mit „Stag Hymn“ gibt es sogar eine Midtempo-Ballade. Im Rausschmeißer „Home again, alone again“ überrascht plötzlich der Shouter, wenn er mit rauchiger Stimme eine weltumarmende Gesangsharmonie raushaut. Ganz so hitverdächtig wie „The Forgetter“ sind die restlichen Songs vielleicht nicht, doch ich rechne es Griever hoch an, dass sie etwas Neues probiert haben. Ohne Frage: eine der frischesten HC-Scheiben des Jahres! Ich bin Fan.

06. Braid – „Closer to Closed“
Ich gebs ja zu, ich habe mich nie so genau mit Braid auseinandergesetzt. Definitiv auch der Grund, warum diese EP hier steht. Alteingesessene Fans wurden von „Closer to Closed“ nämlich schwer enttäuscht. Verständlicherweise. Bei der reduzierten, poppigen Ausrichtung der vier neuen Stücke ist man nämlich fasst gewillt „Ausverkauf!“ zu schreien. Fast. Denn ich nehme es den Herren einfach ab, dass sie es auf ihre alten Tage harmonischer und einfacher mögen. Ich bin ja auch nicht anders und vertrage nicht mehr ganz so durchgeknallten Stoff wie in meiner Jugend. Da konnte es gar nicht krank genug sein. Die Gehirnwindungen die Braid vor über zehn Jahren wund spielten, versuchen sie nun wieder zu heilen. Etwa mit dem Überhit „The Right Time“ (ja, wieder einer dieser grandiosen Opener!), der einschmeichelnd-eleganten Piano-Ballade „You are the Reason“ oder dem verträumt-epischen Emo-Abschluss von „Universe or Worse“, bei dem Braid dann doch wieder in alte Muster zurückfallen. Vier tolle Songs in 16 gute Laune machenden Minuten ergibt: zwei Daumen nach oben!

05. Texas Instruments – „I feel bad for Saying this, but I’m just not having any Fun anymore“
Wer sich etwas genauer mit Screamo und Emo auseinandersetzt ist schon ein Mal auf den Namen Texas Instruments gestoßen. Seit einigen Jahre brachte das Duo verschiedenste Lo-Fi-Veröffentlichungen in Eigenregie raus. Potenzial hatte das Ganze immer, doch so richtig klick machte es erst jetzt. Ob es daran liegt, dass die Jungs aus Kansas City mittlerweile zu Viert agiert? Die früh in diesem Jahr veröffentlichte EP „I feel bad for Saying this…“ zeigt Schrei-Emo jedenfalls von seiner richtigen Seite. Roh, ungeschliffen und voller Emotionen. Wie im schleppenden Opener „Blood’n Shit“ oder dem melancholischen Closer „Do I stink like Shit?“. Die wahren Highlights der EP sind von erwähnten Stücken umzingelt. Und damit kommen wir zu der Sache, die ich an dieser Band liebe. Denn obwohl Texas Instruments im Kern eine zur Tradition verpflichtete Genre-Band ist, peppen sie ihre Stücke durch verdammt coole Ideen auf. So etwa im völlig fiesen „Teamwork“, das ein einziger Abriss ist. Die Stelle bei 1:05, wo die Melodie und kurz darauf das abgefuckte Geschrei einsetzt, gehört für mich zu den „special moments“ in diesem Musik-Jahr. Ich stelle mir immer wieder vor welche Wirkung dieser Song wohl mit einer richtig dicken Produktion hätte?! Das dissonante „Love Rhymes with Boehners“ ist ähnlich mitreißend, vorallem mit dem ergreifenden Schrei-Part zum Schluss hinaus. Völlig übersehene und unterschätzte EP. Mehr davon! (Download)

04. Shark Bait – „Still Growing“
„Still Growing“ war für mich so ein Phänomen. Die Platte baut auf größtenteils penetrante Songs mit zig Wiederholungen. Was mich anscheinend doch nicht davon abhalten konnte, sie immer wieder zu hören. Shark Bait machen das mit dem „Merchant Ships in poppig“ aber auch verdammt gut. Besser als ihr Nachfolger, deren Name mir gerade entfallen ist. Die fünf Stücke auf „Still Growing“ haben nicht nur Ohrwurm-Melodien und -Refrains, sie haben auch den nötigen Arschtrittfaktor und eine perfekte Vocal-Arbeit. Denn nicht nur der softe, äußerst juvenile Gesang, sondern auch das euphorische Geschrei packen einem beim Herzen. Richtig gut wirds wenn die beiden miteinander agieren! Ein Hit jagt den nächsten, der größte der dabei rumkommt ist wohl „Inside your Head“ mit seinem grandiosen Lead. Wäre ich zehn Jahre jünger, wären Shark Bait meine absolute Lieblingsband! Ach ja… (Download)

03. Dowsing – „All i could find was you“
Gehts um den Titel „meistgehörte EP“, ist das hier auf 1. Anfangs an mir vorbeigezogen, wuchs sie mir dann doch ans Herz. Wenn ich Shark Bait gerade als poppige Version von Merchant Ships bezeichnete, dann sind Dowsing für mich die jüngere Ausgabe von Everyone Everywhere. Mit ihrem schwer 90er beeinflussten Indie/Emo und den mal unterhaltsam erzählten, mal emotional gesungenen Geschichten trafen sie bei mir den gleichen Nerv. Ich mag es, wenn sich die Stücke natürlich anfühlen und eine Band nicht allerhand Ideen einbaut um zu zeigen, wie schräg und innovativ sie ist. Dowsing’s „All i could find was you“ nimmt einen mit völlig simplen Mitteln bei der Hand und unterhält am Ende mehr als so viele vollgestopfte Drama-Bands heutzutage. Mein Gott, dann endet ein Song halt mal abrupt, ohne ein großartig aufgebautes Finale. Oder ohne ein richtig herausragende Stelle. So ist das Leben halt mal! Es gibt aufregendere und weniger aufregende Tage. Die aufregendsten heißen hier „Amateur Cartography“ und „Joking/Laughing“.

02. Jowls – „Cunt Punch“
Die, meiner Meinung nach, beste EP im Screamo-Bereich gibt mir die Möglichkeit auf das Genre zurückzublicken. Sicherlich gab es für den Screamo bessere Jahre als 2011. Doch wer nur an der Oberfläche schürfte und sich dabei auch noch auf Alben konzentrierte, der dürfte außer der neuen Ampere nicht sonderlich viel gefunden haben. Alleine im Bereich der Kleinformate gab es 2011 sehr viele Bands die den Sound richtig spielten. Wo Maths moderner klangen, da erinnerten Olive Cotard, Treaty of Versailles und Alexander Korda mit Bravour an alte Tage. Autarkeia oder Texas Instruments hatten einen melodiöseren Anspruch, klangen aber ebenso sympathisch altbacken. Und dann gab es mit Zona Mexicana oder Ten Thousand Leagues ja noch ein paar Bands, die diesen verzwackten, mathigen Screamo amtlich runterzockten. Nicht zu vergessen: John Cota oder die hier nicht mal erwähnten Lester Freamon, Means to an End oder Silencio, Ahora, Silencio. Wenn man auch aufmerksam sein musste, gab es in 2011 viel hörenswerte Schrei-Musik. Jowls setzten sich in vielerlei Hinsicht ab. Allen voran dadurch, da mir spontan kein passender Vergleich einfällt. Das Duo aus Michigan kombiniert angesagtes Zeug von Bands wie Loma Prieta mit Facetten von alten Helden der Marke Neil Perry und Orchid. Gerecht wird diese Beschreibung der Musik nicht. Denn alleine durch die duale Instrumentierung sind die sechs Songs nie so erdrückend wie bei erwähnten Bands. Außerdem verzichten Jowls auf mathematische Gitarrenlinien und setzen viel eher auf schiere Power. Alleine der Drummer erzeugt so unglaublich viel Druck, dass einem schwindlig wird. Und der Schreihhals erst: mit der Beste, den es im Moment im Genre gibt. „Cunt Punch“ mag nichts Besonderes sein, aber für mich persönlich ist es Screamo wie er sein sollte. Schnell, direkt, intensiv und trotzdem melodisch und mit viel Groove. (Download)

01. Bayonet – „s/t“
Mit Trends im Hardcore läuft das meistens so ab: Trend startet; hat seine ersten Top-Platten. Trend findet Nachahmer; mehr Müll kommt raus. Trend hat seinen Höhepunkt; flacht dann ab; nervt irgendwann. Im Modern Hardcore war dieser Höhepunkt 2008/2009 rum, als Bands wie Verse, Have Heart, Defeater und Ruiner (mit Abstrichen) diesen Sound mehr oder minder perfektionierten. Danach kam nicht mehr viel Erwähnenswertes raus. In 2011 wolltens unzählige Kapellen immer noch nicht wahr haben und taten einfach so als ob „Background Music“ grad gestern erschienen ist. Nur eine davon probierte etwas eigenes draus zu machen. Nur eine konnte mich dazu bewegen im imaginären Pit fingerpointend mit meiner Crew zu shouten. Bayonet verbanden Youth Crew-Hardcore mit der Wucht von Tough Guy-Hardcore und der Hitverdächtigkeit von Pop-Punk. Hinzu gesellten sich der ein oder andere originelle Einfall, die überzeichneten Texte und das überschäumende Geschrei von Buddy Nielsen. Dass dieser hauptberuflich bei Senses Fail unterwegs ist, nimmt Bayonet zwar einen Coolness-Punkt, schmälert aber nicht die Qualität dieser exzellenten EP.

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_M I X C D_

CD1, bit harsh…
01. Love American – „Where’s my Cash, Johnny?“
02. Deadverse – „Misery Flower“
03. Aristillus – „Circles“
04. Le Dead Projet – „The Beast“
05. Adolar – „Zum Geburtstag alles Erdenkliche“
06. Carved our Names in Snow – „Agree to Disagree“
07. Jowls – „Bone Hawkin“
08. Aristillus – „Thru this Plague“
09. Bayonet – „Harsh“
10. Ampere – „Escapism Pt. II“
11. I Refuse – „Ich glaube nicht“
12. Black Kites – „Sleep easy“
13. Syn*Error – „One-Dimensional“
14. Texas Instruments – „Teamwork“
15. I Refuse – „Ich hab die Wahl“
16. Adolar – „Tanzenkotzen“
17. Griever – „The Forgetter“
18. Le Dead Projet – „Rotten Words“
19. Sail On! Sail On! – „In the Words of Fear“
20. &U&I – „Stalk this City“
21. Zona Mexicana – „Watershed“
22. Logs – „5″
23. Autarkeia – „Wrapped up“
24. Daniel Striped Tiger – „No Reverse“
25. Ironhide – „Doom“
26. Touche Amore – „Home away from Here“

CD 2, not that harsh…
01. The Streets – „Outside Inside“
02. Blink 182 – „This is Home“
03. Empty Guns – „Die Welt zu retten ist kein Scherz“
04. Rival Schools – „Wring it out“
05. Braid – „The Right  Time“
06. We fade to grey – „People are afraid to merge on Freeways“
07. Käfer K – „Ich, Fuchur“
08. Reaching Away – „Pockets full of Lint“
09. Reaching Away – „Reaching for an Answer“
10. Sneinton – „Return of the Return of the Loop-Digga“
11. Shark Bait – „Inside your Head“
12. Dowsing – „Amateur Cartography“
13. The Streets – „We can never be Friends“
14. Balance and Composure – „Fade“
15. The Streets – „Puzzled by People“
16. Empty Guns – „Dein Weltbild“
17. &U&I – „To the Water now is the Hour“
18. Carved our Names in Snow – „Wilted“
19. Reaching Away – „Roadblock“
20. Dowsing – „Joking/Laughing“
21. The Streets – „Lock the Locks“

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_D A N K E_

- Victor
- Stammleser!
- Gelgenheitsleser
- Labels
- Bands
- Promoter
- Mailorder
- Verlinker
- Vergessene

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_S O R R Y_

…an die Bands, deren Werk wir nicht besprochen haben – trotz Anfrage. 2011 erreichten uns um ein Vielfaches mehr Reviewanfragen als die Jahre davor. Und ich bin mir sicher, dass wir 90-95% davon auch besprochen haben. Das was uns wirklich zugesendet wird, ob als Vinyl, CD oder Kassette, besprechen wir sowieso immer. Nur häuften sich in letzer Zeit die Anfragen mit einem Testmuster zum Runterladen. Logischerweise lassen wir diese Download auch mal liegen, wenn wir sie als nicht allzu erwähnenswert einstufen.

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_E N D E_

Und was mochtet ihr so in 2011?

Die restlichen Gallows-Mitglieder beschlossen weiterzumachen und begaben sich auf die Suche nach einem neuen Sänger. Mehr als überraschend fand man diesen nicht im eigenen Land, sondern in Kanada. Alexisonfire-Gitarrist Wade MacNeil bekam den Job. Dass dieser ein toller Musiker ist, ist unbestritten, doch ans Mikrofon kam er bei Alexisonfire nur für ein paar Background-Schreie. Auf „Death is Birth“ probiert er nun stilistisch an seinen Vorgänger anzuschließen. So richtig gelingen mag ihm das nicht, denn seine Stimme ist nicht annähernd so markant wie die von Carter. Für sich betrachtet macht er seine Sache aber ganz gut, erinnert mich im Endeffekt aber stärker an den Sänger von The Ghost of a Thousand.

Es liegt nicht alleine an MacNeil, dass „Death is Birth“ eine Enttäuschung geworden ist. Denn musikalisch ist die EP kurz gesagt uninspiriert. Die vier Stücke sind solide, moderne HC-Nummern, knüpfen aber nicht an die Qualität der „Grey Britain“-Songs an. Hier hat die Band definitiv einen Schritt zurück gemacht. Opener „Mondo Chaos“ ist sowas wie der Hit der Scheibe, mit zentralisiertem Refrain und einem gewissen Ohrwumfaktor. Gleichzeitig entwickelt ich dieser nach ein paar Durchläufen zum Nervfaktor, denn der Refrain ist nicht nur penetrant, sondern auch platt. „Hey! Fuck the World! I say it’s already fucked!“, wiederholt MacNeil ein ums andere Mal. Das darauffolgende „True Colours“ ragt am ehesten heraus, ist es doch ein schneller, kompromissloser HC-Brecher, der nach 36 Sekunden zu Ende ist und ordentlich groovt. Immerhin: ganz nett, das. „Hate! Hate! Hate!“ sorgt schon beim Lesen des Songtitels für Stirnrunzeln. Das bestätigt sich dann auch beim Reinhören, denn über Hintergrundberieselung kommt das Stück nicht hinaus. Der abschließende Titelsong „Death is Birth“ ist dann ähnlich aufgebaut wie der Opener. Schnelle Strophen wechseln sich mit einem plumpen Refrain ab. Am Besten gefällt mir die hoch fiedelnde Gitarre, die in der Mitte eingesetzt wird.

Nach nicht mal acht Minuten ist auch schon wieder Schluss. Und am Ende hat man das Gefühl, nichts Erwähnenswertes gehört zu haben. „Death is Birth“ hört sich wie eine aufgesetzte, bis aufs Skelett abgezogene Version der Gallows an. Dass dies nicht sonderlich aufregend klingt, konnte man vermuten. Hier, hier kann man’s nun nachhören!
4/10

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Keine guten Assoziationen für diesen Release. Denn Captain Planet bringen dieser Tage eine EP auf den Markt, bei der man die Wertigkeit in Frage stellen muss. Besteht sie doch ausschließlich aus vorher veröffentlichten Stücken. Herzstück der Platte sind die Songs der allseits bekannten „Unterm Pflaster der Strand“-7inch. Die vier Songs sind noch immer gut, kommen für meinen Geschmack aber nicht ganz an das Material der beiden Alben ran. Am Interessantesten sind sicherlich die Songs vom Matula-Split-Tape, die hier erstmals auf Vinyl gepresst sind. Abgeschlossen wird die EP vom grandiosen „Eingekehrt“, CP’s Beitrag zum 4-Way-Split mit Matula, Mikrokosmos23 und Planke.

Wenn wir von diesem Emo-Deutsch-Punk-Ding reden, sind Captain Planet immer noch eine meiner, vielleicht sogar meine absolute Lieblingsband! Die vorhandenen Songs überzeugen auch vollends. Als Fan der Band hat man aber mindestens zwei der drei, hier vereinten, Releases zu Hause rumstehen. Deswegen ist es doch etwas enttäuschend, dass sich nicht ein, zwei neue oder zumindest unveröffentlichte Songs auf der EP befinden.

Die Kehrseite? Die EP kommt über Coffeebreath and Heartache. Eins der tollsten Labels der letzten Zeit, die ihre Veröffentlichungen mit wahnsinnig viel Herzblut angehen. Wie zuvor pressten die Jungs auch die Captain Planet-EP auf eine einseitig bespielte 12inch. Auf der Rückseite befindet sich ein schicker Siebdruck. Außerdem gibt es drei verschiedene Farben, wovon man eine gar nur auf den beiden Releasekonzerten (!) der Platte ergattern kann. Keine Frage: Coffeebreath and Heartache verstehen es, wie man aus einem Stück Vinyl etwas Besonderes macht. Das und auch nur DAS sorgt dafür, dass ein Captain Planet-Verrückter schwach werden könnte. Wer schon nervös an seiner Tastatur rumfummelt, der sollte schleunigst ordern! Denn abgesehen von den 50 Konzert-Platten wurden nur 250 Exemplare gepresst.

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Chromes – „And here my Disgust begins“-EP (Dancing on Sharks)
Zwei Songs. Acht Minuten. Allemale genug, um Lust auf mehr zu machen. Chromes kommen aus London und agieren als Duo. Der eine spielt Schlagzeug, der andere schreit und spielt Gitarre. Wie man es von solch’ basslosen Bands her kennt, benutzt der Gitarrist allerlei Effekte, um eine etwas flächigere Musik zu erschaffen. Und das gelingt ihm ziemlich gut. Denn in Sachen Intensität stehen Chromes diversen drei- und vierköpfigen Bands in Nichts nach. Grundgerüst des Duos ist Heavy Hardcore, der innerhalb dieser paar Minuten in allerlei Richtungen ausschlägt. Sludge- und Doom-Anleihen nimmt man genauso wahr wie eine Liebe für Postrock/Post-Metal. Wegen dem intensiven Gekreische gibt es auch eine latente Nähe zum Screamo. Immerhin spielte einer der beiden Jungs zuvor bei Amber Daybreak! Sicherlich steht und fällt „And here my Disgust begins“ mit dem Sound. Nicht jeder dürfte von dieser, deutlich hörbaren, Dual-Instrumentierung angetan sein. Die Gitarre spielt durchwegs verzerrtes Zeug, was zu einem nicht ganz gewöhnlich Klangbild führt. Mal abgesehen davon peitschen Chromes ihre beiden Stücke in gekonnter Weise voran und lassen immer wieder Grenzen verschwimmen. Der Titeltrack startet berstend, bekommt dann in der Mitte einen Cut und switcht in den Postrock-Modus, von wo an er sich ins Finale schleppt. Dieses wird mit leichten Klimpereien beschlossen. Das zweite Lied „Diamond Crowns“ kombiniert ebenfalls harte mit melodiösen Parts, wirkt aber etwas zusammenhängender. Das größte Plus dieser EP ist ohne Frage die dunkle, brutal stimmige „Apocalypse“-Atmosphäre. Ich bin mal gespannt, ob Chromes auf einer Länge von 30+ Minuten funktionieren. Hier tun sie es jedenfalls! 7/10
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Forget me – „s/t“-EP (DIY)
Forget me aus North Carolina veröffentlichten früher im Jahr schon ein starkes Demo. Nun ist ihre erste EP draußen, bei der mir zuerst der bessere Sound auffällt. Im Vergleich zur Demo machte das Quintett hier einen großen Sprung nach vorne. Rein stilistisch lässt man sich abermals nicht vollkommen festnageln. Grob gesagt treffen Elemente aus Screamo und Emo auf Youth Crew-/Modern-Hardcore-Anleihen. Wer nun „Touche Amore!“ ruft, der liegt goldrichtig. Bei der Demo hatte ich zwar nicht diesen Eindruck, doch diese sieben Stücke sind schon verdammt nahe dran an den HC-Superstars. Alleine der Shouter benutzt einen ähnlichen Schreistil wie Jeremy Bolm. Bei seinem Blut und Tränen-Geschrei nimmt er weder Rücksicht auf seine Stimmbänder, noch auf die Lautstärke der Musik. Selbst bei den ruhigen Teilen kreischt er drauflos! Rein musikalisch gibt es ebenfalls Parallelen. Wie angedeutet vermixen Forget me ähnliche Zutaten. Zügig arrangierte build-ups werden mit allerhand Dramatik eingerissen, nur um dann in einem Abgehpart durchzustarten. Klasse Emo-Melodien haben Forget me ebenfalls am Start. Überhaupt ist der grundsätzliche Tenor einen Tacken melodiöser als bei der Referenz. Außerdem wirken die Jungs nicht ganz so gehetzt. Die Stücke überspringen fast alle die 2-Minuten-Grenze und verbringen mehr Zeit im Mid- als im Uptempo. Einziger Haken an der Sache ist, dass sich Forget me als völliger Touche Amore-Ripoff platzieren. Wie oben bei Animal Faces kann ich ihnen allerdings keinen Strick draus drehen. Diese EP ist einfach gut gemacht! Außerdem gibt es ja noch nicht allzu viele Touche Amore-Epigonen… Gott bewahre! 6/10
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