Ja, ich lebe noch. Nur fehlte in letzter Zeit einfach die Lust und die Zeit hier öfter was zu schreiben. Aktuell ist/war die Fußball-EM in unserem Land. Ein Ereignis das ich unbedingt so intensiv wie möglich aufsaugen wollte, vorallem bei den Österreich-Spielen. Aber auch so gings abends immer wieder zum tollen Public-Viewing im Nachbarort. Außerdem hatte ich viel Arbeit. Und auch das Interesse für Musik war in den letzten Monaten etwas schleppend. Irgendwie fehlt mir einfach die Zeit, um mich all meinen Hobbies zu widmen. Gerade zum Schreiben komm ich, verdammt nochmal, überhaupt nicht mehr. Und wenn sich ungehörte Platten hier noch und nöcher stapeln, motiviert das auch nicht gerade. Aber bald komm ich zurück, u.a. mit Reviews zu den neuen Platten von Shai Hulud, Verse, Celeste oder älterem Kram usw. usf.

Nichtsdestotrotz will ich den verschwendeten Post dazu nutzen um eine Band zu empfehlen, die in letzter Zeit zu eine meiner absoluten Lieblingsbands gereift ist: Comadre. Nicht zuletzt dank des grandiosen Konzerts im Kafe Kult vor einer Woche. Was für eine tolle Live-Band! Entdeckt hab ich die Band eigentlich erst letztes Jahr durch ihr erstes Album. Comadre kommen grundsätzlich aus dem Screamo-Bereich, interpretieren das Genre aber sehr einzigartig. Nicht umsonst sagt mal irgendein dufter Kritiker “Comadre klingen so, als würden sich Saetia selbst nicht so ernst nehmen”. Naja. Saetia hin oder her. Comadre klingen für mich gar nicht so sehr nach 90er-Screamo. Und auch nicht nach aktuellem. Die erste Platte hatte auf jeden Fall aber sehr viel Spaßpotential, mit vielen Stil-Implementierungen und aberwitzigen Chören und lustigen Texten. Nett war das. Aber die zweite Scheibe “Burn your Bones” bließ mich regelrecht aus den Socken. Hier erfanden sich Comadre gewissermaßen neu. Zwar vermischt man weiterhin verschiedenste Elemente miteinander, doch legt a. mehr Wert auf den Song und klingt b. viel ernsthafter. Vorallem die düsteren Texte schlagen ein wie eine Bombe. Genau bestätigen kann ich es nicht, aber die Scheibe macht auf mich den Eindruck einer Konzeptplatte. Thematisch sind die Texte sehr verzweifelt und verbittert. Sie schlagen öfter eine Brücke aus physischem Schmerz, z.b in Form einer unheilbaren Krankheit, und pyschischem Schmerz, wie verlorene Freunde, zerbrochene Freundschaften oder verkackte Liebschaften. Die grandiosen Voice-Samples, die zwei, drei Songs einleiten, geben der Platte unglaublich viel Atmosphäre. Das klingt alles sehr theatralisch, aber es gibt auch viele aufrichtende, poetische Passagen. Und musikalisch sprühen Comadre weiterhin vor Wahnwitz. Der Term “Screamo” ist hier mittlerweile eigentlich völlig außer Reichweite. Klassischer, schnell gespielter Hardcore wird kombiniert mit melodischem Pop-Punk, depressiven Emo-Melodien, einer brutalen Metal-Kante und verzerrtem Geschrei, das irgendwie an Alexisonfire zu “Watch out!”-Zeiten erinnert. In seinem Charakter erinnert mich die Scheibe auch sehr stark an From Autumn to Ashes’s “Too bad, you’re beautiful”. Ohne dessen Theatralik zu erreichen und ohne jeglichen Kitsch, sinds vorallem die Songstrukturen, die völlig unberechenbar sind. Hin und her und hin und her. Unmögliche Parts werden aneinandergereiht, ergeben am Ende aber einen Hit. Und das Ganze geht in schlappen 24 Minuten runter wie Öl. Der Rausschmeißer ist mit seinen epischen Group-Shouts einer der besten wo geben tut! Spätestens wenn die Gitarre einsetzt und die Shouts “we are the doctors…” im Stakkato den Song beenden, weiß man, dass man hier etwas ganz Besonderes erlebt hat.

Also: unterstützen!

Disco Ensemble - “Magic Recoveries” (Universal)
“First Aid Kit” machte sie vor einiger Zeit zu der Lieblingsband vieler Leute, denen Billy Talent mittlerweile zu sehr Pop sind. Und das verdientermaßen, sprudelte das Zweitwerk von Disco Ensemble geradezu über vor lupenreinen Hits. Das dritte Album “Magic Recoveries” dürfte den Status der Band absolut festigen. Es wird nicht dazu beitragen, dass die Finnen in absehbarer Zeit so erfolgreich werden wie Billy Talent, denn dafür müsste die Band schlicht noch einen Tacken poppiger klingen. Stilistisch hat sich indes eigentlich nicht viel getan. Melodiöser Punkrock wird vermischt mit einer dicken Portion Pop, etwas Emo und Synthie-Disco-Einflüsse, die die Songs richtig tanzbar machen. Die Produktion klingt noch ein bisschen klarer und ausgereifter als zuvor. Und auch von der Band kann man das wohl behaupten. Etwas erwachsener und ausgeklügelter sind die Songs auf “Magic Recoveries” durchaus, wenn man gerade textlich auch keine tiefsinnigen Brocken erwarten darf. Es wurde schlichtweg an vielen Details rumgeschraubt. Und diese Details machen die Songs vom dritten Album aus. Abgesehen von den immer wieder hitverdächtigen Refrains. Der Albumstart gehört zu den besten seit langer Zeit, gibts doch mit dem Titelsong, “We can stop whenever we want” und “Bad Luck Charm” doch gleich drei kickende Hits, zu denen man einfach tanzen muss. Vorgetragen sind diese Nummern mit einer unglaublichen Spielfreude, die dazu beiträgt dass man die Finnen einfach ins Herz schließen muss, trotz allem Pop und aller Billy Talent-Vergleiche. Der Punk-Spirit ist allerdings noch deutlich ausgeprägter als bei erwähntem big shot. Die rausgerotzten Parolen hört man gerade in den schnelleren Songs. Apropos Gesang! Da gabs einen dicken Fortschritt beim Sänger. Dieser klingt nicht nur etwas audrucksstarker als zuvor, sondern auch bei weitem facettenreicher. Unterstützt von seinen Kollegen werden somit immer wieder hervorragende, mehrstimmige Passagen intoniert. Tolle Sache. So toll und mit Hits gespickt die erste Hälfte auch ist, aber komischerweise bricht “Magic Recoveries” in der zweiten Hälfte total weg. Die Band experimentiert hier sichtlich etwas mehr und räumt den Synthie-Elementen auch ewas mehr Platz ein. Aber leider führt das dazu, dass man mit “Headphones” gerade mal einen klaren Hit in der zweiten Hälfte verstaut hat. Der Rest ist zwar nicht schlecht, kann mit den erwähnten Songs oder dem Überhit “Threat Letter Typewriter” einfach nicht mithalten. Hier vergessen Disco Ensemble schlichtweg, dass sie am besten klingen, wenn sie aufs Gaspedal treten und dem Punkrock genug Platz lassen. Die wirklich erste Hälfte führt dazu, dass “Magic Recoveries” doch noch auf einem Level mit seinem Vorgänger landet. Allerdings wäre hier auch etwas mehr drin gewesen. 8/10

Emmure - “The Respect Issue” (Victory)
Emmure’s erste LP war für mich nicht zu unrecht eins der besten Alben im letzten Jahr. Doch mit “The Respect Issue” veröffentlichte die Band nun leider einen ziemlichen Schnellschuss. Gerade mal ein Jahr nach “Goodbye to the Gallows” liefert man dessen Nachfolger ab. Und auch wenn es hart klingt, aber das neue Album klingt wie das Abfallsprodukt vom ersten. Die Songs, die einfach zu schwach waren um es auf “Goodbye to the Gallows” zu schaffen. Ob das so ist oder nicht, ist schlussendlich auch egal. Fakt ist: trotz gleicher Zutaten zündet die neue Mischung bei weitem nicht mehr so gut. Das verzerrte Geschrei, die low tempo-Moshparts, die doomigen Riffs, usw. usf. - man hat hier fast alles, das man so liebte. Aber es fehlen schlichtweg die ganz großen Momente. Die Breakdowns sind mäßig gut, im Vergleich zu denen auf “Gallows”. Die Melodien kicken auch nicht so sehr, genauso wenig wie die Moshparts. Und die richtig eingängigen Textzeilen hab ich auch nach mehreren Durchläufen noch nicht gefunden. Das Songwriting ist schlichtweg einfach um ein bis zwei Klassen schwächer. In den besten Momenten klingt “The Respect Issue” gerade mal wie ein aufgewärmtes “Gallows”. Damit klingen Emmure zwar immer noch interessanter als ein Großteil ihrer Metalcore-Kollegen. Doch nach dem starken Debüt hätte man sich echt viel mehr erwartet. Klassischer Schnellschuss halt. 5/10

International Superheroes of Hardcore - “Takin’ it ova!” (Bridge 9)
Hardcore ist wichtig. Eine Herzensangelegenheit. Ein Ding, das wohl nicht nur mein Leben beinflusst hat. Was Ernsthaftes halt. Vielleicht aber nimmt sich der Hardcore manchmal ZU ernst. Vielleicht müsste im HC mehr Humor erlaubt sein. Wenn er so rübergebracht wird, wie hier, dann wird sich nämlich keiner ein Schmunzeln verkneifen können. Die International Superheroes of Hardcore sind das Spaßprojekt von New Found Glory (!), die hier ex-Shai Hulud-Mitglied Chad Gilbert ans Mikro lassen. Und man hört hier eindeutig wo die Wurzeln von NFG liegen. “Takin’ it ova!” ist nämlich nix anderes als eine Huldigung an den klassischen NYHC die aber auch dazu genutzt wird ein paar ironische Seitenhiebe auf die Szene zu machen. Titel wie “Screamo gotta go”, “Fashion Show” oder “Ebay Revenge” sprechen da natürlich für sich. “Madball’s got our Back” ist eine Huldigung an erwähnte Band, während der Song “Seat Belt” eine wichtige, ernsthafte Botschaft mit leichtem Augenzwinkern rüberbringt. “Superhero Sellouts” ist dann endlich mal ein Song gegen die Geldgier der ganzen Superhelden-Sippe. Schöner Vergleich zum Hardcore, wirklich. Doch hinter der höchst unterhaltsamen Schale verbergen sich tatsächlich auch sehr starke NYHC-Songs, die sämtliche Elemente von früher bedienen. Die schnellen Parts sind genauso da wieder der Groove, die Moshs, die Gang-Shouts oder das angepisste Geschrei. Chad Gilbert macht seine Sache als Vokalist wirklich hervorragend. Er bringt die Texte wirklich sehr gut rüber und bringt neben den üblichen Aggro-Parts auch etwas Melodie und Groove hinein. Die Shai Hulud-Vergangenheit hört man beizeiten auch schön raus. Einzig und allein beim Sound grenzen sich die Superheroes etwas ab. Natürlich klingt das etwas moderner, aber nie zu fett und auch nie zu schroff. Wer diesen alten Stil also vermisst, der bekommt hier 12 lupenreine HC-Nummern, runtergeprügelt in 15 Minuten und mit verdammt viel Liebe und Humor versehen. “Takin’ it ova!” ist eine absolute Hitscheibe! Warum ist eigentlich nicht schon eher jemand auf diese geile Idee gekommen? 8/10

Transistor Transistor - “Ruined Lives” (Level Plane)
Überraschungen sorgen doch immer wieder für das gewisse Etwas im Musikgeschäft. Mit einem neuen Transistor Transistor-Album hätte ich dieses Jahr nämlich wirklich nicht gerechnet. Irgendwo vernahm ich nämlich, dass sich die Band aufgelöst hat. Das stimmte wohl nicht so ganz. Denn vor ein paar Monaten meldete man sich mit einer neuen EP zurück und kündigte auch gleich den dritten Longplayer an. Und der ließ nicht lange auf sich warten. Gute drei Jahre nach “Erase all Name and Likeness” machen Transistor Transistor genau da weiter wo sie aufgehört haben. Der Opener “Morning Sickness” überrascht gleich mal mit fiesem Geschrei und dem Rotz, den man von der Band so liebt. Vielleicht ist dieser erste Song auch gleich schon der beste des ganzen Albums, da es Transistor hier so gut wie noch nie schaffen alles zu vereinen, das sie in den letzten Jahren ausmachte. Der Rock genauso wie der Punk, das rotzige Geschrei genauso wie die melodiösen Einlagen. Allerdings ist “Morning Sickness” vielleicht nicht bezeichnend für “Ruined Lives”. Denn eigentlich liegt hier ein lupenreiner Nachfolger vor. Wie schon vor drei Jahren werden New School-Hardcore-Elemente mit einer dicken Portion (Stoner-)Rock vermischt. Der Rock steht dabei, wie beim letztem Album, eindeutig im Mittelpunkt. Every Time I Die sind da natürlich nicht fern, Transistor gehen aber etwas direkter zu Werke. Qualitativ knüpft die Band vollkommen an “Erase…” an, allerdings grenzt sich “Ruined Lives” doch etwas ab. Gerade die Stimmung ist eine andere und bei weitem nicht mehr so düster und apokalyptisch. Wenn man böse sein möchte, könnte man sagen, dass sich die Jungs nicht mehr ganz so ernst nehmen. Der Spaßfaktor steht hier deutlich mehr im Mittelpunkt. Schamlos und bratzig wird hier drauflosgerockt. In seiner Gesamtheit erreicht “Ruined Lives” vielleicht nicht mehr so eine starke Wirkung wie sein Vorgänger, aber grundsätzlich sind die beiden Alben durchaus auf Augenhöhe. Das Fehlen von einem dramatisch-epischem Brocken wie “A sinking Ship full of Optimists” wird wieder wettgemacht durch viele tolle, atmosphärische oder hitverdächtige Momente. Ohne Frage klingen Transistor so ziemlich eigenständig. Mir persönlich gefällt der ganz alte Stoff aber immer noch am besten. Klasse Band, die ich voll respektiere, die mich aber wohl nie mehr so fesseln wird wie früher. Nix Neues also von Transistor… 7/10

Blackmail - ”Tempo Tempo” (City Slang)
14 Jahre Bandgeschichte. Mit “Tempo Tempo das nunmehr schon sechste Full Length. Und das immer in der gleichen Besetzung. Klar, dass sich das irgendwie sowas wie Routine in den Alltag hineinschleicht. Oder eine gewisse Gereiftheit, um es positiver auzudrücken. Will heißen, dass man auch mit “Tempo Tempo” auf große Überraschungen oder gar Anbiederungen warten muss. Blackmail bleiben ihrer Linie treuen und spielen weiterhin den Sound, den sie damals kreierten und mit den Jahren immer mehr perfektionierten. Ihren Zenit, markiert durch das dritte Album “Bliss, please” haben Blackmail schon längst überschritten. Allerdings lässt sie das mit Sicherheit ohne großen Erwartungsdruck aufspielen. Und so klingt “Tempo Tempo” dann auch. 12 typische Blackmail-Songs, direkt aus dem Bauch raus. Eine unnötige Verkopftheit oder übertrieben viel Schmalz finden weiterhin keinen Platz. Blackmail halten den Karren schön inmitten der Fahrbahn. Allerdings gibts, wie bei jedem neuen Album, ein paar Abweichungen zum Vorgänger. “Tempo Tempo” klingt doch einen Tacken fetter und pompöser als das reduzierte “Aerial View”. Während das ziemlich luftig war, ist gerade der Gitarrensound wieder etwas wuchtiger geworden. Außerdem ist das Ganze viel basslastiger. Der ein oder andere epische Spannungsbogen (”It’s always a Fuse…”, “Day by Day”) oder ein paar disco-poppige Momente (”Shshshame”) bringen einen Funken neuen Charakter in den Sound. Allerdings hält sich das alles in Grenzen. Auch das neue Album bietet 100%igen Blackmail-Stoff. Ein Überhit wie “Moonpigs” fehlt vielleicht, aber viele kleine gleichen das wieder vollkommen aus. Durchwegs überzeugende Scheibe also. Business as usual also. Aber wenn das Ganze so ehrlich und auf so einem hohen Niveau bleibt, kann die Band auch noch drei weitere Alben in der Richtung veröffentlichen… 7/10 

Magdalene - “s/t” (Sons of Vesta)
Epischer, langsamer Screamo, mit emotionalem Geschrei, ein paar spoken words, unglaublich weiten Melodiebögen, sich aufbauenden Ausbrüchen, Stakkato-Rhythmen, hell-klirrenden Gitarrenmelodien und Songs die allesamt die 6-Minuten-Marke knacken. Das ist ein alter Hut, aber auch etwas, mit dem man nicht weit danebenschlagen kann. Magdalene’s erstes Album bietet genau den Stoff, der schon Bands wie Funeral Diner, Sed Non Satiata oder Gantz auszeichnete. Dieses Mal kommt das Ganze allerdings aus Italien. Magdalene spielen diesen Sound eigentlich sehr gut runter und überzeugen durch die ein oder andere schöne Melodie, doch leider fehlen die großen oder die überraschenden Momente, die erwähnte Bands teilweise immer wieder bieten. Außerdem sind die Italiener schlichtweg ein paar Jahre zu spät dran, um noch irgendjemandem vom Hocker zu hauen. Für ein Debüt definitiv in Ordnung und für Sammler einen Blick wert. Aber irgendwie auch zu brav. Nix, dass man unbedingt im Auge behalten müsste… 5/10

Talk Radio Talk - “Beyond these Lines” (Swell Creek)
“The Way we act” eröffnete schon die zweite EP von Talk Radio Talk kongenial. Nach atmosphärischen Ambientgeräuschen wird auch das Debütalbum mit der neu aufgenommenen Version des erwähnten Songs perfekt eingeleutet. Produzent Olman Viper und Talk Radio Talk leistet in Sachen Sound hier wirklich Großes. Mit einer unglaublichen Wucht knallen einem die Gitarren Moshparts vor den Latz. Das eh schon brutale Geschrei klingt dank fetterem Sound noch markerschütternder. Auch wenn ich die Entwicklung von der ersten hin zur zweiten LP schwer enttäuschend fand, machte die Band mit “Beyond these Lines” einen großen Sprung. Der Sound spielt in einer Liga mit Bands wie Underoath und lässt auch die (ebenfalls gelobte) Platte der Landsmänner Parachutes alt aussehen. Die Jungs haben zudem einfach ein Gespür für die richtige Mischung aus Melodie, Groove, Mosh und Rotz. Komischerweise wirken gerade die drei Songs von der EP hier viel intensiver als letztes Jahr. Und das liegt nicht nur an der gesteigerten Intensität (man höre nur das verzweifelte Geschrei in “Between Walls and Lions”) oder dem neuen Sound, sondern auch daran, dass sie im Kontext eines ganzen Albums viel besser wirken. Doch auch die neuen Songs überzeugen und entwickeln sich nach mehreren Durchläufen zu absoluten Hits. Im deutschen New School- und Neo-Screamo-Bereich stehen Talk Radio Talk somit alleine auf weiter Flur. Ich hab die Band nach der zweiten EP eigentlich abgeschrieben, doch sie schaffte es sich auf gekonnte Weise neu zu erfinden. Statt übertriebener Glattheit gibts hier perfektionierte Intensität. Ein polierter Charakter ist dadurch nicht zu vermeiden, doch die pure Emotionalität und viele aufregende Kanten, gleichen das wieder völlig aus. Wo man sich also anfangs noch an Refused oder JR Ewing orientierte, erinnert “Beyond these Lines” ganz stark an Underoath’s “Define the Great Line” oder The Bled’s “Pass the Flask”. Wer erwähnte Scheiben klasse findet, der wird auch von “Beyond thes Lines” ins Schwitzen gebracht! 8/10

Thrice - “The Alchemy Index Vols. III & IV: Air & Earth” (Vagrant)
Die ersten beiden Teile des “Alchemy Index” polarisierten heftigst. Die Bandbreite zwischen “gähn, eigentlich bin ich doch gar nicht müde?!” und ”Meisterwerk! Klassiker! Gott!!!11″ war unglaublich weit. Das Konzept war grundsätzlich auch recht intressant und mutig zu gleich. Nur stand die gesamte Scheibe halt unter diesem experimentellem Charakter. Der Feuerteil klang zwar noch recht vertraut, doch war vielleicht doch noch etwas zu brav. Und der Wasser-Teil war mir persönlich schon wieder zu viel Atmo-Mucke. Ich will zwar nicht behaupten, dass sich das grundsätzliche Bild bei Teil 3 und 4 verändert hat, doch Thrice gelingt der Spagat zwischen “Konzept” und “Song” auf diesen Teilen für meinen Geschmack besser. “Air” könnte glatt als eine erwachsene, etwas ruhigere Version von “Vheissu” durchgehen. Allerdings befinden sich auch hierauf genug Experimente. Der Mix aus ergreifenden Melodien, spacigen Momenten, elektronischen Einsprengseln und bedächtigen bis hohem Gesang ist hier aber sehr gut gemacht. Besonders die ersten drei Songs markieren meiner Meinung nach die beste Phase des gesamten “Alchemy Index”. Während der Opener “Broken Lungs” viel Wert auf Atmosphäre legt, ist “The Sky is falling” mit seinem eingängigen Refrain, ein kleiner aber feiner Hit. Das trostlose, verträumte und äußerst ergreifende “A Song of Milly Michaelson” geht eher wieder in die Konzept-Ecke, erzielt in seiner Reduziertheit aber eine unglaubliche Wirkung. Grad Dustin Kensrue beweist hier wieder mal, dass er wohl einer der besten Vokalisten dieser Erde ist. Schade! Denn danach gehts qualitativ bergab. Die zweite “Air”-Hälfte bleibt der grundsätzlichen Richtung zwar treu, schafft es aber nicht diese Intensität der ersten drei Songs zu erzeugen. Nichtsdestotrotz ist “Air” für mich der beste Teil des Quartetts. Beim “Earth”-Teil konnte ich mir schon bei der Akündigung nicht vorstellen, wie Thrice das umsetzten wollen. Kensrue und Co dachten beim Stichwort “Erde” aber wohl gleich an “erdig”. Und somit ist der letzte Teil bodenständig, reduziert, auf der Erde geblieben. Keine Elektronik, kein Strom, keine Stöpsel. Singer-Songwriter, Country, Folk, Blues - das ist hier angesagt. Getragen von Kensrue’s unheimlich wandelbarer Stimme, einer Akustikgitarre und einem Klavier reduzieren Thrice ihren Sound auf Nötigste, klingen dabei aber trotzdem unheimlich facettenreich. Während der Opener “Moving Mountains” ein absoluter Songwriter/Country-Hit ist, fährt das bluesige “Digging my own Grave” unter die Haut. Und auch das darauffolgende “The Earth isn’t humming” ist ein kleiner Hit, der schön beschwingt seine Runden zieht und mich am ehsten an einen “alten” Thrice-Song im Akustik-Gewand erinnert. Komischerweise finde ich aber auch bei “Earth” die zweite Hälfte um einiges schwächer als die, durchwegs starke, erste Hälfte. Am Ende lässt sich sagen, dass Thrice’s Gesamtkonzept schlichtweg eins war: interessant. Zwischen hitverdächtigem Material und hoch-experimentellem Stoff pendelte es oft munter hin und her. Beeindruckend ist allerdings, welch musikalisches Verständnis die Band an den Tag legte. Und wie unglaublich facettenreich und erwachsen sie klangen. Hätte sich das je einer zu “Identity Crisis”-Zeiten erdenken können?! Ich hoffe trotzdem, dass Thrice demnächst wieder ein “normales” Album rausbringen und dabei einen Sound bietet, der diese viele Einzelheiten zu etwas Ganzem vermengt. 7/10 (A: 7/10, W: 7/10)

Bei Gott! Hier gehts um Hardcore/Punk, Screamo, Emo usw. - aber bei Zeiten hör ich neben dem Einschlafen auch gerne mal etwas MTV. Dieses Fernsehschlafen ist aber eine Vorliebe vieler Menschen, wie ich schon erfahren habe. Was ich gestern im Halbschlaf allerdings hörte, ließ mich gleich wieder munter werden. Nneka heißt die junge Frau. Halb deutsch, halb Nigerianerin. Und der Song “Heartbeat” ist einfach nur der Hammer! Besonders der Refrain beschert mir derzeit ne Gänsehaut wie schon lange kein Stück Musik mehr. Aber auch die Bridge trieft vor Intensität. Das Video ist übrigens auch klasse. Hab ich mir heute schon einige Male angesehen. Stilistisch ists sowas wie ne Mischung aus Soul, Reggae und afrikanischen Einflüssen. Tolle Sache, das.

Ja, sowas läuft auf MTV. Konnts auch nicht glauben.

Barra Head - “Go, get beat up” (Play/Rec)
Jeder der sich so intensiv mit Musik beschäftigt wie ich, der kennt das: man lernt eine neue Band kennen, hört gerade ihr Debütwerk und ist begeistert davon. Nach kurzer Recherche stellt man allerdings fest, dass gehörte Scheibe gar nicht das Debüt ist und die Band eigentlich schon seit ner halben Ewigkeit zusammen ist. Am Ende fragt man sich nur, warum man diese Band nicht eher entdeckt hat?! Barra Head aus Kopenhagen sind so ein Fall. “Go, get beat up” ist nämlich schon das dritte Album der Dänen. Obwohl es sich heutzutage sehr frisch anhört, klingen die drei Musiker sehr versiert und abgeklärt. Ihre Einflüsse beziehen Barra Head hauptsächlich aus den 90ern und kreieren dabei einen relativ eigenen Sound, der mich höchstens an den von Marr erinnert. Marr waren ja die deutsche Band, die 2004 ein tolles Album rausbrachte und dann in der Versenkung verschwand. Barra Head gehen in eine ähnliche Richtung und vereinen ebenfalls melodische mit etwas sperrigeren Momenten. Kopf und Herz gehen hier Hand in Hand. Ihre Wurzeln haben Barra Head definitiv im Hardcore und Punkrock. Die Jungs sind aber mit den Jahen auch etwas älter geworden und spielen nun auch Musik die sich so ahört. Trotzdem toll, wie treu Barra Head ihren Wurzeln bleiben. Im Grunde ist das also wahrer Post-Hardcore. Ergänzt durch tanzbarem Indie, etwas Punkrock und Emo für Erwachsene. Die Bands die ich hier raushöre, lassen sich schwer in den selben Topf werfen. Vorallem Fugazi, aber auch At the Drive-In oder Drive like Jehu dürften hier Einflüsse dargestellt haben. Diese Dynamiken, diese Rhythmen, diese Verbindung von sanften und kratzigen Momenten. Barra Head liegen aber wohl noch viel mehr am melodischen Punkrock, denn teilweise ist’s beeindruckend welch hymnische Refrains die Dänen in ihre Songkonstrukte einbauen. Das erinnert dann stark an Hot Water Music. Die melodische Gitarrenarbeit bezieht dagegen auch Einflüsse vom 90er-Emo und erinnert desöfteren an Funeral Diner. Die Band schafft es aber einen völlig eigenständigen Sound auf die Beine zu stellen, dessen Einflüsse nur unterschwellig zu vernehmen sind. Denn bei all den Referenzen: als Hardcore würde Barra Head wohl keiner (mehr) bezeichnen. Von der Lautstärke und der Klarheit des Sounds her liegt man doch viel näher am Indierock. Kein Wunder also, dass man neben trockenen Beats, Punk-Parolen und emotionalen Melodien auch genug tanzbare Momente zu höre bekommt. Highlights sind vorallem die schnelleren Songs, die durch ihre packenden Refrains und ihre tolle Gitarrenarbeit, zu absoluten Hits werden. Die beiden ersten Stücke sowie das grandiose “Legitimate” sind jetzt schon drei der besten Songs des Jahres. Die ruhigeren, längeren Stücke bieten dann die nötige Tiefe. Dabei bleibt der Sound stets entspannt. Unglaublich eigentlich wie viel Wut, Härte und Emotionen Barra Head trotz der Abwesenheit von Geschrei, harten Gitarren oder pumpendem Schlagzeug rüberbringt. Der Gesang ist hier sowieso ein ganz großes Highlight. Sänger Arvid trifft mich mit seiner entspannt-sanften, aber immer wieder aufbrausenden und sehr ausdrucksstarken Stimme wirklich mitten ins Herz. Viel dazu bei tragen auch die sehr cleveren Texte, die sich dank ihrer Markanz schon nach kurzer Zeit in mein Gehirn fraßen. Barra Head behandeln hier hauptsächlich gesellschaftliche und politische Themen. Beeindrucked ist, wie tief das hier geschieht. Auf platte Phrasen wird z.b. komplett gepfiffen. Was soll ich zu dieser Scheibe noch sagen? Ich hab eh schon genug geschrieben. Sie schaffte es die Kidcrash nach Monaten von meinem “immer und überall”-Platz zu verdrängen. Und genau diese beiden Platten ließen mich in letzter Zeit wieder an gute Musik glauben. Definitiv ist “Go, get beat up” schon jetzt ein Kandidat für die Platte des Jahres. 9/10

Fire in the Attic - “Cum Grano Salis” (Redfield)
Die Neue von Fire in the Attic hab ich mir weder gekauft, noch runtergeladen. Und auch nicht gestreamt. Ne, sie flatterte einfach so in mein Postfach. Schließlich hab ich seit Jahren ein Abo der Visions. Ja, richtig gehört. Redfield schloss mit der Visions einen Deal ab und so liegt das komplette Full Length gratis dem Heft bei. Statt einer richtigen Verpackung muss man halt mit nem Pappschuber auskommen. Auch das Booklet fehlt natürlich. Ob man diese “neue” Art der Veröffentlichung gut heißen kann oder nicht, ist sicherlich Ansichtssach. Ich persönlich finde es scheiße, peinlich und definitiv den falschen Weg. Aufmerksamkeit kriegen FITA dadurch sicherlich. Und weil sich ein hoher Bekanntheitsgrad auf längere Sicht mehr auszahlt als ein höherer Umsatz, nutzte man diese Gelegenheit. Ich kam somit immerhin zu einer Scheibe, die ich mir sicherlich nicht gekauft hätte. Schließlich wurde ich bisher nie so richtig war mit FITA. Auch wenn’s mir bei solchen Aktionen recht schwer fällt vorurteilsfrei zu urteilen, muss ich sagen: “Cum Grano Salis” ist das beste Werk der Band. Der große Mangel bei FITA war für mich bisher immer ihre Monotonie. Und daran hat man kräftig gearbeitet, klingt man aktuell doch so vielschichtig wie nie. Neben einem leichten Metal-Crunch in den Gitarren gibts auch etwas Crossover-Anleihen, (Schweine-)Rock und sogar etwas Elektronik. Und auch die bisher bekannten Gebiete werden noch etwas weiter erforscht und so hört man so poppige Klänge wie nie zuvor und so schmalzige Emo-Harmonien wie nie zuvor. Verschrecken sollten FITA ihre alten Fans damit aber nicht, weil man sie größtenteils klar wiedererkennt. Ihr Stil ruft immer noch Vergleiche mit Hot Water Music und Boysetsfire hervor, allerdings flechteten die Deutschen viele weitere Einflüsse mitein. Durchaus mutig. Allerdings änderte das nur geringfügig was an ihrem größten Problem. Zwar macht “Cum Grano Salis” durchaus mehr Spaß als der Stoff davor, allerdings reiten FITA immer noch zu sehr auf dem bekannten “Vers-Chorus-Vers”-Schema. Und auch die zwar guten, aber irgendwann auch vorhersehbaren hymnischen Refrains langweilen mit der Zeit. Außerdem sind den Jungs auf der Hälfte der Strecke wohl die guten Songs ausgegangen. Für ein paar Hits ist die Scheibe aber allemal gut. Überflieger werden FITA in meinen Augen allerdings nie werden. Wer Intresse hat: gibts am Kiosk für 5 Euro, eingehüllt in bedrucktem Papier. 5/10

Lack - “Saturate every Atom” (Play/Rec)
Wa man auch sagen möchte, aber Lack ist eine Band, die einfach Relevanz hat. Vor einigen Jahren waren sie für mich persönlich die erste dänische HC-Band, die ich wahrgenommen habe. Kurz darauf kamen die grandiosen Complete. Und bis auf die beiden kenn ich auch heute nicht mehr Bands aus Dänemark. Erwähnte Complete lösten sich leider schon auf, Lack bringen indes ihr mittlerweile drittes Album raus. Und das zeigt sich wieder mal stark verändert. Ging man anfangs stark in die New School-Ecke, klang “Be there Pulse” schon um einiges verträglicher. Grooviger Postcore dominierte hier eher. Und mit “Saturate every Atom” setzt man die Entwicklung, hin zum eingängigen Sound, fort. Erstmal finde ich das Konzept hinter dem Album schon mal ganz große Klasse. Der Titel soll nämlich nix anderes als das Reduzieren auf das Nötigste ausdrücken. Das herrlich schlichte Artwork, mit seinem einmaligen Cover stimmt schon mal prächtig darauf ein. Und auch musikalisch zieht man das Konzept vollkommen durch. Nicht nur, dass hier die 13 Songs in gerade mal 26 Minuten runtergezockt werden. Auch die Instrumetierung ist schön reduziert. Und das führt zu einem sehr luftigen, dennoch beschwingten Sound. Irgendwo zwischen Postcore und Indierock angesiedelt leben Lack dabei ihre Liebe zu poppigen, als auch zu experimentellen Klängen aus. Die Zeiten von undurchdringbaren Riffwänden, wütendem Geschrei oder epischem Gehabe ist endgütlig vorbei. Stattdessen dominiert ein trockener Postpunk-Beat, der von einem sich zurückhaltendem Bass und abwechslungsreichem, aber ebenso straighten Gitarrenspiel ergänzt wird. Die Gitarrenarbeit variiert dabei zwischen den Polen melodiös, rockig, groovig und schräg. Und über dem Ganzen schwebt mit Thomas Buro ein GANZ charismatischer Sänger. Mit seinem hohen Falsett-Gesang intoniert er sowohl melodiöse, als auch schräge oder gesprochene Momente. Damit erinnert er mich auch irgendwie an den Sänger von Sounds like Violence. Und die sind irgendwo auch ein guter Anthaltspunkt. Auch wenn Lack viel trockener und weit weniger emotional zu Werke gehen als diese. Aber irgendwie scheint sich da in Skandinavien eine neue Welle an Rock-Bands anzubahnen. Lack erreichen auf jeden Fall eine ähnliche Eigenständigkeit wie ihre schwedischen Kollegen. Kaum zu glauben, aber erwähnte Sounds like Violence werden hier mit The International Noise Conspiracy, Jane’s Addiction, Shellac und Billy Talent unter einen Hut gebracht. Kleine Elemente dieser Bands werden zu einem schrägen Sound kombiniert, der nie wie eine Kopie klingt. Nicht vergessen sollte man auch die ehrlichen, kritischen und unheimlich selbstreflektierenden Lyrics von Buro. Zwischen Szene-Bashs, Affären-Hass und der eigenen Porno-Sucht gibts hier wirklich einiges zu entdecken. Und wenn am Ende Hits wie “Behead” oder “Bombing the Moon” bei rum kommen, ist das Konzept wohl voll aufgegangen. Logischerweise gibts bei dem Konzept aber auch schwächere Momente. Aber das sollte man verkraften können. Schließlich bleiben Lack auch auf ihrem dritten Album noch aufregend. Und das heißt heuzutage schon was… 6/10

Mt. Helium - “Faces” (DIY)
Mt. Helium hießen bis vor kurzem eigentlich noch The Apex Theory. Konsequenterweise benannte man sich vor dem Fertigstellen des neuen Albums um. Denn es gab nicht nur personelle Änderungen, sondern auch eine neue musikalische Richtung. Das 2002er-Album “Topsy-Turvy” interpretierte damals auf originelle Art und Weise den Crossover oder New Metal-Sound. Da dieser Sound schon längst tot ist, reiten Mt. Helium nicht mehr auf ihm rum. Der Nachfolger klingt deutlich ruhiger, melodiöser, erwachsener, progressiver. Man legt den Fokus deutlich mehr auf die Atmosphäre. Tanzflächenfüller, die gleich beim ersten Mal zünden, sucht man somit vergebens. Die Art und Weise wie Mt. Helium ihre alternative, progressive Rockmusik vortragen ist und bleibt aber trotzdem sehr originell. Die armenischen Folk-Einflüsse hört man deutlicher denn je raus. Neben einer sehr spacigen, hypnotischen Atmosphäre gibts somit immer wieder ein paar mysteriöse, entfremdende Passagen. Einflüsse nahm an diesmal wohl am ehesten von Bands wie Radiohead, Tool oder auch den Deftones. Bei all den atmosphärischen und ruhigen Momenten gibts zwischendurch aber immer wieder mal schnellere Passagen oder Parts mit tiefer gestimmten Gitarren. Der Kontrast ist somit durchaus noch da, nur verschwimmt er mit der Zeit und ist eindeutig nich so krass wie früher. Vorallem der Sänger konzentriert sich komplett darauf zu singen. Und das macht er ziemlich gut. Er versteht es sich in den Refrains wunderbar zu steigern, während er in den Strophen spacey und verträumt klingt. Als großer Fan von “Topsy-Turvy” kann ich die neue Ausrichtung vielleicht nicht hundertrprozentig unterstützen. Aber es war nach all den Jahren auch nicht mit nem klassischen Nachfolger zu rechnen. So weit auseinander liegen die beiden Platten aber auch nicht. Denn wohl gemerkt wird trotz einiger Experimente weiterhin das klare Vers-Chorus-Vers-Schema bedient. Nur eben auf eine kreativere Art und Weise. In Zeiten wie diesen pfeiffen Mt. Helium übrigens auf ein Label und veröffentlichen “Faces” in eigener Hand. Schade, denn somit bleibt mir persönlich nur der Stream auf ihrer myspace-Seite. Aber das ist ja ne feine Sache. Wer will kann sich allerdings auch eine gebrennte CD direkt von der Band bestellen. 7/10

Trip Fontaine - “Dinosaurs in Rocketships” (Redfield)
Trotz ihres grandiosen Debüts “Lilith” blieben Trip Fontaine bisher eigentlich noch sehr unbekannt. Album Nummero 2 sollte dies schleunigst ändern. Schließlich liefert die Band hier das Album ab, dass die Blood Brothers nach oder auch zwischen ”Piano Island” und “Crimes” machen hätten können. Zwar sind durchaus noch Parallelen zwischen den beiden Trip Fontaine-Alben zu erkennen, doch im Großen und Ganzen erfanden sich die Jungs komplett neu. Wo “Lilith” noch recht düster, verzweifelt und hart klang, da schweben sich Trip Fontaine mit einer Leichtigkeit durch die zwölf Songs hindurch. Viel trägt hier sicherlich auch die verbesserte Produktion bei. So zerissen und ungeschliffen wie auf dem Vorgänger tönt’s nämlich nicht mehr aus den Boxen. Vorallem der Gitarrensound ist nun um einiges wärmer und nicht mehr so martialisch-scheppernd wie früher. Doch Produktion hin oder her, den größten Schritt machten die Musiker wohl selbst. Statt Post-Hardcore gibts nun schlichtweg experimentelle Rockmusik, irgendwo zwischen schrägen Experimenten, entspanntem Indie-Gehabe, lustvollem Gefrickel und den GANZ großen Pop-Gesten. Gleich zu anfang scheuen sich Trip Fontaine nämlich nicht eine herzzereißende Melodie zu singen. Ja, zu singen, nicht zu röcheln oder zu schreien. Überhaupt überzeugt die Band vorallem durch die verschiedenen Gesangsstile. Neben Blood Brothers-ähnlichem Falsett-Gesang gibts auch schmalzigen Pop-Gesang, Emo-Harmonien, gesprochene, geschriehene und brüchig intonierte Zeilen. Und alles klingt durchwegs einfach nur gut. Das alles klingt sehr schräg, aber passt seltsamerweise. So bunt das Cover, so vielschichtig die Songs. Einer klingt anders als der andere. Während “Astronaut” gleich zu Anfang stark an die Blood Brothers erinnert, könnte “Shine on you Lazy Liaison” doch glatt von At the Drive-In sein. Die zwei hektischen, frickeligen Instrumentals erinnern hingegen durchaus an die instrumentalen Parts von The Fall of Troy. Und irgendwie seh ich bei den etwas entspannteren Momenten auch eine Parallele zu den Landsleuten von Kenzari’s Middle Kata. Auch der Gitarrensound klingt ähnlich funky und leichtfüßig wie der der Bayern. Auch wenn bei den ersten ein, zwei Durchgängen kein Überhit rauskristallisiert, gewinnt “Dinosaurs” mit jedem neuen Durchlauf hinzu. Es gibt genug tolle Momente. Und genau das ist wohl das Stichwort schlechthin! Denn “Dinosaurs” ist eine Platte für den Moment. Eine Platte die vorallem von seinen überraschenden, schrägen oder beizeiten auch ergreifenden Momenten lebt. Spontan könnte man die Musik auch nennen. Und wenn man bis zum Ende noch nicht warm wurde mit dem Album, so sollte man doch spätestens beim grandiosen Abschlussepos “Das Ende vom Zelt” dahinschmelzen, das alle Facetten der Band in einem (eigentlich geteilten) Song vereint. Melancholie, Pop, Spastigkeit und Muckertum. Auch wenn ich “Lilith” aufgrund seiner stringenden Atmosphäre ein Stück besser finde, ist “Dinosaurs in Rocketships” Unterhaltung auf höchstem Niveau. Die Scheiben lassen sich aber auch schwer miteinander vergleichen. Und genau das macht diese Band wohl aus. Sie versucht definitiv neue Wege zu bestreiten. Und das ist auch gut so. “Dinosaurs in Rocketships” ist somit nichts weiter als das erste waschechte Highlight im Jahre 2008. 8/10

Genghis Tron - “Board up the House” (Relapse)
Ziemlich aus dem Nichts kamen Genghis Tron anno 2006. Zumindest emfpand ich das so, immerhin veröffentlichten die Jungs vor ihrem Debütalbum schon eine EP. So oder so, “Dead Mountain Mouth” war eine sehr frische Angelegenheit. Beeindruckend war vorallem, dass die Band vollkommen auf Schlagzeug und E-Bass verzichteten. Stattdessen kreierte man seinen Sound aus Gitarren und Synthesizern und Drum-Computern. Obwohl das Ganze sehr frisch klang, klang es gleichzeitig auch sehr natürlich. Und genau das kann man von Genghis Tron’s Relapse-Einstand leider nicht mehr sagen. Viel zu sehr wird hier mit dem (hochgelobten) Mix aus Electro und Grind-Death-Chaos-core kokettiert. Gerade die elektronischen Passagen sind auf “Board up the House” ausgedehnter und erinnern phasenweise gar etwas an die 80er, an New Wave, an Depeche Mode oder New Order. Das funktioniert mal ganz gut, was ein paar nette Melodien beweisen. Mal klingts aber auch etwas gekünstelt und vollgestopft. Auch die neuen clean gesungenen Passagen dürften ziemliche Geschmackssache sein. Der Gesang ist zudem meist verzerrt und klingt relativ spacey-futuristisch. Klar, “Board up the House” hat definitiv seine Höhepunkte. Die erwähnten, teils sehr atmosphärischen Electroparts etwa. Ein Stück wie “City on a Hill”, dass mit einem überraschenden Nackenschlag startet, nur um dann von einer wave-igen Melodie entzaubert zu werden. Oder auch der epische (gähn) Rausschmeißer “Relief”, der stark an Prog-Bands wie Yakuza oder Baroness erinnert. Doch im Großen und Ganzen klingt das neue Werk etwas zu überambitioniert. Die einzelnen Songs und Passagen wirken etwas zu willkürlich aneinandergestückelt. “Dead Mountain Mouth” schaffte diesen Spagat einfach besser und klang dabei einfach eher wie ein Stück Ganzes. Em Ende unterlegen Genghis Tron, wie so viele Bands in letzer Zeit, ihrem eigenen Anspruch. Denn das Ausschweifen in zu viele Richtungen tat auch ihrem Album nicht sonderlich gut. 5/10

Parachutes - “Vultures” (Redfield)
Mehr oder minder entdeckt wurden die Parachutes ja von Tribute to Nothing. Und genau für deren Label veröffentlichten die Parachutes auch ihr Debüt. Nicht schlecht, denn so konnte man sogar in England ein paar Anhänger für sich gewinnen. Nichtsdestotrotz bringen die Saarländer den Nachfolger “Vultures” auf dem deutschen Redfield-Label raus. Und Tribute to Nothing haben auf jeden Fall nen guten Riecher bewiesen, denn “Vultures” ist durchaus eine positive Überraschung. Was man im ausgelutschten Fake-Screamo-Genre gar nicht glauben mag. Klar: die alte Aussage, dass hier nix neu erfunden wird, trifft auch hier wieder zu. Aber was zur Hölle soll man in dieser vermoderten Schublade auch noch aufgreifen, was schon nicht vorher von tausend anderen Teeniebands geritten wurde?! Die Parachutes schaffen es auf “Vultures” aber viel natürlicher zu klingen, als ein Großteil der Konkurrenz. Außerdem umschifft einen Großteil der gängigen Klischees. Und zu guter letzt, nahm man sich einfach die richtigen Vorbilder. Welche Platte, die Saarländer im letzten Jahr am öftesten hörten, sollte schon nach einem Durchgang klar sein: die letzte Underoath. Denn auch wenn der Sound nicht ganz so dick ist wie bei den Amis, kommt er doch relativ nahe dran. Außerdem erinnert vorallem die Vokalarbeit an Underoath. Ähnlich intensiv schreit sich einer die Seele aus dem Leib, während der andere gekonnte Gesangsmelodien einwirft. Das Wechselspiel aus Hardcore, Metal, Emo und Rock erinnert zudem sehr oft an Hand to Hand oder die seligen Beloved. Vielleicht hört man hier und da auch etwas FATA raus. Wie man also merkt, nahm man sich schlicht gesagt, die besten Bands aus diesem Genre zum Vorbild. Und man adaptierte den Sound richtig gut. Die Produktion ist klasse, das Songwriting recht abwechslungsreich. Und Songs wie das freche “Fists up and Boots off” oder das Titelstück “Vultures”, in dem man gekonnt mit Dynamiken spielt, sind lupenreine Hits. Gerade in der zweiten Hälfte ist mir die Platte vielleicht etwas zu sehr im Emo getränkt. Denn am besten sind Parachutes einfach, wenn sie schnelle und rotzige Parts in die Songs einbinden. Was aber nix dran ändert, dass man hier den Hut ziehen muss. Denn “Vultures” ist aus diesem Bereich eine der besten Veröffentlichungen die man bisher aus Deutschland hörte. Den Sound “amerikanisch” zu bezeichnen, mag zwar beleidigend klingen, kann aber hier absolut als Kompliment aufgefasst werden. Weiter so, Saarland! 6/10

Protest the Hero - “Fortress” (Vagrant)
Tja, wenn der Größenwahnsinn Überhand nimmt. Es war ja nicht unbedingt anzunehmen, dass Protest the Hero auf ihrem zweiten Album plötzlich zarten Emo-Pop spielen… aber dass sich die Kanadier dem Prog-Hype anschließen müssen, ist doch etwas enttäuschend. Höher, schneller, lauter, leiser und vorallem mehr mehr mehr hieß wohl die Devise. Was auf dem Debüt “Kezia” eigentlich noch sehr ambitioniert klang, nimmt hier einfach Überhand. “Fortress” bietet mehr Emo, mehr Pop, mehr Metal, mehr Gefrickel, mehr Breaks, mehr Epik - mehr von allem halt, aber der rote Faden geht dabei einfach verloren. Klar, ein paar schöne Parts finden sich hier durchaus. Doch neben diesen stehen auch zig schmalzige oder kaum nachvollziehbare Parts. Und auch nach mehreren Durchläufen habe ich einfach keine durchwegs knallende Nummer gefunden. Die gabs auf “Kezia” durchaus noch. Das Songwriting ist schlichtweg überladen und viel zu wenig auf den Punkt. Weniger wäre hier durchaus mehr gewesen. Wer auf solches Mucker-Gewichse a la (aktuelle) Between the Buried and me, Coheed and Cambria oder The Mars Volta allerdings steht, könnte mit “Fortress” durchaus glücklich werden. Für meinen Geschmack sind die Kanadier aber einfach übers Ziel hinausgeschossen. Eine gewisse Balance im Songwriting zu halten und dabei trotzdem anspruchsvoll zu klingen, ist einfach schwieriger als alles, dass man kann, in 40 Minuten aneinanderzureihen. 3/10

Slut - “StillNo1″ (EMI)
Tja, Slut sind mittlerweile auch schon sowas wie alte Hasen. Seit 13 Jahren besteht die Band mittlerweile und veröffentlichte nun schon  ihr sechstes Album. Und für dieses ließ man sich so viel Zeit, wie nie zuvor. Dreieinhalb Jahre liegt das grandiose “All we need is Silence” nämlich jetzt zurück. Allerdings waren Slut nicht ganz untätig, sondern schrieben zwischendrin auch ein paar Lieder für die “Dreigroschenoper”. Und genau dieses Projekt hat sich wohl ziemlich auf den Sound von “StillNo1″ ausgewirkt. War “All we need is Silence” noch eine straighte, reduzierte Rock-Scheibe, mit klassischen Strukturen, vielen Hooks und eingängigen Refrains, so hat das neue Baby wenig damit zu tun. Auf “StillNo1″ werden die Strukturen aufgebrochen und verdammt viel Freidenkertum mithineingenommen. Die aggressiven Töne blieben komplett draußen, stattdessen sind die Songs um einiges ruhiger, verstehen es sich im Verlauf aber trotzdem immer wieder zu steigern. Das geschieht aber eben nicht auf plumpe, sondern auf durchwegs sehr atmosphärische Art und Weise. Siehe z.b. auch das Titelstück, das zum Schluss hin einem leichten Orkan gleicht. Aber nicht falsch verstehen: dieses Album ist wohl das ruhigste und “un-rockigste” Stück Musik, das Slut je aufgenommen haben. Allerdings sind die Stücke hier weit von “schläfrig” entfernt. Die Band erzeugt immer wieder eine sanfte, sehr hypnotische, verträumte Atmosphäre, die Christian Neuburger’s melancholische Stimme perfekt umgarnt. Auch er klingt hier so gefühlsvoll und melodisch wie noch nie, verzichtet auf Experimente und konzentriert sich eher darauf die Atmosphäre zu unterstützen. Für erste sorgen nämlich die Instrumentalisten. Denn trotz der softeren Ausrichtung gibts hier viele Einfälle, ob Pianos, Streicher, Bläser, Chöre, Percussions, usw. Aber auch beim Songwriting gibts grad im späteren Verlauf ein paar nette Überraschungen. Man siehe z.b das ungewöhnlich beschwingte “Odds and Ends”, das dann doch mit einem hochdramatischen Refrain berührt. Oder auch das rockige “Better Living”, das wohl am ehesten aufs letzte Album passen würde. Überhaupt zieht “StillNo1″ gerade in der zweiten Hälfte richtig an. Ab der grandiosen Piano-Ballade “Wednesday” nimmt die Platte ihren ganz eigenen Fluss. Wirklich beeindruckend wie reif und versiert Slut mittlerweile klingen. Da könnten sich selbst Radiohead noch ein Scheibchen von abschneiden. Nichtsdestotrotz finde ich persönlich den rockigen Ansatz von “All we need is Silence” unterhaltsamer. Das ist aber voll subjektiv, denn für sich betrachtet ist das neue Album wieder mal sehr gut geworden. 7/10

01. Kidcrash - “Jokes” (Init)
Innovation und Frische braucht man heutzutage um beim Fan im Gedächtniss zu bleiben. Denn seien wir mal ehrlich: die meisten der aberhunderten Bands die sich Musiksüchtige wie wir jährlich so reinpfeiffen, scheitern schlichtweg daran, dass sie klingen wie Band xy, Band yx und Band xx. Kidcrash erfinden das Rad zwar jetzt nicht neu, klingen aber trotzdem frischer als 99% der anderen Bands, die ich dieses Jahr gehört habe. Auf wundersame Art und Weise schafft das Quarttet eine völlig natürlich klingende Symbiose aus Hot Cross, The Fall of Troy, 90er-Screamo und modernen Screamo-Bands wie Daniel Striped Tiger oder Funeral Diner. Schon der Opener beinhaltet mehr Ideen und klasse Momente als viele Alben ewig gleicher Copy-Cats. Obwohl der Frickel-Faktor der Songs relativ hoch ist und in der Beziehung absolut in einer Liga (eigentlich sogar etwas drüber) mit erwähnten Hot Cross oder auch The Fall of Troy spielt, ist die ganze Geschichte höchst eingängig und anfixend. Die Band schafft den perfekten Mittelweg aus höchst anspruchsvollen, mathigen Songkonstruktionen, emotionalen Melodien, deftigem Geschrei und einem dicken Schuss rotzigem Punk-Spirit. Wo man zu Beginn noch wild abrocken kann, da schleicht sich gleich eine wundervolle Melodie zum Dahinschwelgen ins Stück, nur um im nächsten Moment von einem unglaublichen Groove auf die Tanzfläche gebeten zu werden. Immer wieder bauen Kidcrash dicke Songgebilde auf, nur um sie ohne Vorwarnung wieder einzureißen. Trotz verdammt vielen, anfangs wahllos aneinandergereiht wirkender, Parts ergeben die Songs mit der Zeit allesamt einen “Sinn”. Obwohl die Band sowas von druckvoll um die Ecke kommt, ists unglaublich wie melodiös die Gitarren eigentlich sind. Im dicken Kontrast dazu steht die aggressive Rhythmus-Abteilung, die im Verlauf der Platte, jeden Song vorantreibt. Überhaupt ist der Drummer, was Sound und Technik angeht, höchst talentiert. Die Gitarren hauen aber nicht nur emotionale Melodien raus, sondern klingen auch mal jazzy oder leicht moshig. Geschrei wird zudem nur ganz selten eingesetzt und das (genregemäß) eher als “eigenes Instrument”. Kidcrash wären aber auch komplett instrumental eine absolute Wucht! Die vier Herren haben hier endlich wieder mal ein Album abgeliefert, dass Nacken, Beine, Herz und Kopf gleichermaßen beansprucht. Und sowas gabs schon längers nimmer. Einziger Schwachpunkt: nach dem grandiosen siebten Song, folgen leider zwei Songs die diesen nicht mehr toppen könnnen. Aber das ist nur ein Schönheitsmakel oder Jammern auf übelst hohem Niveau! 10/10

02. Antitainment - “Nach der Kippe Pogo?!” (Kidnap)
Ausnahmeband. Jawohl, das sind Antitainment aus Bad Vilbel bei Frankfurt. Der Band gelingt es nämlich perfekt sich von allen Schubladen zu drücken. Kein Wunder, denn genau diese verachtet die Band wohl aufs Übelste. Und so werden Szenetrends, Genres und die Gesellschaft überhaupt ständig auf die Schippe genommen. “Die Metal-Mosh-Maschine” ist wohl das perfekte Beispiel dafür, decken Antitainment hier doch auf, dass ein Moshpart am besten nach einer Minute und fünfundvierzieg Sekunden funktioniert. “1:45… oh, das ist ja jetzt schon!!! Na dann mal los…”. “We are (black) Metalrap” geht in eine ähnliche Richtung und sorgte unter Metallern schon für Anfeindungen. Anders als etwa Todd Anderson, die in von der Aussage her in eine ähnliche Richtung gehen, sind die Songs von Antitainment allerdings in verdammt viel Sarkasmus, Blödel-Humor und Spastigkeit getränkt. Gerade Frontmann Tobi hat einen ganz eigenen Stil, der mich in den gesprochenen Parts sogar an Komiker Didi Hallervorden (!) erinnert. Seine Intonierung in diesen Zeilen ist überhaupt ziemlich disharmonisch, sorgt aber gerade wegen seiner Spontanität für viele Lacher. Doch obwohl “Nach der Kippe Pogo?!” in vielen Teilen eine einzig große Comedy-Show ist, gelingt es der Band hervorragend den dominanten Humor-Faktor mit höchst anfixener Musik und der ein oder anderen ernsthaften Botschaft zu verbinden. Denn mal ehrlich: wenn auch etwas versteckt, sprechen die Texte einfach nur die bitterböse Wahrheit aus. Und wer seine Platte mit den Worten “ich habe keine Angst mehr Dinge falsch zu machen, ich tu sie einfach ohne Angst nicht richtig. Es gibt kein gesundes Leben im Kranken…”, der hat einfach alles richtig gemacht. Doch um am Ende doch noch mal auf Schubladen zurückzukommen: stilistisch erinnert das Ganze an eine Mischung aus Horse the Band, Turbostaat und den Blood Brothers. Antitainment verbinden assigen Deutsch-Punk mit spastischem Chaos-Hardcore, True Metal-Anleihen und parodistischem Metal-Mosh-Deathcore-Gewichse. Blitzschnelle Abgehparts gibts dabei ebenso wie herrliche Melodien, bitterböse Breakdowns oder bescheuerte Experimente. Abgerundet wird dieser Mix durch minimalistisches, aber höchst präsentes, Keyboard-Spiel und arschtretenden Youth Crew-back ups. Gerade das Zusammenspiel aus Keyboard und Gitarre macht die Songs trotz aller Spastigkeit einfach höchst eingänig. Da stört nicht mal die Spielzeit von 25 Minuten, denn Antitainment verzichteten wohl bewusst auf Wiederholungen. Ich vermisse ehrlich gesagt nur den epischen, zehn-minütigen, Abschluss. Hätte in diesem Kontext gut gepasst… 10/10

03. Horse the Band - “A Natural Death” (Koch)
“The Mechanical Hand”, das Zweitwerk von Horse the Band, war zwar alles andere als übel, doch es riss mich einfach nicht mehr mit. Die Unterschiede zwischen dieser Platte und seinem Vorgänger waren vielleicht einfach zu gering und im direkten Vergleich mit “R. Borlax” konnte sein Nachfolger nur den Kürzeren ziehen. Nun veröffentlichen die Verrückten mit “A Natural Death” ihr drittes Album. Und ja! Es gab die erhofften Veränderungen. Alleine thematisch hat das neue Werk nix mehr mit seinen Vorgänger zu tun, ist sind Horse the Band diesmal doch in einem fiktiven Wild Western-Szenario gefangen. Die Videospielanleihen blieben diesmal außen vor. Gerade textlich ist das Ganze weiterhin albern, doch wer sich gerne in solche Fantasiewelten hineinversetzen lässt, wird seine Freude daran haben. Aber es gab auch musikalisch so einige Veränderungen! Auch wenn es bei diese Chaotentruppe komisch erscheint, aber ja, die Band legt auf ihrer neuen Platte nun viel mehr Wert auf Atmosphäre. Zwischendrin darfs auch mal eine kleine Ambient-Nummer sein, ein spoken word-Track, eine ausgedehnte Melodie oder ein ruhiger Part. Und vergleichsweise ist “A Natural Death” sicherlich das ruhigste Werk der Band. Wobei “ruhig” gelogen wäre, setzt die Band doch immer noch auf frickelige Arrangements, heftige Keyboard-Eskapaden und einen psychopathischen Schreihhals. Eine ganz große Stärke von Horse the Band ist weiterhin die Art und Weise wie die Jungs Bilder mit ihrer Musik malen. In “Face of Bear” z.b. hat man genau vor Augen, wie der Bär vor einem erscheint, bis einige Zeit später der hektische Kampf ausbricht und man am Ende den heldenhaften Tod stirbt. Angst, Spannung und Wahnsinn werden dabei musikalisch perfekt vermittelt. In der gleichen Gangart gehts weiter. So ist “A Natural Death” einerseits zwar ein buntes Potpourri, das an vor lauter Abwechslung nur so strotzt… andererseits ist diese Scheibe als Gesamtwerk auch sehr intensiv und erdrückend. Die Band versteht es perfekt Spaß und Ernsthaftigkeit, Flappsigkeit und Anspruch, Poppigkeit und Experimentierfreude miteinander zu verbinden. Ein aggressiver Brocken wie “Treasure Train” steht beispielsweise neben einer Spaß-Nummer wie “Kangarooster Meadows” oder einer der vielen düsteren, sau-atmosphärischen Ambient-Einlagen. 4 Tracks an der Zahl sind alleine kleine elektronische Interludes. Ich habe bei sowas immer Bedenken, doch hier überzeugen diese Parts allesamt und machen im Kontext der Platte wirklich Sinn. Mit Songs wie “Murder”, “Super Sapphire” oder “Sex Raptor” gibts allerdings auch genug lupenreine Hits, die beim ersten Mal zünden. Früher oder später entfaltet dann doch jeder der 16 (!) Tracks seine Stärke. Trotz der langen Spielzeit von beinahe einer Stunde kommt zu keiner Sekunde Langeweile auf. Ich hätts mir nach dem nur soliden “The Mechanical Hand” nicht träumen lassen, aber Horse the Band haben sich mit “A Natural Death” neu erfunden und nach dem Debüt erneut ein kleines Meisterwerk abgeliefert. Allerdings haben diese beide Alben einen komplett anderen Fokus und sind beide auf ihre Weise grandios. Vergleichen würde ich sie nicht. “A Natural Death” ist auf jeden Fall eins der ambitioniertesten und originellsten Werke in diesem Jahr. Vorerst mal 9/10, mit Tendenz nach oben. Kaufen! 9/10

04. Evergreen Terrace - “Wolfbiker” (Metal Blade)
Was man auch über Evergreen Terrace sagen möchte, aber diese Band hat definitiv Eier. Über das Cover-Album und das dezent angepasste “Sincerity is an easy Disguise in this Business” moserten zwar einige… doch nun hat sich die Band wieder in eine andere Richtung entwickelt. Schon der Opener “Bad Energy Troll” geht direkt nach vorne, mit schnellem Drumming, einem fetten Groove und dem bekannt angepisstem Geschrei. Hardcore/Punk, Metal, Rock und etwas Pop werden auch auf dem neuesten Werk miteinander verbunden und trotzdem klingt die Band wieder anders als davor. Und noch wichtiger: sie distanziert sich eindeutig vom 08/15-Metalcore. Der ganze Sound ist zudem etwas dreckiger und ungeschliffener als auf “Sincerity…”, aber trotzdem ziemlich fett. Die Eingängigkeit ist trotdzem vorhanden und kommt vorallem durch die cleanen Gesangsparts zu stande. Diese sind in gewissen Songs zwar wieder mal höchst pathethisch, doch hundertprozentig anfixend. Allgemein versprüht “Wolfbiker” auf voller Albumlänge einen hohen Partyfaktor. Songs wie “Chaney can’t quite riff like Helmet’s Page Hamilton” oder “Wolfbiker” dürften gerade live eine Mordsgaudi sein. Die Platte ist einfach positiv und bringt Spaß. Die Härte, die Wut, die Rohheit und auch die Ernsthaftigkeit gehen bei all den Hymnen aber nicht aus. Die Produktion der Platte ist auch mehr als gelungen. Die Grooves, die Melodien, die Breakdowns, hier klingt alles so, wie es klingen sollte. Soundtechnsich zeigen ET perfekt vor, wie man den Spagat aus “fett”, “eingängig” und “roh” hinliegt, ohne Glaubwürdigkeit zu verlieren. Vorallem in Sachen Abwechslungsgrad punktet diese Scheibe ungemein. ET verstehen es perfekt einzelne Facetten nicht überzustrapazieren. Der Bulldozer-Part in “Rip this!” bleibt er auf der Platte z.b. einmalig und wird nicht woanders wieder verwurstet. So wartet man bei jedem neuen Durchlauf voller Vorfreude auf diesen Killerpart. Doch neben richtigen dicken Moshparts, gibts hier auch genug ehrlichen Hardcore-Punk, genug hymnenhafte Refrains, genug ergreifende Melodien und schlichtweg genug tolle Einfälle, sodass die Platte steht’s auf einem sehr hohen Level bleibt. “Wolfbiker” ist in seiner ganzen Mischung, seiner Kombination… seiner Gesamtheit schlichtweg eins der eigenständigsten, frischesten Alben in diesem Jahr. Und das sollte Kompliment genug sein. 9/10

05. Hot Cross - “Risk Revival” (Equal Vision / Hope Division)
Hot Cross sind zurück! Nach 3 Jahren Pause, hat sich die Band zu einem “Revival” durchgerungen. Ob das allerdings großartig riskant ist, sei bei dem unverschämten Talent der vier Musiker mal dahingestellt. Vier? Jawohl, denn Josh Jakubowski verließ die Band in der Schaffenpause, ist auf “Risk Revival” aber irgendwie doch noch dabei. Als Produzent nämlich und als aktiver Gastsänger in zwei Stücken. “Produzent” ist übrigens ein gutes Stichwort, denn die Produktion von “Risk Revival” ist wahrscheinlich die größte Veränderung im Vergleich zu den vorigen Werken. Genau das ist auch der Punkt an dem sich die Geister scheiden werden. Die Rohheit die die früheren Werke auszeichnete ist nämlich etwas dahin. Dafür ist die Produktion einfach dicht wie Sau! Und genau DAS passt schlichtweg zur neuen Einstellung der Band. Hot Cross funktionierten als Einheit noch nie so perfekt wie auf “Risk Revival”. Wo früher jedes Instrument sein eigenes Süppchen kochte, da fokussiert sich nun die ganze Band auf das selbe: den Song. Rein stilistisch heißt das bei Hot Cross: weniger Chaos, weniger Screamo, weniger Mathematik. Dafür mehr Struktur, mehr straighter Punkrock. Das punkige, direkte “Kill the Name” etwa, mit seinem hymnenhaften Refrain wäre früher undenkbar gewesen. Der ungewöhnlichste Song ist wohl das hochmelodische “Silence is Failure”, das als einziger Song komplett im midtempo verläuft und ohne Gefrickel auskommt. Die zurückgelehnten Momente vermisst man ansonsten etwas, mal abgesehen vom Flamenco-Gitarren-Intro in “Exits and Trails” oder dem akustischen Intro von “Finance fuels the Sickness at Heart”. Ansonsten lässt einem die Platte trotz aller Struktur keine Sekunde Zeit durchzuatmen. Die beinahe überschäumende Spielfreude und Passion mit der die Musiker hier zu Werke gehen ist heutzutage so gut wie konkurrenzlos. Schlussfolgerung: wie auf jeder Scheibe klingen Hot Cross etwas anders, aber wie auf jeder Scheibe bleiben Hot Cross Hot Cross. Und dieses Mal ist es, aufgrund des stark veränderten Sound-Gewands, doch sehr beeindruckend wie viele Trademarks hier drinstecken. Auch ohne “Cryonics” zu toppen macht diese Band 95% aller aktuellen HC-Bands nass. Wer über zu wenig Innovation und Eigenständigkeit in diesem Genre jammert, der weiß, was er zu tun hat… 9/10

06. Emmure - “Goodbye to the Gallows” (Victory)
Das hier ist die Moshplatte des Frühlings! Die 5 Jungspunde zocken hier ohne weiteres ein kompromissloses Bulldozer-/Moshcore-Monster runter, dass einem die Spucke wegbleibt. Besonders an der Platte sind sicherlich die vielen massiven Midtempo-Parts, die einen mit ihrer Brutalität und ihrem unbändigen Groove einfach nur überrollen. Die Gitarren klingen dabei zwar sehr metallisch, aber eher auf eine technische Art. In gewissen Songs machen die Jungs gar Abstecher Richtung Doom-Metal. Und auch tolle Melodien schreiben können Emmure. Ein Song wie “Rusted over wet Dreams” entwickelt so zum Beispiel ein unglaublich hohes Hitpotenzial und erinnert gar an Bands wie Misery Signals oder Poison the Well. Ansonsten ordnet sich die Band eher bei anderen Mosh-Combos wie Bury your Dead oder Remembering Never ein, wobei man auch Parallelen zu Norma Jean nicht abstreiten kann. Also defacto wird hier ziemlich vieles vermischt, dass in den letzten Jahren im Metalcore-Bereich relevant war. Aber das wird auf eine so intensive und überzeugende Art und Weise gemacht, dass “Goodbye to the Gallows” nicht wie ein weiteres Abziehbild rüberkommt. Im Gegenteil! Gerade die düstere, morbide Atmosphäre reißt vom ersten bis zum letzten Song mit. Eine gewisse Portion Zynismus (gerade bei den Texten) rundet die Sache dabei perfekt ab. Vorallem die kranken, aber herrlich überdrehten spoken words (”this is… the end”, “what shall we name him?”) fressen sich ins Gehirn. Die Mischung aus mitreißenden, melodiöseren Nummern und bitterbösen, sarkastischen Wutbrocken gelingt Emmure dabei so gut, dass die Platte ohne irgendwas Neues zu machen, voll überzeugt. Gratulation also auch an Victory, die hier eine ihrer besten Platten der letzten Zeit veröffentlicht haben. 8/10

07. Heaven in her Arms - “s/t” (Ape must not kill Ape)
Heftiger Stoff, den und Heaven in her Arms hier um die Ohren hauen. Zählt man Label und Herkunftsland der Truppe zusammen, sollte klar sein, wer hier das Vorbild ist. Natürlich die legendären Envy. Den Landsleuten natürlich sehr ähnlich liefern Heaven in her Arms hier ein fast 60-minütiges Klangepos ab, das auf Anhieb fasziniert und selbst auf längere Sicht einfach nur fordernd ist. Zwischen schwer metallischen, nosigen Parts, höchstintensivem Geschrei, fiesen Blasts, langen Interludes, befremdlichen Sprechpassagen und hoffnungsvollen Melodien zieht das Album dabei seine Bahnen. Anfangs blickt man nur schwer durch, aber je mehr man sich damit auseinandersetzt, desto intensiver wird dieser Höllenritt. Bis auf ein paar wenige, ganz dezent versteckte, Hoffnungsschimmer klingt das Ganze dabei stets depressiv und vorallem düster. Die Songs sind dabei vollgesteckt mit netten, kleinen Einfällen und sind immer dazu in der Lage sich zu steigern. Gerade die Dosierung von Heaven in her Arms ist wohl gelungen. Nachdem sich ein Songs zum furiosen Finale hochgeschaukelt hat, gibt einem der nächste gewiss eine Verschnaufspause in Form eines 2-minütigen, melodischen Interludes. So läufts zumindest nicht selten ab. Gut so, denn sonst wäre das Ganze schwer auszuhalten. Die größte Geschmackssache dürfte dabei mit Sicherheit das Geschrei sein. Denn das ist größtenteils NICHT hintergründig, sondern liefert sich gerne mal ein nervenzerreißendes Duell mit den Instrumenten. Der Nervfaktor kommt dadurch zustande, dass der/die Shouter sehr hoch und noch hysterischer kreischt. Und das dürfte vielen auf die Nerven gehen. Selbst wenn’s mich die meiste Zeit über mitreißt, muss ich sagen, dass ich mir hier etwas mehr Facettenreichtum gewünscht hätte. Andererseits wird das von der verrückt gewordenen Instrumental-Abteilung wieder wett gemacht. Denn diese schöpft ne Stunde lang aus einem fetten Potpourri an (teils schrägen) Einfällen. Hervorheben sollte man unbedingt auch die, für Genreverhältnisse, richtig fette Produktion. Und das ist hier mal nicht mit nem negativen Beigeschmack versehen. Wer also auf dem Debütalbum schon so ans Werk geht, der hat massig Talent. Und das sollt man mal honorieren. Wer also mit Between the Buried and me, The Mars Volta und wie sie nicht alle heißen, nix anfangen kann, aber von ner Platte trotzdem gern gefordert wird, für den hab ich einen Befehl: Kaufen! 8/10

08. Escapado - “Initiale” (Grand Hotel Van Cleef)
Was tun, nach einem derartigen Erfolg wie “Hinter den Spiegeln”? Probieren einen Nachfolger zu machen? Irgendwas komplett Neues machen? Eine Mischung daraus? Nicht einfach. Die meisten Bands scheitern daran. Escapado allerdings, haben mit “Initiale” wohl alles richtig gemacht. In einigen Bereichen gabs eine Weiterentwicklung, hier und da klingen ein paar neue Facetten durch, doch die Band blieb sich trotz alle dem 100% treu. “Initiale” gelingt dieser Spagat aus “am Sound fest halten” und “nicht stagnieren” nämlich perfekt. Viele Parts erinnern relativ stark an “Hinter den Spiegeln”. Drei, vier Melodien oder Grooves wurden sogar unverändert übernommen. Doch ansonsten ist “Initiale” um einiges melodiöser. Ein gewisser Indierock-Einfluss ist nicht zu leugnen. Die harten Parts sind vielleicht nicht mehr ganz so aggressiv und rotzig wie früher, doch auch das passt zur neuen Platten. Denn Escapado legten diesmal einfach viel mehr Wert auf Atmosphäre. “Initiale” funktioniert als Gesamtwerk somit wirklich hervorragend. Die sphärische Melodieführung nimmt einfach gefangen, das Händchen für ergreifende Spannungsbögen ist eine ganz große Stärke der Band. Der vorher veröffentlichte Track “Coldblack…” beschreibt die Platte wohl am besten. Nach dem wuchtigen Beginn wird Spannung und Atmosphäre erzeugt, bis zum Ende hin ein, sich ins Hirn fressender, Slogan einsetzt, der dem Stück das letzte Stück Dramatik verleiht. Die mal dezente, mal dicke Portion Epik in Songs wie “Stillleben” oder “Ausgeblendet” verleiht der Platte noch mehr Intensität. Ansonsten gelang es der Band trotz allem Anspruch eine dicke Sammlung an lupenreinen Hits auf die Beine zu stellen. Anbiedernd oder stagnierend klingt die Band dabei allerdings in keiner einzigen Sekunde. Ist das Ganze noch Screamo? Nein. Und trotzdem sollte die Entwicklung keinem alten Fan vor den Kopf stoßen. “Hinter den Spiegeln” hat am Ende sicherlich mehr große Momente. Diese Platte ist viel besser zum Tanzen oder Abgehen geeignet. Sie ist schlichtweg intensiver. Diesen einen Schritt ist “Initiale” von seinem Vorgänger entfernt. Außerdem ist der Überraschungseffekt einfach weg. Aber in Anbetracht der Umstände, konnten Escapado kaum ein besseres Album als “Initiale” aufnehmen. Kopfhörer aufsetzen, ins Sofa krümeln und genießen… 8/10

12. Kate Nash - “Made of Bricks” (Fiction)
Man kennt das: immer wieder stößt man beim Zappen oder im Radio auf einen Pop-Song und findet den irgendwie klasse. Meistens belass ich es bei dem ersten guten Eindruck und informier mich nicht weiter über den Interpreten. Denn so nett solche Musik oftmals nebenbei klingt, so belanglos wirds, wenn man sich damit auseinandersetzt. Kate Nash ist da eine rühmliche Ausnahme, kann ich mir ihre Scheibe doch von vorne bis hinten anhören. Und das obwohl sie mit ihrer Mischung aus Pop, Singer-Songwriter, sowie etwas Soul und etwas Hip-Hop völlig aus meinem Schemata rausfällt. Doch die junge Frau klingt einfach ehrlich und ist zudem alles andere als ein gemachter Pop-Star. Songs werden hier noch selbst geschrieben und Instrumente werden ebenfalls noch selbst bedient! Und die Frau ist definitiv eine klasse Songwriterin, denn “Made of Bricks” bietet satte Abwechslung. Neben einer luftigen Ballade wie “Birds” fanden auch coole, bluesige Nummern wie “Dickhead” oder poppige, sonnige Stücke wie “Mouthwash” ihren Weg aufs Album. Die musikalische Inszenierung ist dabei recht minimalistisch, aber hundertprozentig passend. Im Mittelpunkt steht nämlich Kate selbst, mit ihrer wandlungsfähigen Stimme, zwischen Sprechgesang und sanftem Gesang. Scheiden werden sich die Geister natürlich am “London”-Akzent der Dame. Gerade den finde ich aber einfach großartig und höchst charmant! Obwohl hier dicke Moshparts und Breakdowns also abgehen, ist “Made of Bricks” von vorne bis hinten Unterhaltung auf höchstem Niveau. Daran Schuld sind vorallem die vielen, teils auch kuriosen, Einfälle. Definitiv DIE Pop- und Wohlfühl-Scheibe des Jahres! Songs wie “Foundations” oder “Merry Happy” lassen mir einfach nur die Sonne aus dem Arsch seinen. So solls sein… 8/10

13. Queens of the Stone Age - “Era Vulgaris” (Interscope)
Nach dem enttäuschenden, weil harmlosen, gerade mal soliden Vorgänger “Lullabies to Paralyze”, war klar, dass sich bei den Queens einiges tun wird. Und so ists auch gekommen, denn “Era Vulgaris” ist wieder ein absolut releveantes Stück Musik geworden. In vielen Teilen ist das neue Album auch eine Neuerfindung der Band. Der typische Gitarrensound der die letzten Alben auszeichnete ist hier nur mehr ansatzweise vorhanden. Statt heftige, undurchdringbare Riffwände aufzuziehen klingen die Gitarren auf “Era Vulgaris” einfach nur schräg, kaputt oder wie es Homme selbst nannte “verkrüppelt”. Außerdem ist der Sound weit weniger basslastig als z.b. noch zu “Songs for the Deaf”-Zeiten. Die gesamte Produktion ist für Queens-Verhältnisse doch sehr minimalistisch und lo-fi, Hits müssen sich hier erst rauskristallisieren. Doch obwohl das Songwriting recht experimentell und extravagant ausgefallen ist, bietet “Era Vulgaris” viele tolle Momente. Meistens entstehen diese in Kombination aus den schrägen und den eingängigen Seiten. Aber mit der ersten Single “Sick, Sick, Sick”, dem poppig-souligen Schunkler “Make it wit chu” und dem Meisterstück “3’s & 7’s” befinden sich auch auf der neuen Scheibe einige lupenreine Hits. Der vielleicht wichtigste Song ist “I’m Designer”, das heimliche Titelstück von “Era Vulgaris”. Textlich zynisch und zum gesamten Charakter der Platte passend, musikalisch beschreibend für den Sound: hier treffen schräge auf psychedelische Seiten, während sich aus dem Nichts eine einschmeichelnde Melodie in den Song schmuggelt. Aber auch die verschrobeneren Stücke haben ihre Momente: der geniale Anfang von “Battery Acid” z.b., das mit einer verkrüppelten Gitarre startet um dann in einen stampfenden Beat überzugehen. Oder das elegante, verträumte “Suture up your Future”. Oder das gefangen nehmende Hypno-Brett “River in the Road”. Im Rausschmeißer “Run, Pig, Run” gibst sogar nochmal die altehrwürdigen Gitarrenwände. Klar ist “Era Vulgaris” am Ende keine Hitsammlung wie “Songs for the Deaf”, aber das konnte es bei DER Herangehensweise auch nie werden. Vom Sound her isses allerdings verdammt frisch. Das ist genau die Platte die Band und Musikwelt gebraucht haben! Wer’s nicht schnallt, tut mir leid… 8/10

14. Young Livers - “The new Drop Era” (No Idea)
Erster Gedanke: Was für ein wunderschönes Cover. Würd auf nem Digipak natürlich noch um Welten edler wirken. Zweiter Gedanke: No Idea. Schon ewig nix mehr von dem Label gehört. Geht bestimmt in die Gainesville-Ecke. Dritter Gedanke: jau, ist so! Allerdings ist das auch nicht weiter tragisch, da dieser rauhe Postcore heutzutage nicht mehr so oft gespielt wird wie etwa noch vor fünf, sechs Jahren. Und so gut wird er auch selten gespielt. Young Livers nehmen sich aber noch eine gute Portion an Drive like Jehu-Rhythmik und -Drive hinzu und kreieren phasenweise ihr eigenes Süppchen. Phasenweise. Denn größtenteils klingt hier natürlich vieles nach Hot Water Music oder auch Tribute to Nothing. Schnelles Drumming, verspielte melodische Gitarren und rauhe, emotionale Vocals bilden das Grundgerüst. No Bullshit lautet hier eindeutig die Devise. Und so werden die 8 Songs in gerade mal 21 Minuten runtergekloppt. Aber das reicht. Viel mehr muss man dazu nicht sagen. Neben straighten HC-Momenten bietet “The New Drop Era” auch genug Hitpotenzial oder die ein oder andere mitsingtaugliche Zeile. Allerdings bleibt das Ganze meist sehr garage-ig, ungeschliffen und rauh. Der Überhit “Fair Well” bleibt allein auf weiter Flur. Das liegt aber auch daran, dass man auf allzu übertriebenes Hymnen-Gehabe gekonnt verzichtet. Dem Unterhaltungswert tut dies aber keinen Abbruch, da die Young Livers jedem der acht Songs ihren eigenen Charakter verleiht. Das ungefähre Schema bleibt zwar das gleiche, aber kleine Feinheiten machen die einzelnen Songs aus. Am Ende passt man zwar perfekt in die Gainesville-Ecke, klingt aber nicht wie ein HWM-Rip-off. Viel eher beweist man dass man deren Sound gekonnt mit ein paar rohen Facetten aus San Diego kombinieren kann. Letzter Gedanke: feine Sache, das. Ersteindruck bestätitgt! 8/10

15. Amalthea - “Decisions should be a Desert, bright and clear” (Ape must not kill Ape)
“Decisions should be a Desert…” ist nach einer 7″ und einem Split das Debütalbum von Amalthea. Und die vier Schweden liefern damit definitiv eins der Jahreshighlights in diesem Bereich ab. Wie man das schon von diversen Bands kennt mixen die Jungs Screamo-Parts mit Postrock-Elementen und einem Schuss Emo/Indie. Damit müssen natürlich wieder mal Funeral Diner als Referenz herhalten. Aber auch Bands wie Yaphet Kotto, You and I, Indian Summer oder Saetia sind alles andere als fern. Starten tut das Album vielleicht etwas augelutscht mit einem ruhigem Instrumental. Dieses hält sich mit vier Minuten aber gottseidank in Grenzen. Der Übergang zum eigentlichen Opener “Econ” ist allerdings große Klasse. Und von da an machen Amalthea keine Gefangenen mehr. Ein Postpunk-Beat animiert zum Bewegen und auch das rotzige Geschrei kann gefallen. Doch nicht lange dauerts und so bekommt auch dieser Song eine melodische, epische Facette. Bekann von oben erwähnten Bands vermischen sich reduzierte, hypnotische Parts mit Stakkato-Rhythmen und bedächtig aufgebauten lauten Passagen. Was Amalthea vielliecht allerdings von diesen Bands etwas abhebt, sind sicherlich die liechten Postpunk-Anleihen. Ein großer Pluspunkt sind auch die sehr facettenreichen, zweistimmigen Vocals. Neben vielseitigem Geschrei und spoken words schrecken Amalthea auch nicht vor gesungenen Emo-Harmonien zurück. Und gerade diese machen die Songs höchst eingängig. Aber auch ansonsten stimmt hier einfach das Verhältniss aus (nie erdrückender) Härte und Melodie, aus atmosphärischen und eingängigen Abschnitten. Durch und durch runde Sache also, dieses Debütalbum der Schweden. Mehr von! 8/10

16. Enter Shikari - “Take to the Skies” (PIAS)
Da haben wir ihn wieder einmal. Einen Newcomer, der plötzlich von 0 auf 100 schießt. Gepusht durch myspace und einem Support-Slot für Billy Talent wurden Enter Shikari praktisch über Nacht zum “nächsten großen Ding”. As usual werden bei dieser Band die Meinungen auseinandergehen. Hypeprodukt oder Messiahs. Was auch immer, ich persönlich finde “Take to the Skies” eigentlich ziemlich stark. Das Aushängeschild der Engländer ist, dass sie Electro-Elemente mit Emocore verbinden. Das erinnert teilweise an Horse the Band, ist im Kontext einer Emo-Platte aber doch irgendwie neu. Vorallem aber auch ist die Elektronik hier in jedem Song enthalten. Sie spielt sich aber nicht mit durchgeknallten Momenten in den Mittelpunkt, sondern ist hier viel flächiger. Statt Keyboard-Eskapaden gibts hier schlichtweg sowas wie Trance, der die Songs mehr oder minder “atmosphärisch” unterlegt. Phasenweise nervt das etwas, phasenweise funktionierts wieder ganz gut… aber im Großen und Ganzen ist der Trance-Faktor vielleicht etwas ZU dominant. Denn den Hype für diese Mischung kann ich eigentlich nicht nachvollziehen. Was ich nämlich toll an dieser Band finde, ist ihr Talent, schöne Melodien und Gesangsharmonien zu schreiben. Auch die Gesangsarbeit ist ziemlich stark. Das Wechselspiel aus Geschrei und sanften Parts funktioniert hier prima. Und obwohl die Songs sicherlich recht eingängig und poppig sind, lassen sich Enter Shikari doch immer wieder fallen und spielen sich in einen Rausch. Der ganzen Platte haftet eine unheimlich hypnotische Atmosphäre an, die durch die langgezogenen Emo-Harmonien und den Trance erzeugt wird. Phasenweise erinnert das etwas an Alexisonfire zu “Watch out!”-Zeiten oder aber an Hopesfall. Auch wenn man sich nach ner Zeit an die Elektronik gewöhnt hat, das große Problem dieser Platte ist sein recht großes Füllmaterial. Vorallem die vielen Elektro-Interludes, Intros und Outros hätte man sich schenken können. Die Platte kommt somit auf eine Spielzeit von über 50 Minuten, was für eine Emocore-Scheibe doch etwas zu viel ist. Hätte man hier radikal auf 30-35 min. gekürzt, wäre “Take to the Skies” eine durchgängige Hit-Platte geworden. So aber sind immer noch genug tolle Momente drauf, die sich für Genrefans absolut lohnen. Mich persönlich könnte die Band auch ohne den ganzen Elektro-Schnickschnack überzeugen, denn sie haben auf jeden Fall ein Händchen für gute Songs. 7/10

17. Fitzcarraldo - “Herbst” (DIY)
Starkes Debüt, dass diese neue Band aus Aschaffenburg hier eingespielt hat. Fitzcarraldo verstehen es eindeutig für atmosphärische oder spannende Momente zu sorgen. Gute 50 Minuten lang zelebriert die Band hier ein Epos, das sowohl verdammt ruhige Momente, als auch inbrünstige Ausbrüche zu bieten hat. Letztere bleiben bei Fitzcarraldo die Ausnahme und sollen wohl eher sowas wie ein zusätzliches Soundelement sein. Größtenteils ist “Herbst” nämlich ziemlich minimalistisch, ruhig und auch instrumental. Denn das völlig unverständliche Geschrei kommt nur selten zum Einsatz. Stattdessen bäumen sich die Instrumente immer wieder auf, um im nächsten Moment wieder Stille regieren zu lassen. Zwischendrin gibts auch ziemlich passende Voice-Samples. Irgendwo zwischen Postrock, modernem Screamo und purem Ambient kreieren Fitzcarraldo somit eine völlig trostlose Stimmung. Depri-Mucke praktiziert die Band dabei allerdings nicht, gibts doch auch mal etwas lichtere oder verträumte Passagen. “Herbst” halt, würd ich sagen. Obwohl die Scheibe in neun Songs unterteilt ist, machts wenig Sinn sich diese einzeln anzuhören. Typisch für diesen epischen Atmo-Stoff ist “Herbst” schlichtweg ein Gesamtwerk. Ein Gesamtwerk, das wirklich grandiose Momente zu bieten hat. Diese sind meistens in den reduzierten Ambient-Abschnitten, den traurigen Pianoklimpereien oder den herrlichen Gitarrenmelodien zu finden. Doch bei all dem Lob können Fitzcarraldo einfach noch nicht mit ihren Vorbildern mithalten. Man merkt, das dies hier ihre erste LP ist, da sich doch noch einige schwächere, zähe, monotone Parts eingeschlichen haben. Empfehlen würde ich diese Scheibe allerdings trotzdem jedem Freund von Bands wie Godspeed you Black Emperor! und Sigur Ros oder Funeral Diner und City of Caterpillar. Denn ehrlich gesagt sehe ich die Band genau zwischen diesen beiden Stühlen. Zwischen den progressiven, weiten Flächen erstgenannter Bands und dem modernem, anspruchsvollem Screamo zweiterer. 7/10

18. The Ghost of a Thousand - “This is where the Fight begins” (Undergroove)
Mal abgesehen von dem ganzen Retrorock kommt aus England ja allerhöchstens mal eine nette Emoband. The Ghost of a Thousand sind da mal ne richtige Erfrischung. Denn “This is where the Fight begins” ist mit das Wütendste, das in den letzten Jahren von der Insel kam. Die Band hat gar keinen herausragenden, künstlerischen Anspruch oder eine dicke Palette an Emotionen. Hier gehts einfach drum möglichst vielen Leuten den Mittelfinger ins Gesicht zu strecken. Und dazu ist diese Platte einfach der perfekte Soundtrack! The Ghost of a Thousand klingen ungefähr so als ob jemand versucht hätte einen Hybriden aus The Bronx, Since by Man und Refused zu kreieren. Die Songs gehen, meist im Uptempo, ohne irgendwelches Gegniedel direkt nach vorne. Diese dreckige Rock’n'Roll-Attitüde erinnert dabei stark an The Bronx, wobei The Ghost of a Thousand eindeutig mehr HC-Einschlag haben. Denn das heftige Geschrei kommt in Intensität ungefähr an den Shouter von Since by Man ran. Überhaupt: wenn die Band mal etwas melodischer wird, einen leichten Touch von Epik (”Up to you”) bekommt oder auch mal die Handbremse anzieht, erinnert das Ganze sehr stark an letzt erwähnte Band oder eben an Refused. Ein gutes Beispiel ist “As they swarm they breed”, der vielleicht beste Song der Platte. Bei all der Angepisstheit, all der “Kopf-durch-die-Wand”-Attitüde, lebt “This is where the fight begins” vorallem von seinem unbändigen Groove. Und wo wir vorhin gerade bei Shouter waren: der Shouter dieser Band ist der mit Abstand beste, der in den letzten Monaten (und Jahren?) aus dem HC-Bereich kam. Mit einer unglaublich geilen, rotzigen, angepissten Stimme keift der gute Mann 28 Minuten lang seine Parolen in die Masse. Da machts einfach Spaß mitzugehen. The Ghost of a Thousand sind also wieder mal so eine Band, die gerade durch die Vocals, nochmal enorm aufgewertet wird. Vielleicht (oder ganz sicher sogar) blasen nicht alle Songs komplett weg und vielleicht hätte ich mir hier und da noch etwas mehr Wechsel zwischen Laut und Leise gewünscht, aber abgesehen davon, ist “This is where the Fight begins” eine durchwegs runde Sache. Wenns also aus (Hyp)england wieder mal eine Band verdiente hätte, Lohrbeeren abzusahnen, dann bitte diese hier! 7/10

19. The Fall of Troy - “Manipulator” (Equal Vision)
Vielseitiger! Vielseitiger ist sie geworden, die neue Fall of Troy. Nicht unbedingt härter und auch nicht unbedingt weicher. Klar, die Gefrickel ist nich mehr ganz so ausgeprägt, einige Songs haben sogar einen unheimlich simplen, poppigen Charakter… doch das Wichtigste ist: die Band blieb sich treu. Und trozdem ist “Manipulator” eine Enttäuschung auf hohem Niveau. Wo die beiden vorangegangenen Alben wunderbar ohne größere Durchhänger durchliefen, da gibts auf “Manipulator” doch bein paar Füller. Das liegt sicherlich auch an den vielen Experimenten die man machte. Denn wo bei den früheren Sachen gewisse Charakteristika in fast jedem Song vorhanden waren, da gibts auf der neuen Scheibe doch etwas mehr Vielfalt. So gibts z.b. Ausflüge Richtung Bluesrock (”Quarter Past”), ein Tribut an Weezer (”Oh! The Casino!?”) oder gar einen waschechten Singer-Songwriter-Track (”Caught up”). Das geht mal gut, mal eher daneben, aber reicht selten über das Prädikat “nett” hinaus. Am besten sind Fall of Troy nämlich immer noch wenn sie in bekannter Manier frickelige, destruktive Momente mit Emo/Pop verbinden. So etwa im guten Opener “Cut down all the Trees and name the Streets after them”. Die beste Phase hat “Manipulator” dann von Track 7-10, wo sie in grad erwähnter Gangart nach vorne stürmen. Als großer Liebhaber ihres Debüts, fand ich den Gesang auf Doppelgänger schon etwas zu glatt und zu Nahe bei Mars Volta. Auf “Manipulator” ist das Ganze noch etwas glatter, zudem gibts ne gute Portion Falsett-Gesang Marke Blood Brothers. Im Großen und Ganzen erreicht “Manipulator” trotz vieler guter Songs und starker Momente aber niemals den Drive und die Klasse der beiden Vorgänger. Allgemein kommt sie eher wie eine Aneinanderreihung verschiedener Tracks rüber, während das Debüt und “Doppelgänger” viel eher einen zusammenhängenden Charakter hatten. Und trotzdem würde ich “Manipulator” keine richtige Enttäuschung nennen, zumindest finde ich sie noch WEIT besser als die letzte Blood Brothers. Aber irgendwie hätte man sich halt doch etwas mehr erhofft… 7/10

20. Nevea Tears - “Run with the Hunted” (Eulogy)
Wenn man sich dieses Jahr aus dem ganzen Pseudo-Screamo-Sumpf wirklich nur die zwei bis drei besten Platten fischen will, dann sollte man sich Nevea Tears’ “Run with the Hunted” unbedingt gönnen. Auch wenn ich bei 9 von 10 solchen Platten darüber meckere, dass ich die ganze Mischung einfach ausgelutscht finde, ist “Run with the Hunted” wohl genau die zehnte Scheibe, die mich irgendwie mitreißt. Die Scheibe hat nämlich neben einer ziemlich knalligen Produktion, auch relativ viele Facetten, atmosphärische Momente und sogar die ein oder andere kleine Überraschung. Die große Überraschung gibts wohl schon nach ein paar Minuten, da sich Nevea Tears doch stark weiterentwickelt haben. Das liegt sicher hauptsächlich an der nun um Häuser wuchtigeren Produktion. Das Debütwerk klang nämlich sehr roh und minimalistisch. Außerdem hat die Band in Sachen Härtegrad zugelegt. Das erste Album war ja sowas wie die größte Inspirationsquelle von Enter Shikari, vermischten doch Nevea Tears schon lange vorher Emocore mit elektronischen Elementen. Der Melodieanteil war dabei stets vorhanden. “Run with the Hunted” startet dagegen a. ziemlich hart und b. frei von elektronischen Spielereien. Der starke Opener “I am” knallt ohne Umstände aus den Boxen. Erst im dritten Song spielen sich die elektronischen Elemente das erste Mal in der Vordergrund. Aber im Verlauf der Platte werden sie relativ dezent eingesetzt, was aber alles andere als schlecht ist. Ansonsten gelingt der Mix aus harten Parts, fetten Grooves, schnellen Abgehpassagen, emoesken Melodien und atmopshärischen Momenten wirklich sehr gut. Zwar schlägt man damit sicherlich in die gleiche Kerbe wie Underoath, Drop Dead Gorgeous oder The Used, doch “Run with the Hunted” klingt einfach inspirierter und ausgereifter als viele myspace-Hypes der letzten Zeit. Überraschend auch, dass ein Großteil der Hits erst in der zweiten Hälfte zum Vorschein kommt. Sieht man also drüber hinweg hier nix Innovatives zu bekommen, ist “Run with the Hunted” eins der besten Genre-Releases der letzten Zeit. Anchecken! 7/10

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A Day to Remember - “For those who have Heart” (Victory)
Was man auch sagen will, aber die gesamte äußerliche Darstellung macht einem A Day to Remember irgendwie unsympathisch. Gepusht vom umstrittenen Victory Label soll hier wohl das neue große Dinge erschaffen werden. Angepriesen als “Pop Mosh” blasen die fünf jungen Anzugträger zum Angriff auf die Discos dieser Welt. Wie auch immer, der musikalische Part ist durchaus überzeugend. Pop Mosh hin oder her, das hier ist schlichtweg moderner Emocore. Was ADTR vielleicht etwas von anderen Bands abgrenzt, ist die Tatsache, dass die melodiösen Parts so zuckersüß sind, dass selbst Fall Out Boy-Hörer feuchte Unterhosen bekommen, während die harten Parts wirklich knallhart sind und im Grunde schon in Metalcore-Gefilde vorstoßen. Der klaren, ziemlich fetten Produktion sei dank! Klar gehört dieser enorme Kontrast zum Konzept dieser Band und klar wollen die Jungs einfach nur Spaß haben… aber phasenweise wirkt das Ganze natürlich arg aufgesetzt und zusammengestückelt. Gerade die Breakdowns stinken im Grunde schon 10 Meter gegen den Wind und langweilen nach ner Zeit etwas. Nichtsdestotrotz hat die Band genug Hits am Start, dass “For those who have Heart” über einen Großteil der Spielzeit ordentlich unterhalten kann. Alles andere als Pflichtstoff, aber für Nimmersatte ein Ohr wert. 5/10

Architect - “All is not lost” (Black Market Activities)
Black Market Activities brachten uns schon Bands wie Ed Gein und Psyopus, insofern weiß man, dass man von dem Label nur kranken Stoff erwarten kann. Zwar nicht mit den erwähnte Bands vergleichbar, passen Architect aber perfekt in den Roster. “All is not lost” ist vielleicht sogar die bis dato brutalste Scheibe in diesem Jahr. Kompromisslosen, metallischen Bulldozer-/Destructo-Core bekommt man hier eine halbe Stunde lang auf die Ohren. Bis auf ein paar ganz kurze Ambient-Interludes lässt einem die Band dabei keine Zeit zum Durchatmen. Das Album lebt schlichtweg von seiner Intensität und seiner Brutalität, von der man geradezu an die Wand gepresst wird. Die Songs geben sich dabei nicht mit stumpfem Mosh zufrieden, stattdessen sind die Strukturen durchaus mal vertrakter und chaotischer. Semi-chaotisch könnte man es auch nennen, denn eigentlich sind Architect doch noch einen großen Schritt von Ed Gein, Dillinger Escape Plan oder Converge zu “Jane Doe”-Zeiten entfernt. Die Dampfwalze regiert trotz allem musikalischen Anspruch. Am ehesten erinnert “All is not lost” somit an eine moderne Version der legendären Coalesce. Vocals und Produktion sind dabei auf ebenso hohem Niveau. Vielleicht geht bei den ganzen Aggressionen die die Band vermittelt etwas die Abwechslung flöten, aber das sollte man für diesen ultrabrutalten Wutbrocken auch mal in Kauf nehmen. Für jeden der auf solchen Stoff steht, ist “All is not lost” sicherlich Pflicht! Mir ists auf Dauer aber doch etwas zu eindimensional. 5/10

Baroness - “The Red Album” (Relapse)
Gemischt wurde das erste Full Length von Baroness bisher aufgenommen. Während es in Metal-Kreisen schon zu den besten Platten des Jahres gezählt wird, waren andere Reaktionen zwar noch positiv, aber eher gemäßigt. Und tja, an letzterem kann ich mich anschließen. Baroness spielen progressiven (!) Metal, gemischt mit progressivem (!) Rock. Ziemlich progressiv also. Klingt aber nur halb so originell, denn Baroness klingen genauso wie man sich den kleinen Bruder von Mastodon vorstellen würde. Vielleicht etwas weniger ungestüm, etwas runder. Es gibt immer wieder lange, ausgedehnte, melodiöse Parts. Zwischendrin rockige Abschnitte und selten sogar mal den ein oder anderen erruptiven Moment. Gerade die lauteren Parts sind mir persönlich aber etwas zu kraftlos, da hätte ich mir mehr gewünscht. Im Kontrast zu den ruhigen Parts hättens gerne auch etwas destruktivere Seiten sein dürfen. Geschrei gibts sowieso ganz selten, stattdessen gibts durchaus an Mastodon erinnernden, langgezogenen Gesang. Selbst der wird aber nur sehr bedacht eingesetzt, denn zu guten 70% ist “The Red Album” instrumental. Schlecht ist die Platte sicher nicht, aber mir gehen a. die wirklich großen Momente ab und b. auch eine kleine Prise Originalität. Bands wie Mastodon und Isis machen das Ganze einfach besser. Vorallem können Baroness dem ganzen Genre einfach nix hinzufügen. Es gibt ein paar gute Momente, aber als Gesamtwerk konnte mich die Scheibe einfach nicht kicken. Sucht man aktuell nach Alternativen, so empfehle ich die 2007er-Alben von The End und Yakuza. Denn die finde ich beide deutlich aufregender. Als Einstand in die Welt des Progs ist “The Red Album” aber ordentlich gelungen. Vielleicht entwickelt sich die Band ja noch. Die vielen Hype-Wertungen kann ich aber beim besten Willen nicht nachvollziehen. 5/10

Beatsteaks - “Limbo Messiah” (Warner)
Mit “Limbo Messiah” beweisen die Beatsteaks wieder einmal, dass sie absolut Querköpfe sind, die machen worauf sie Bock haben. Wer sich mit dem neuen Album einen straighten, poppigeren Nachfolger von “Smack Smash” erwartete, der wird eines Besseren belehrt. Stattdessen schlagen die Beatsteaks in alle möglichen Richtungen aus, ohne sich auf irgendwas feszulegen oder eine klare Linie zu verfolgen. Vielleicht ist “Limbo Messiah” damit nicht so dicht wie sein Vorgänger, aber dafür ist es das mit Abstand vielschichtigste Werk der Berliner. Auch wenn die Platte demnach sicherlich polarisieren wird, die Hitmaschine können die Jungs immer noch bedienen und so gibts bei 11 Songs Minimum 9 glasklare Hits. Den schwächsten Song gibts mit “As I please” gleich zum Anfang, danach gibts das schräge, wahnwitzige “Jane became insane”, den an Mike Patton erinnernden Brecher “Sharp, cool & collected” und die herrliche Halbballade”Meantime”. Dabei versprühen die Beatsteaks über die ganzen 31 Minuten eine unglaubliche Spielfreude und einen Mut, den man heutzutage nicht von vielen Bands kennt. Die Band gibt einen Scheiß auf irgendwelche Schubladen und wechselt hin und her zwischen stampfenden Rhythmen, einschmeichelnden Melodien und schrägen Experimenten. Am ungewöhnlichsten ist für meinen Geschmack “Cut off the Top”, das mit Hip-Hop-Groove und einem Drum’n'Bass-Beat daherkommt. Auch verdammt ungewöhnlich ist die soulig-funkige Ballade “She was great”. Das an die Bad Brains angelehnte “Bad Brain” gibt dann wieder mehr Gas, ist aber einer der schwächeren Songs der Scheibe, während das Schlusstrio absolut große Klasse ist. Das rhythmisch beginnende “Soljanka” wird mit der Zeit immer epischer, “Hail to the Freaks” ist gezügelter und einfach nur großer Poprock, während mit “E-G-O” wieder häufiger aus Gas getreten wird. Die abschließenden Worte “…fly me to the moon, i feel as a knight on top of the world” ist wahrscheinlich bezeichnend für das Album. Über allem! Gerade die Gitarrenarbeit hat sich bei den Beatsteaks eindeutig in eine andere Richtung entwickelt, zwei bis drei Songs ausgenommen, gibts hier nur mehr ganz wenig straighten Punkrock. Das hier hat viel mehr Soul, viel mehr Groove, mehr Feeling und auch mehr Pomp als die alten Sachen. Bezeichnend ist sicherlich auch die gesangliche Leistung von Arnim, der sich so vielseitig gibt wie noch nie. Was man auch von “Limbo Messiah” halten mag, aber die große Anzahl von Hits und großen Melodien geben den Beatsteaks wieder einmal recht. Vielen wird vielleicht die klare Linie und der Bezug zum älteren Sound fehlen, aber “Limbo Messiah” lebt einfach von seinem offenen Horizont. Am Ende finde ich die neue Scheibe persönlich einen Tacken schwächer als “Smack Smash”, aber das ist sicherlich Geschmackssache. Wahrscheinlich sollte man die beiden auch gar nicht miteinander vergleichen. 7/10

Between the Buried and me - “Colors” (Victory)
Between the Buried and me steigerten den Prog-Faktor eigentlich von Album zu Album. Waren ihre früheren Sachen noch teilweise mit Bands wie Converge, Botch oder The Dillinger Escape Plan vergleichbar, kochen sie nun spätestens mit “Colors” ihr ganz eigenes Süppchen. Ihr viertes Album ist nämlich frei von irgendwelchen Genreschubladen oder Referenzen. Als “Rock-Oper” wurde “Colors” vielerorts gerne bezeichnet. Und tatsächlich: diese Scheibe ist ein Gesamtwerk, das aus vielen hunderten verschiedenen Parts besteht. Songs im eigentlichen Sinne gibts nicht und wenn dann folgen sie nicht dem üblichen Schemata. Verse, Choruse, Breakdowns - vergiss es! Zwischen moshigen Teilen die ans Debüt erinnern, technischen Metal-Parts, verdammt vielen True Metal-Anleihen und ruhigen, ausgedehnten, fast schon klassischen Parts zelebriert die Band ihr Können. Beeindruckend und vorallem eigenständig ist “Colors” dabei definitiv. Aber ehrlich gesagt entschwindet die Band von Album zu Album mehr meinem eigenen Kosmos. Ich fand keinen Zugang zu diesem epischen, höchst progressiven Stoff. Drei der acht Tracks durchbrechen sogar die 10-Minuten-Marke, das ganze Album kommt auf eine gigantische Spielzeit von guten 65 Minuten. Mit diesem enormen Prog-Faktor, sowie den verhäuft klassischen Parts stechen Between the Buried and me damit eindeutig aus dem Dust der ganzen anderen Prog- und Tech-Kapellen hervor. Und das ist auch der Pluspunkt der Band. Anerkennend nicken, ist hier auf jeden Fall angesagt. Meinen persönlichen Geschmack triffts aber einfach nicht. Wenn ich dieses Jahr Epik oder Prog will höre ich mir lieber die neuen Machwerke von Yakuza oder auch Fitzcarraldo an. Bei “Colors” schaffte ich bisher nich mehr als zwei Durchläufe. Aber zumindest einmal werd ich mir diesen Wahnsinn noch antun…

Bled, The - “Silent Treatment” (Vagrant)
Ich hatte ja leichte Zweifel, als ich hörte, dass Brian McTernan die Neue von The Bled produzieren würde. Keine Frage, der Mann ist ein echtes Urgestein, der die Anfänge vom Hardcore hautnah miterlebte. Doch bei seinen, zumeist relativ glatten, Arbeiten in den letzten Jahren, verwunderte es mich doch ziemlich, dass ausgerechnet The Bled mit ihm aufnehmen wollten. Und tja, ohne altklug klingen zu wollen: aber meine Befürchtungen bestätigten sich. Zumindest teilweise. “Silent Treatment” ist alles andere als ein Totalausfall geworden, aber es ist eindeutig das bis dato glatteste Album der Band. Die relativ, aber nicht übertrieben, polierte Produktion trägt sicher nicht die Hauptschuld daran. Starten tut das Album relativ ungewöhnlich, mit einem metallischen Riff, bevor ein stampfender Beat einsetzt und die Band zum ersten Moshpart übergeht. Von diesen gibts auf der neuen Scheibe nämlich einige. Der Opener “Shadetree Mechanics” ist sicherlich schon bezeichnend für die ganze Platte. Er ist direkt, relativ einfach zu verfolgen und bietet trotz allem Mosh einen eingängigen Refrain. Nach dem ordentlichen, aber nicht herausragendem Beginn, fängt mit dem, verdammt stark an From Autumn to Ashes erinnernden, “Threes away” die stärkste Phase des Albums an. Der Song schaukelt sich durch fette Grooves in ein furioses Finale, das an Wucht kaum zu überbieten ist. Der nun folgende Übergang zur einzigen Halbballade des Albums “Asleep on the Front Lines” ist wirklich sehr gut gelungen. Dieses Stück startet melodiös und sphärisch, bevor James Munoz auch hier die Schreistimme auspackt. Nach dem recht leeren Ende folgt mit “Platonic Sleepover Massacre” ein vertrakter 1-minütiger Wutbrocken, der zwar melodiös endet, aber direkt vom schnellen, aggressiven “Starving Artiste” abgelöst wird. In dieser Phase, von Track 3 bis 6 entwickelt das Album das erste (und einzige) Mal sowas wie Atmosphäre… und sowas wie einen zusammenhängenden Charakter. Zur Krönung gibts mit “The Silver Lining” den vielleicht größten Hit der Scheibe. Der Anfang dieses Stücks erinnert durchaus ans letzte Album. Chaotisch, beinahe Dillinger Escape Plan-like wütet die Band hier los. Doch aus der ganzen Vertraktheit schält sich schon nach guten 20 Sekunden ein höchst eingängiger Chorus hervor. Die “we lost control”-Chöre machen das Stück endügltig zum Hit der Scheibe, der gerade live nach Singalongs schreit. Danach baut “Silent Treatment” leider wieder ab. Klar: oberflächlich betrachtet könnte man sagen, dass The Bled auf dem neuen Album Facetten ihrer beiden Vorgänger miteinander verbinden. Der Mosh von früher ist wieder zurück. Außerdem erinnern die, in der zweiten Hälfte häufiger auftretenden, vertrakten Parts durchaus an “Found in the Flood”. Zu diesen Elementen hat sich allerdings eine dicke Portion Verwechselbarkeit eingeschlichen. Songwriting, Produktion, Melodien, Vocals, Moshparts… beinahe alles klingt auf dem neuen Album viel angeglichener. Und so musste ich nicht selten an die letzte FATA- oder auch an die letzte Underoath-LP denken. Und das ist nach “Found in the Flood” einfach enttäuschend. Die großen Momente, die schrägen Einfälle, die Progressivität dieses Meisterwerks fehlen einfach. Für The Bled-Verhältnisse ist mir “Silent Treatment” einfach zu eindimensional. Wenn man jetzt die Phrase mit dem schweren, wegweisenden dritten Album zu Rate zieht, dann darf man sich von der Band wohl nicht mehr wahnsinig viel erwarten. Und trotzdem kann man gespannt sein, wie sich diese einmalige Truppe entwickeln wird. “Silent Treatment” ist nämlich ne Enttäuschung und für meinen Geschmack NUR für sich betrachtet eine gute Sache. Deswegen auch “nur” eine knappe… 7/10

Bubonix - “Please Devil, send me golden Hair” (Nois-o-Lution)
“Please Devil, send me golden Hair” ist mit Sicherheit ein der polarisierendsten Platten des Jahres. Dabei wird sie in vielen Kreisen wohl gar nicht wahrgenommen werden. Betrachtet man Bubonix ganz nüchtern, so muss man sich wohl einen inneren Konflikt selbst eingestehen. Denn die Platte bietet von “geil” bis “völlig grottig” eine große qualitative Bandbreite. Mein größtes Problem mit Bubonix ist und bleibt aber das Ding, dass die Band sich auf nix festlegen lässt und während der ganzen Platte keinen eigenen Stil erkennen lässt. Das einzige das die meisten Songs miteinander verbindet, sind die öfter wiederholten Refrains, ansonsten klingt ein Song völlig anders als der nächste. Solche Stil- und Genre-Mixe sind ja nix mehr Neues mehr, es gibt auch Bands denen das hervorragend gelingt. Und sorry, aber wenn das Tracklisting einer Platte in vier verschiedenen Sprachen ist und jeder Song musikalisch in eine andere Kerbe schlägt, wirkt das doch irgendwie aufge