Wenn Josh Homme, Dave Grohl und John Paul Jones beschließen, eine Supergroup zu gründen, muss man sich das Resultat natürlich anhören. Schließlich arbeiteten die ersten beiden schon beim Queens of the Stone Age-Epos „Songs for the Deaf“ zusammen. Nach dem ersten Durchlauf der selbstbetitelten Platte lässt sich sagen, dass dies nicht das Meisterwerk ist, das man sich erhofft hat. Dafür ist das Ganze einfach zu verschroben, zu unkommerziell. Das was die drei Größen über eine Stunde lang veranstalten, ist musikalisch wirklich beeindruckend und in der heutigen Zeit vorallem einmalig – doch es lässt sich nur schwer am Stück durchhören. Zumindest nicht unter voller Aufmerksamkeit. Wo ein „Songs for the Deaf“, trotz Härte und Progression, immer greifbar und eingängig war, da mutet „Them Crooked Vultures“ oft wie eine Jam-Session an. Es strapaziert, nervt oder langweilt an einigen Stellen, reißt einen an anderen Stellen aber wieder vollkommen mit. Wobei man das neue Homme-Projekt nicht wirklich mit den Queens of the Stone Age vergleichen sollte. Zu sehr suhlt sich das Album dafür in funkige, bluesige, beizeiten sogar psychedelische Gefilde – und zu wenig wird hier herkömmlichen Songstrukturen gefolgt. Selbst die Stücke, die einen eingängigen Refrain haben, besitzen angeschrägte, schwer greifbare Strophen oder Zwischenparts. Und auch Homme’s Stimme übernimmt bei Them Crooked Vultures eine andere Rolle als bei seiner Hauptband. Sicherlich bewusst, wurde der Gesang nämlich relativ hintergründig in den Sound gemischt. Was aber nix daran ändert, dass Homme stetig präsent ist. Größtenteils übernimmt er auch die Führung. Selbst wenn Grohl und Jones ihr Können beweisen, hatte Homme wohl den größten Einfluss auf das Songwriting. Einige Teile erinnern dann nämlich doch sehr stark an das letze, etwas polarisierende, Queens-Werk „Era Vulgaris“. Was kann man zu den Songs sagen? Ganz simpel: Licht und Schatten. Lupenreine Hits finden sich aber kaum auf der Platte. Am ehesten ist dies noch „New Fang“, mit seinem eingängigen Refrain – wenn dieser auch stark an den von Wolfmother’s „Joker and the Thieve“ erinnert. Die restlichen Songs bieten zwar immer wieder interessante, mitreißende Parts, allerdings gelingt es Them Crooked Vultures zu selten auf den Punkt zu kommen. „Bandoliers“ ist dafür ein gutes Beispiel. Dieses beginnt mit einem coolen Gitarrenlead, welches im Laufe des Songs immer wieder stilvoll untergebracht wird – doch es ist zum Ende hin einfach zu ausladend und planlos. Ähnlich verläuft das mit dem 8-minütigem „Warsaw“, das aus zig unterschiedlichen Parts besteht, aber sich zum Schluss in einem psychedelischem Stakkato verliert. Ebenfalls etwas fragwürdig ist das kaputte „Interlude with Ludes“, in dem Homme mit übertrieben hoher Stimme rumquakt. Nicht falsch verstehen! Das Debütalbum von Them Crooked Vultures ist, trotz vieler Macken, doch ein nettes Stück Musik geworden. Ich hör mir das Ganze wirklich gerne an, wenn ich nebenbei noch etwas anderes mache. Aber um sich der Platte voll und ganz zu widmen, ist die Angelegenheit als Gesamtwerk einfach zu schwach geraten. Es wird seinem Hype weder gerecht, noch fühlt es sich wirklich an wie das Album einer „Supergroup“. Trotzdessen muss man den alten Säcken ein Kompliment dafür aussprechen, dass sie es zusammengebracht haben Elemente aus 70s-Rock mit moderner, progressiver Rockmusik zu verschmelzen. 6/10

Die Band namens Dominic ist schon länger ein Geheimtipp. Mit ihrem zweiten Album „Nord“ scheinen die Norweger endlich die Aufmerksamkeit zu bekommen, die ihnen zusteht. Bezüglich eines Artikels für das neue FUZE, hab ich mich etwas mit Øyvind, dem Drummer von Dominic unterhalten. Das volle Interview gibts wie immer hier!

borderline fuckup: How would you describe your new album? And would you agree that it is a lot more serious and grown up than your old stuff?

Øyvind: I would say that „Nord“ is darker than our previous releases. The songs are maybe more heavy on this album, but at the same time I feel that we are still keeping a certain melodic melancholy in the whole shebang. The record is a natural progression over the years we have been functioning as a band, and we feel that the songs represent us very good where we are musically right now. Maybe it sounds more serious and more grown up in a way, sure. But, then again, we are a bit older now…hehe.

The record is called „Nord“. Did your homecountry inspire you somehow?

Norway is way up north for sure, and all four of us grew up pretty far north in this distant country. The sound of the album in many ways portraits the wild nature up there. Heavy mountains, extreme weather and a lot of darkness half of the year.

There was an early artwork for “Nord“ that showed a snowy landscape and now the there’s a more friendly landscape on the cover. What’s the reason for that change?

The LP is a gatefold, and what was originally planned to be the front ended up on the inside of the cover. So that’s the reason why it was another artwork posted early on the net. The guy who did the artwork (our friend Kristoffer) changed his mind about the front during the process of making it. We are really happy with the result of the artwork by the way.

Let’s talk about Norway. As far as i know you are originally from Rognan, a small city who is most famous because of its bands. How was it to grow up there?

Three of us grew up there, yes. It is a small place so if you want something to happen you’ll have to do it yourself. The town had this great house where a lot of bands could rehearse and just create whatever they would like to. We spent our youth skating around in the town centre and afterwards we went to „Smia“ to make some songs.

Why did you move to Trondheim a few years ago?

This was the summer of 2003 and at the time we all lived in different places. It was a natural time to move because we were all finished with school and was ready to try something else. Trondheim was an easy choice. Eight hours train-trip from home, and it had a good punk/hardcore-scene at the time. Third biggest city/town in Norway, and at the age of 20-21 you are ready to move away from home and try something new.

As far as I know you also wrote and recorded your last album in your hometown. How did that come? And did this somehow influence the feeling of the record?

Actually we recorded the album in Trondheim but the songs were made back home at our first rehearsal-space „Smia“. This was one summer we all were back home. Maybe it influenced the record in a way. Maybe subconsciously.

The „Smia“– is this place just a normal rehearsal room or more like a music venue for young people where you can hang out and listen to music?

„Smia“ is a house where at the time we started hanging out there, we could just get a key and come and go as we felt like it. It was equipment there so we could rehearse, but also a kitchen with coffee and a big couch you know. A place we could hang out too. Normally there were no concerts there, but it was possible to put up stuff there yourself. We arranged a couple of things there. So it is basically the place where Dominic started.

And for which reasons did you go back home to write the new album?

I think we were about to play a show up north somewhere, and we were all just taking a couple of days at home before that show.

Let’s get back to Norway. What is it really like to live in that „wild nature“? I mean, does the darkness depress you sometimes? Or are you used to it? Is it really that „fascinating“ or more like the daily grind?

Maybe some gets depressed by it, but for me growing up I was so used to it. So yeah, I guess for me it was more like the daily grind.

Cause what’s really strange is that norwegian (and also swedish) people seem to be really positive and outright. And that is the direct opposite to lets say Germany where people are grim at times. I just can’t understand this. Maybe norwegian people are more familiar with each other.

I think that most Norwegians can seem bit enclosed at first. But ones you get to know them they are very caring and friendly people. But for sure Norwegians can be grim too.

Can you ever imagine to move away from norway? Possibly to Germany or Austria or Switzerland? And how much are you attached to your homecountry?

I guess most of the time you are pretty connected to your home-country because your family and childhood friends are there. Very important things which I guess most people feel a connection to. The feeling of a home or belonging somewhere is important I guess. I can only speak for myself on this though. But I could easily live somewhere else for a period. It is healthy and good to check out other parts of the world, and I love to travel. But I would like to come back home at some time. And to answer your question: Germany, Austria and Switzerland could be nice places to live for sure.

Last not least: are there any hc/punk bands in norway that sing in its national language? At least in the german speaking territories we don’t know such bands.

Most bands sing in English, but I guess there are some (Mørkt Kapittel from Trondheim are one). It is very common to write in English in Norway, and we learn it in school from we are eight years old.

Would it be possible for you to sing and write in your own language? Or why do you prefer english?

I don’t see that happening right now. Not with Dominic. With English you express yourself to a much bigger audience, and can get your lyrics through to more people. Not that many people speak Norwegian you know. But I am not a stranger for doing it with another project.

Topic-switch: DIY! How much are you related to the whole ethic?

We have always done things our way, and the people we have worked with when it comes to releases, artwork and so on have always been people we consider friends. It is good to keep things close. Many of the bands we listened to growing up talked about this ethic, and the same with the scene we were (and still is) a part of in the early years as a band. Closest big town to Rognan is Bodø which had (and has) a big DIY -scene, and from early on we connected with the guys there.

We meet a lot of dedicated and cool people when we are on tour which is damn nice and a big inspiration for us. You have to do things yourself. There is no other way. The bonus is all the great people you get to meet through the scene.

Relating to this ethic: could you ever imagine to sign to a larger label? Like some other scandinavian HC/Punk-bands did.

First of all… if that would happen it would have to be absolutely on our premises. But it is nothing we talk about anyway. We are very happy with how things are at the moment and the labels we are on.

What can we expect from your side-projects? Especially from Catena Collapse and Water Rats.

Well, two of  the members from Catena Collapse no longer live in Trondheim. They moved to  Oslo a couple of years ago. Some babies have been born and so the story goes..hehe.  Last thing we said was that we would tour and record every other year, but we blew that last year. Maybe there will be a tour sometime in the future. I don’t know.

Regarding Water Rats it was just a one time thing, and only one song. But the band has not split officially, so it is still open I guess.

There are a couple of other side-projects too, and there might be some releases coming up at some time. But we take those things as they come.

When will you hit the german and austrian stages next time? I couldn’t find anything on your myspace!

Maybe next spring (2010). But nothing is decided yet. We will probably start writing some new stuff pretty soon too.

Anmerkung zum Video: der Song heißt natürlich „Red Lights„.

Dominic auf Denovali
„Nord“-Review

Tusen Takk, Øyvind!

Gewisserweiße haben Thoughts paint the Sky in der deutschen Musiklandschaft einen Ausnahmestatus. Und der rührt von der Tatsache, dass die Essener mit ihrem „Akustik-Emo“ ziemlich eigenständig agieren. Dass das Ganze kein Gimmick sein soll, zeigte sich erst mit den Jahren. Denn immerhin ist „Hier spielt die Musik“ nun schon die fünfte Veröffentlichung, die in die selbe Richtung geht. Stilistisch kann man Thoughts paint the Sky bei emotionalen Screamo-Bands wie The Saddest Landscape einordnen – wegen der Abwesenheit von E-Bass und -Gitarre klingt es aber doch völlig anders. Ich schätze die Band hauptsächlich für ihre ambitionierten Texte, sowie ihre DIY-Einstellung, die sich besonders bei den liebevollen Artworks niederschlägt. Die Musik selbst fand ich meist etwas durchschnittlich. Die Aufmachung von „Hier spielt die Musik“ ist zwar nicht so exquisit wie die von der „Komödie/Tragödie“-EP, doch dafür sind die fünf neuen Songs eindeutig das Beste, dass die Essener bisher geschrieben haben. Profitieren tut die Band erstmal vom gelungenen Sound - alles zusammen klingt nicht mehr rumpelig wie früher, sondern klarer. Die Vocals versteht man besser, das Schlagzeug, das früher etwas zu dominant klang, gibt sich auf der neuen Platte zurückhaltender und allgemein harmonieren die einzelnen Komponenten ganz gut miteinander. Aber auch vom Songwriting her machte die, mittlerweile zum Trio zusammengeschrupfte, Band einen großen Schritt nach vorne. Vom Gefühl her sind die Songs etwas ruhiger, das Geschrei wird dezenter, aber dann umso wirkungsvoller eingesetzt. Außerdem sind die Strukturen komplexer. Während die A-Seite somit ganz ordentlich ist, finden sich die wahren Highlights auf der B-Seite. Das wunderschöne „Bis zum Geht-nicht-mehr“ ist vielleicht der größte Hit, den Thoughts paint the Sky je geschrieben haben. Mit dem Closer „Da kann ich ein Lied von singen“ klingen die Essener beinahe progressiv, füllen sieben lange Minuten und bleiben dabei trotzdem spannend. Über ein relativ langes, instrumentales Intro findet der Song zu einem aufbrausenden Refrain, bevor es dann wieder episch und verträumt wird. Interessant ist sicherlich auch der Text, der sich laut Band um „sex and stuff…“ dreht, aber nicht wirklich durchsichtig geschrieben ist. „Hier spielt die Musik“ zeigt, dass die Band gereift ist und sich auf dem richtigen Weg befindet. Denn wenn man die starke B-Seite als Gradmesser nehmen darf, kann man vom Trio noch einiges erwarten. 6/10

„We dance to all the wrong songs and we enjoy all the wrong moves“, hieß es damals in „New Noise“. Tatsächlich hatte man beim gesamten Refused-Epos „The Shape of Punk to come“ das Gefühl, diese Platte könne eine neue Bewegung starten, den Hardcore von Grund auf verändern. In den elf Jahren seit dem Erscheinen dieser Platte ist einiges passiert – allerdings hat sich wenig zum Guten geändert. Vielleicht ist das ein Grund warum Dennis Lyxzen und David Sandström mit ihrer neuen Hardcore-Band zurück zu den Wurzeln gehen. Quasi als Gegenentwurf zum visionären „The Shape of Punk to come“. Denn selbst wenn man es nicht glauben mag, aber das Debütalbum von AC4 klingt so altmodisch wie lange keine Hardcore-Platte mehr klang. Geboten wird simpler Früh-80er-Hardcore, ohne große Sperenzchen. Heutzutage würde diese Musik keiner mehr als Hardcore bezeichnen, denn dafür hat sie zu wenig Geschrei, zu wenig Härte und viel zu viele Elemente aus klassischem Rock’n'Roll. Wer Bands wie MDC, 7 Seconds, Minor Threat oder die Circle Jerks kennt, der weiß wohin der Hase läuft. Die 15 Songs sind straight, schnell, kurz, aber auch vollgestopft mit Singalongs und anfixenden Melodien. Beeindruckend finde ich vorallem, was die vier Schweden aus der beschränkten Thematik rausholen – denn jedes Stück hat seine Eigenheiten. Den Unterschied bei solchen Bands machte, auch in den 80ern, oft der Sänger aus. Und hier profitieren AC4 natürlich stark vom markanten, ausdrucksstarkem Gesang von Dennis Lyxzen. Man merkt ihm richtig an, wie viel Spaß er an der ganzen Sache gehabt haben muss. Interessant ist sicherlich auch die Tatsache, wie vier Typen, die auf die 40 zugehen, eine solche Platte textlich anlegen. Aber auch hier schafft man es den Spirit von früher rüberzubringen, ohne dabei peinlich zu klingen. Im Gegenteil! Die Texte sind kritisch, an den richtigen Stellen positiv und vollgestopft mit coolen Zeilen. „Where are the Kids“ könnte dieses Projekt wohl am Besten definieren: „If we are in the way take us down. We need something new to come around. Where are the kids right now? Seems like we are the only ones around.“. Und die Frage mit dem Alter beantworten sie sogleich in „It catches up“: „And then it catches up, no longer 25. And when it catches up – I don’t give a fuck!“. Außerdem schrieben AC4 endlich wieder mal Lieder gegen die sogenannten „Pigs“ – herrlich! Sicherlich lebt das Album von einem gewissen Nostalgiefaktor. Gleichzeitig finde ich es beachtlich, wie sehr mich eine derart altmoderne Platte mitreißen kann. AC4 bringen ihr ganzes Talent auf, erzeugen aber auch eine jugendliche Energie, die heutige Bands nicht mal annähernd erreichen. Ich bin mir sicher, dass AC4 mit diesen Songs in den 80ern zu den führenden Bands gezählt hätten. Heutzutage wirds leider keinen mehr interessieren. Doch wer für solchen Stoff etwas übrig hat, muss sich die Platte besorgen! 9/10

Nach vier Jahren musste hier, rein optisch, endlich mal was passieren! Deswegen hab ich mich dazu entschlossen, ein neues Theme zu verwenden. Diese WordPress-Blogs sind ja eigentlich sehr nett, doch, wie der ein oder andere weiß, auch nicht großartig konfigurierbar – zumindest nicht ohne kostenteures Upgrade. Das Endresultat ist trotzdessen ziemlich anders.

Die Vorteile des neuen Themes liegen auf der Hand: weiß ist freundlicher als braun. Die Spalten sind etwas breiter, was dem Lesekomfort auch zu Gute kommt. Außerdem hatte ich die Möglichkeit einen Header einzufügen. Ich hab mich für ein simples, aber musik-bezogenes Bild entschieden. Und last not least war ich das braun-in-braun einfach satt – Abwechslung kann nie schaden!

Nach all dem Hype der um das neue Converge-Album gemacht wurde, hat man sich fast schon eine neues Meisterwerk erhofft. Nunja, wir haben 2009 und es ist heutzutage sicherlich nicht mehr so einfach in diesem Bereich etwas zu bewegen. Doch während „Jane Doe“ wohl auch in 20 Jahren noch den selben Stellenwert von heute hat, wird man sich an „Axe to Fall“ kaum noch erinnern können. Das Problem ist, dass sich Converge, im Großen und Ganzen, nicht neu erfunden haben. Wenn man die umfangreiche Liste an Gastmusikern betrachtet, ist es fast schon ironisch, wie sehr „Axe to Fall“ nach Converge klingt. Bis auf ein paar Ausnahmen, stechen die Gäste jedenfalls nie heraus. Und dabei nahmen Converge über 15 Leute mit an Bord – darunter Mitglieder von so bekannten Bands wie Neurosis, Cave-In, 108, Blacklisted oder The Red Chord. Ein Grund, warum die meisten Gäste dem Album keinen Stempel aufdrücken können, ist sicherlich ihre Besetzung. Denn oft bedienen die Gäste nur die Gitarre oder besetzen die zweite Stimme. Die Frage nach dem „Warum?“ bleibt allerdings. Starten tut das neue Converge-Album erstmal ziemlich typisch, so wie es die Band gerne macht – mit ein paar schnellen, kurzen Brechern. Der Opener „Dark Horse“ gehört mit seiner niederwalzenden Brutalität, die aber stets von einer unheimlich melodiösen Gitarre begleitet wird, gleich zu den Highlights der LP. Die drei folgenden Songs, „Reap what you sow“, „Effigy“ und das Titelstück, bleiben in einem ähnlichen Schemata und reißen einen sofort in die Platte hinein. Auch relativ typisch folgt, nach den anfänglichen Nackenschlägen, das erste längere, ruhigere Stück. In dem Fall ist das „Worms will feed/Rats will feast“ – ein schleimiger, schleppender Midtempo-Song, der im Mittelteil etwas Gesang bietet und sich in seinen sechs Minuten eigentlich nirgendswo hinbewegt. Natürlich wirds dann etwas schneller, bis mit „Damages“ eins meiner liebsten Stücke folgt - dieses würde in seiner direkten, destruktiven Art auch gut auf „You fail me“ passen. Eigentlich sollte man über den Rest nicht mehr viele Worte verlieren, weil es einfach zu bekannt klingt. Einzig und allein die beiden letzten Tracks grenzen sich etwas ab. Hier kommen auch die Gäste zum Tragen! Bei „Cruel Bloom“ übernimmt Neurosis’ Steve von Till die Vocals – und was dabei rauskommt, ist ein ruhiger Post-Metal-Song, der zum Schluss hin immer lauter und intesiver wird. Eigentlich klingt „Cruel Bloom“ stark nach Neurosis, aber irgendwie passt es auch auf „Axe to Fall“. Nur wertet es das Album nicht sonderlich auf. Viel eher gelingt dies schon dem Closer „Wretched World“. Man kann dem 7-minütigem Opus natürlich vorwerfen, dass es nie richtig in Fahrt kommt und genau so endet, wie es angefangen hat. Aber ich denke, in diesem Fall, war das genau SO gewollt. Besonders als Rausschmeißer finde ich den Song einfach hervorragend! Er bringt Melancholie, Verloren- und Ewigkeit gleichermaßen rüber und eignet sich deswegen perfekt als Abchschluss. Im Übrigen singt Mookie Singerman (Genghis Tron) den Song in einer, für ihn, völlig neuen Weise – fast schon bestänftigend, aber an den richtigen Stellen schön aufbrausend. Definitiv das Highlight von „Axe to Fall“ – und auf das musste man 35 Minuten lang warten? Im Großen und Ganzen gefällt mir das neue Converge-Album, was den Hörfluss angeht, zwar etwas besser wie „No Heroes“ – aber es klingt, bei aller Liebe, einfach wahnsinnig unoriginell. Nicht mal die beiden letzten Stücke können etwas bewegen, weil sie sich zu stark vom Rest abgrenzen. Was allerdings richtig traurig ist, ist die Tatsache, dass Converge zig Gäste eingeladen haben, „Axe to Fall“ am Ende aber genau so wie „No Heroes“ klingt. Selbst wenn ich Converge für eine der wichtigsten Hardcore-Bands überhaupt halte, treten die Mannen nun schon seit einigen Jahren auf der Stelle. Auch das neue Album ändert daran nichts! Man kann sich damit zufrieden geben und durchaus Freude daran haben, aber „Axe to Fall“ als Meisterwerk hinzustellen, wäre glatt etwas überschwänglich. Denn die Uhr tickt unaufhörlich – genau so wie die, immer wiederkehrende, Melodie in „Wretched World“… 6/10

Das letzte Album von The Fall of Troy warf Schatten und Licht gleichermaßen. Die Ausfälle konnten aber durch ein paar Stücke, die ganz im alten Stil waren, wieder wettgemacht werden. Trotzdem war die Erwartungshaltung für die nunmehr vierte LP, zumindest meinerseits, nicht sonderlich hoch. Spätestens als dann noch das schreckliche Artwork auftauchte, das so überhaupt nicht zur Band passen will, musste man Schlimmes befürchten. Da wo „Manipulator“ zu einem Teil Neues versuchte und zum anderen Teil band-typisch klang, da hat „In the Unlikely Event“ nur mehr wenig mit den Frühwerken zu tun. Sowohl die frickeligen Gitarrenarrangements, als auch die Vocal-Arbeit von Thomas Erak sind weiterhin markant, aber haben sich doch merklich verändert. Musikalisch bietet „In the Unlikely Event“ eher eine Mischung aus Math- und Poprock. Die wirklich durchgeknallten Hardcore-Momente von früher, sind hier höchstens noch ansatzweise vorhanden. Wobei die Gitarrenarbeit weiterhin ziemlich technisch ist und die Songs immer wieder in eine andere Richtung treibt. Alte Fans dürften somit zumindest vom Anfangsdoppelschlag „Panic Attack!“ und „Straight-Jacket Keelhauled“ angetan sein. Auch „Battleship Graveyard“ startet verzwackt, entwickelt sich nach nicht ganz drei Minuten aber zu einem käsigen Pop-Song. Es folgt zwar noch Geschrei und Frickelei, doch vorallem der schwülstige Gesang von Thomas Erak macht den Mittelteil fragwürdig. Das folgende „A Classic Case of Transference“ ist dann ein, mehr oder minder, lupenreiner Pop-Song. Und selbst wenn er, wie so vieles auf dem Album, kitschig klingt, finde ich vorallem den Refrain ziemlich catchy. Mit das größte Problem auf „In the Unlikely Event“ ist aber der Gesang. Erak war noch nie ein großartiger Sänger, aber für die beschränkten Gesangsparts der „klassischen“ The Fall of Troy-Stücke reichte es immer vollkommen aus. Die neuen Songs sind anders und einfach viel stärker auf den Gesang ausgelegt. Und dem kann Erak’s Stimme einfach nicht standhalten. Vielleicht traut sich der begabte Gitarrist zu viel zu und versucht seine Stimme in Höhen zu bringen, in die sie niemals vordringen kann. Jedenfalls nervt das Gejaule des Frontmannes beizeiten gehörig und sorgt unfreiwillig für den ein oder anderen Fremdschäm-Moment. Als Tiefpunkt des Albums sei an dieser Stelle „Empty the Clip, The King has been slain, long live the Queen“ genannt. Das hat nicht nur einen bescheuerten Titel, sondern auch einen Thomas Erak, der es mit seinem schrecklichen Falsett-Gesang endgültig auf die Spitze treibt. In vielerlei Hinsicht ist das neue Album also gar nicht so unähnlich wie „Manipulator“ – ein Auf und Ab, mit Highlights und vielen Ausfällen. Allerdings sind die schwächeren Stücke auf „In the Unlikely Event“ nicht nur vielzähliger, sondern zumeist auch komplett für die Tonne. Die coolen Gitarrenlicks, die immer wieder druckvollen Rhythmen, die paar eingängigen Refrains und das richtig gelungene „People and their Lives“ können das Gesamtpaket leider nicht rausreißen. Es steht fest: „In the Unlikely Event“ ist der schwächste Output des, eigentlich so talentierten, Trios. Eigentlich schade – selbst wenn man es im Gefühl hatte. 4/10

Man kann eine Platte anhand von so vielen Faktoren bewerten. Sei es die Technik mit der die Musiker ans Werk gehen, der Sound der im Aufnahmestudio zusammengezimmert wurde, die Tiefe der Texte samt deren Lesefluss oder die Zusammensetzung der Tracklist. Ist ein Album nur eine Aneinanderreihung von netten Songs oder kommt am Ende ein rundes Gesamtwerk bei raus. Oder lebt es, im schlimmsten Falle, nur von seinen drei Überhits, während der Rest einfach stinkt? Nicht zu vergessen seien Dinge wie Innovationswut, rüberkommende Energie oder schlicht Sympathie für die jeweilige Band. Haben wir schon die Vocals erwähnt? Die zerstörten schon viele Platten! Manchmal… ja, manchmal tut dies alles nix zur Sache. Dann, wenn es einfach nur um das Gefühl einer Platte geht. Captain Planet sind so eine Band, die etwas ganz Besonderes an sich hat. Vielleicht nennt man es einfach „Charme“. Zumindest ist es das, was diese Platte ausmacht. Musikalisch bietet „Inselwissen“, genau wie sein Vorgänger, nicht sonderlich viel Herausragendes. Das ist Emopunk auf deutsch! Allerdings klauen Captain Planet ihre Songs nicht einfach von irgendwelchen amerikanischen Bands und übersetzen deren englische Texte ins Deutsche. Viel eher scheinen die Hamburger von ihrem eigenen Umfeld beinflusst worden zu sein. Denn gewissermaßen ist Captain Planet für die Leute gemacht worden, denen Tomte und Kettcar immer zu uncool waren. Mehr Punk, mehr Direktheit! Weniger intellektuell klingen wollende Poesie, weniger hornbrillentragende Studenten! Die Texte sind greifbar und einfach, klingen aber niemals stumpf, sondern punkten durch enorm viel… Charme! Ständig wird man selbst angesprochen. „Nur so spürst DU dass DU alles kannst“ / „DU weißt es nicht“ / „DU hast’s gesehen“ / „Suchst nach der Form die DU sein wilst“. Das macht den Captain zum perfekten Beifahrer auf sonst so einsamen Autofahrten. Und wenn sich das hübsche Mädel vom Supermarkt endlich mal abholen lässt, dreht sie den Lautstärkeregler, den man höflichkeitshalber vorher zurückdrehte, von selbst wieder hinauf! „Inselwissen“ ist somit mehr als nur ein weitres Album, das man irgendwo einordnen oder irgendwie bewerten muss. Wahrscheinlich ist das auch der Grund dafür, warum sämtliche Reviews zu dieser Platte ebenfalls so putzig in der „DU“-Form geschrieben sind. Um meiner Linie nicht komplett untreu zu werden, seien ein paar trockene Fakten doch noch erlaubt: „Inselwissen“ ist eigentlich genauso wie „Wasser kommt, Wasser geht“. Qualitativ schenken sich die beiden Alben nicht viel. Durch die druckvollere Produktion gefällt mir der Sound auf „Inselwissen“ etwas besser. Allerdings denke ich, dass Captain Planet noch nicht da angekommen sind, wo sie hinkommen könnten. Denn vom Gefühl her folgt nach zwei mitreißenden Songs noch immer ein nur ordentliches Stück. Aber nicht mal das kann am Wert dieser Platte rütteln. Schließlich könnte man den Obersympathen aus dem hohen Norden ewig zuhören. Schlussfolgerung: diese Platte wächst einem ans Herz! Unterstütze DU den Captain! 8/10

Ich finde die Myspace-Seite von This City einfach klasse! Ich kann mir dort Videos der Jungs anschauen! Ich kann mir einen Bonus-Track runterladen! Es gibt sogar einen Flash-Banner, den ich, nebenbei erwähnt, auf meinen Blog bald einbauen werde! Nicht zu vergessen seien die coolen Fotos meiner neuen Lieblingsband! Ach Gott, ich könnte Stunden auf dieser Seite verbringen! Nur Klingeltöne gibts keine. Menno, das ist echt mal doof! Nicht falsch verstehen! This City sind nicht der Untergang des Morgenlandes. Sonst hätte ich mir ihr Debütalbum „We were like Sharks“ auch nicht komplett durchgehört. Was das Image und die ganze Aufmachung angeht, sind es aber genau solche Bands, die dafür sorgen werden, dass Hardcore in ein paar Jahren absolute Pop-Musik wird. Auf erwähnter Seite steht, dass This City klingen wie eine Mischung aus At the Drive-In und Bloc Party, mit ein paar Elementen von den Blood Brothers (!) und 80er-Dischord-Bands (!!!) . Dieser Vergleich ist so ungefähr der schlechteste den ich seit langem gehört habe! Einzig und allein der Sänger versucht ansatzweise so zu klingen wie Cedric Bixler anno dazumal. Allerdings singt er weder, noch schreit er. Viel eher würde ich sagen, dass der Typ einfach nur spricht. Das natürlich etwas lauter und aufgebrauster, aber nie so extrem, dass sich irgendeiner dran stören könnten. In jedem Fall ist der junge Mann unheimlich bechränkt und schafft es gerade in den, zig vorhandenen, melodiösen Parts nicht die Stimmung des Songs einzufangen. Vocals und Musik passen zumeist schwer zueinander. Abgesehen davon, nervt das Pudel-Gebelle auf Dauer ungemein. Musikalisch könnte man This City als extrem poppige Version von Bands wie Billy Talent oder noch besser Disco Ensemble bezeichnen. Sowohl die dort noch vorhandenen Kanten, als auch die Energie und das Gespür für gute Hooks blieben allerdings auf der Strecke. Und wenn hier mal wirklich etwas hängen bleibt, dann hat das damit zu tun, dass der Refrain in jedem Song gefühlte 50 mal wiederholt wird. Auch der, meiner Meinung nach, beste Song, die Single „We move“, leidet unter diesem Problem. Während die zwei, drei anderen, etwas schnelleren Songs noch akzeptabel sind, sind es besonders die melodiösen, im Midtempo versumpfenden, Nummern, die für Grauen sorgen. Und die Halbwertszeit der ganzen Platte dürfte geringer sein als die von einem Liter Milch. Bleibt nur noch eine Frage: Wo zum Kuckuck bleibt jetzt der Klingelton? Kann doch nicht so schwer sein, Meeeenschhhh!! 3/10

Es ist ein Kreuz mit der Erwartungshaltung. Wenn eine Band eine Platte veröffentlicht, die in kürzester Zeit zu seinen persönlichen Lieblingen aufsteigt, freut man sich natürlich wie Bolle auf das nächste Werk. Kidcrash gelang dies vor zwei Jahren mit „Jokes“, einem epochalen Werk zwischen frickeligen Arrangements, bezaubernden Emo-Melodien und kurzen Screamo-Ausbrüchen. „Snacks“ ist nun alles andere als ein schlechtes Album geworden, kann mit seinem Vorgänger aber keineswegs mithalten. Man kommt als schreibender Musikliebhaber natürlich nicht davon weg, Vergleiche anzustellen. Wobei es fast unfair wäre die beiden Alben gegenüberzustellen. Zu unterschiedlich sind sie sich nämlich. Ein Lob muss man Kidcrash dafür aussprechen, dass sie sich erneut neu erfunden haben – der neue Sound ist für meine Begriffe um einiges weniger zugänglich. Ja, auch „Jokes“ war verworren, ging dabei aber immer auf ein Ziel zu. „Snacks“ hört sich öfter nach einem einzigen Jam an. Musikalisch geben sich Kidcrash jedenfalls weiterhin dicht wie eh und je. Man kann den vier Jungs keinen Vorwurf machen, sie beherrschen ihre Instrumente. Das Problem mit den sieben neuen Stücken ist aber, dass sie zu selten in eine Richtung gehen. Drummer Buster zeigt abermals wie begnadet er ist, genauso wie die beiden Gitarristen, die ständig auf Achse sind. Jede Sekunde des Albums klingt unglaublich kompakt. Dabei fehlen aber die durchgängigen, epischen Melodien und die straighten Beats, die es auf dem Vorgänger noch zu Hauf gab – von den Hooks ganz zu schweigen. Zu oft gehen die vier Musikanten in eine andere Richtung, statt gemeinsam den Song voranzutreiben. Zu oft erklingen sie alle, statt eine der Komponenten, sei es die Drums oder die Vocals, in den Mittelpunkt zu rücken. Die eben angesprochenen, nun häufiger auftretenden, Vocals geben der Platte leider auch nicht den nötigen Kick. Da war das „wenig, aber intensiv“-Motto von „Jokes“ um einiges aufregender. Auf dem Konzert neulich stimmten Aussitot Mort übrigens die markante Eröffnungsmelodie vom „Jokes“-Opener „Turtlephant“ an – sowas fehlt auf „Snacks“ leider zu oft. Ein gutes Beispiel dafür ist „Sleeper Wave“, das ziemlich spannend aufgebaut ist, aber am Ende irgendwie auf den Höhepunkt vergisst. Da flossen die alten Stücke einfach besser ineinander. Ziemlich viel Kritik für die neue Platte einer Lieblingsband?! Ja und doch hat „Snacks“ seine Momente! Besonders die A-Seite bietet ein paar Highlights, wobei hier „Where Nerves were“ und „Grim Collections“ meine Favoriten sind. Gelingt es einem die Platte für sich zu betrachten, bekommt man ein ordentliches, musikalisch zwar anspruchsvolles, aber gleichzeitig auch entspanntes Album. Musik für den Moment, statt solche die vollgepackt ist mit tonnenweise Hooks und Ohrwurm-Melodien. Sicherlich wird das neue Album seine Freunde finden, im Vergleich zu „Jokes“ allerdings… naja, das hatten wir ja schon. Erwartungshaltung und so… 5/10

Torsten Meyer hat auf seiner Webseite „Unartig“ eine beeindruckende Retrospektive über At the Drive-In zusammengestellt. Sie umfasst 6 volle Sets, die die Band zwischen 1999 und 2001 in Deutschland gespielt hat. U.a. das vorletzte Konzert überhaupt, sowie ein abgedrehtes Konzert in einer viel zu kleinen Bar.

Unbedingt ansehen

Obwohl Vorarlberg das zweitkleinste Bundesland in Österreich ist, hat es in den letzten Jahren immer wieder HC-Bands ausgespuckt, die auch über ihre lokalen Grenzen hinaus bekannt wurden. Within Walls sind wohl das beste Beispiel dafür, bekamen sie letztes Jahr doch viele lobende Worte unserer deutschen Nachbarn. Wie erwähnte Band kommen The Great Disappointment aus Dornbirn. Musikalisch sind sie aber eher mit, den ebenfalls aus Vorarlberg stammenden, I not dance verwandt. Screamo und Emo ist vielleicht der Grundstein - The Great Disappointment schaffen es aber die Grenzen davon auszuloten. Was rumkommt, ist ein überraschend facettenreiches Album, mit keinerlei Berührungsängsten. Beim Opener „Himsa pt. 1&2″ meint man noch, es mit einer weiteren Platte irgendwo zwischen Screamo und Postrock zu tun zu haben. Dissonante Schreiparts und eine Wall of Sound wechseln sich ab mit ruhigen, melancholischen Teilen. Das Ende des Stückes fließt perfekt ineinander mit dem giftig beginnenden „Walls“, das schon kurz darauf wieder eine dieser traurigen Melodien bietet. Zum Ende hin wird der Song ryhtmisch und fast schon tanzbar, bevor er abrupt und zerrissen beendet wird. Zur Abwechslung kommt folgendes „Of Life and Afterlife“ schnörkellos und düster daher – bis mit  dem Interlude „The Wonderful Wizard of Oz“ wieder Ruhe einkehrt. „Flesh & Bones“ kann man einfach nur als „schön“ bezeichnen. Das Stück enwickelt sich über eine epische Melodie und diesen geilen, At the Drive-In-mäßigen Gitarren hin zur absoluten Ruhe… bis der Chorus einsetzt, der den kurzen, aber alles sagenden Text erklingen lässt: „we are. only. flesh and bone“. Genial wäre es natürlich gewesen den Song noch etwas auszudehnen und die Lyrics am Ende von einem zig-Kehlen-starken Chor intonieren zu lassen. Es bleibt reduziert und melancholisch. Der hohe, etwas schiefe Gesang zu Beginn von „Thy Kingdom come“ ist zwar etwas fragwürdig, doch kurz darauf kommt die Band mit einem donnernden Groove um die Ecke, der mich von den Gitarren her an Kenzari’s Middle Kata erinnert. Das französisch betitelte Instrumental zeigt abermals eine neue Klangfarbe und könnte auch von Godspeed you! Black Emperor stammen. Danach verlieren mich The Great Disappointment, ganz ehrlich gesagt, etwas. Der dissonante Beginn von „…that will lead us home“ lässt zwar aufhorchen, aber in den letzten drei Stücken schaffen es die Vorarlberger nicht mehr einen draufzusetzen. Auch der Closer „Dorothy“ endet etwas zu üblich. Das schadet dem Gesamteindruck des Albums aber nicht sonderlich. Im Gegenteil! Denn dieser ist mit die größte Stärke hier. The Great Disappointment haben sich hier wirklich Gedanken über die Tracklist gemacht und es, im Gegensatz zu so vielen anderen Bands heutzutage, geschafft ein ganzes, in sich geschlossenes, Album zu schreiben. Die Übergänge zwischen den einzelnen Songs, sowie die Stimmungswechsel sind teilweise wirklich fantastisch. Eigentlich richtig schade, dass man sowas nicht über seinen Plattenspieler anhören kann. Aber vielleicht wird das ja noch was. Wer bis dahin nicht mehr warten kann, der lädt sich das Album am besten hier herunter. Nebenbei erwähnt, bittet die Band sogar darum… 7/10

Dominic aus Norwegen sind nun auch schon ein paar Jährchen dabei. Und dank regelmäßiger Besuche in Deutschland und Österreich, sollten sie in unseren Breitengraden auch schon einige Anhänger haben. Nachdem man Anfang des Jahres einen kleinen Appetizer in Form eines Splits mit The Third Memory veröffentlichte, ist seit kurzem endlich das zweite Album draußen. Schon nach dem ersten Durchlauf wird klar, dass Dominic gereift sind und um einiges subtiler ans Werk gehen als früher. Den Opener „End of Man“ kennt man schon, war er doch auf dem Split drauf. Und irgendwie höre ich zwischen dem „Nord“-Opener und dem Opener der ersten LP einige Parallelen raus. Ja, eigentlich ist „End of Man“ sogar ähnlich strukturiert wie der Überhit „Time to change“ – statt auf Power-Chords und pumpende Rhythmen zu setzen, zentralisiert er aber eine immer wiederkehrende, hängenbleibende Melodie. Selbst wenn „End of Man“ nicht so tanzbar ist wie sein drei Jahre alter Vorgänger, ist es symbolisch für das ganze Album. „Nord“ geht subtiler zu Werke als das erste Album. Die Rhythmusabteilung ist so kompakt wie eh und je, steht aber nicht mehr so sehr im Mittelpunkt. Auch das Geschrei ist gezügelter, dabei aber stets präsent. Der Sound wirkt voller, detailverliebter und im Endeffekt dann auch um einiges atmosphärischer. Dabei ist es überraschend wie düster „Nord“ im Endeffekt geworden ist – über dem ganzen Album hängt ein dunkler Schleier, der aus melancholischen bis trostlosen Melodien und befremdlichen Gitarrenarrangements gestrickt wird. Gut ist, dass Dominic, trotz allem künstlerischen Anspruch, nie auf den richtigen Beat, den richtigen Hook oder den richtigen Refrain vergessen. Vielleicht ist es das, was „Nord“ so besonders macht – es ist melancholisch und atmosphärisch, dabei aber niemals ruhig, zäh oder ausschweifend. Alles findet hier innerhalb der üblichen drei Minuten seinen Platz, bleibt schwungvoll und dabei trotzdem anspruchsvoll. Die Texte vermitteln ein ähnliches Gefühl wie die Musik, sind aber stets aufrichtig – egal ob Kritik an der Gesellschaft, der Politik oder dem System an sich ausgeübt wird. Interessant ist dabei, dass die Texte fast durchwegs aus gereimten Zeilen bestehen. Statt plump zu klingen, hören sie sich aber äußerst durchdacht an. Wie z.b. in „Get rich and die trying“, indem es heißt: „Pick a side. Fight or hide. Take a stand. Truth or dare. Cuts the air. The End of man.“. Solche Zeilen fließen einfach wunderbar ineinander. Vorallem im Gestamtpaket ist Dominic mit „Nord“ ein großer Sprung nach vorne gelungen. Das zweite Album ist nicht nur inhaltlich, sondern auch musikalisch reifer, vielschichtiger und versierter. Ein gutes Beispiel dafür ist auch das spannende Instrumental „Loss of Breath“, das in grandioser Art und Weise mit dem Closer „Ink for Bullets“ verschmilzt. Die darin verwendeten Worte sind auch nur allzu passend für „Nord“: „Writing straight from my beating heart for a world gone cold and hard. Raise my voice to a screaming spark to rise truth from the dark. Done with shooting blanks. Now i use ink for bullets.“. 8/10

Wie ich immer zu sämtlichen Freunden, Kollegen und Verwandten sage: den einzigen Geburtstag den ich nicht vergesse, ist mein eigener! Denn traditionell hab ich natürlich auch in diesem Jahr den Geburtstag meines eigenen Blogs vergessen. Am 27. Oktober, vor gerade mal zwei Tagen, war es nämlich soweit: er wurde stolze 4 Jahre alt! Vielen Dank an jeden der hier vorbeiklickt… ob auf der Suche nach neuen Bands oder einem guten, ungarischen Fick.

Ich setz mir schon jetzt mal den Reminder für nächstes Jahr – denn 5 Jahre müssen ordentlich gefeiert werden!

Anno 2007 sollten Kidcrash eigentlich schon ins Kafe Kult kommen. Aus irgendwelchen Gründen wurde die Show gecancelt. Gestern hat’s endlich geklappt!

Die Besucherkulisse am gestrigen Dienstag war ziemlich enttäuschend. Zu Kidcrash hin wurden es zwar eine Handvoll mehr Leute, mehr als 30 bis 40 zahlende Leutchen dürften’s am Ende aber nicht gewesen sein. Schade eigentlich, bei so einem starken Paket.

Beginnen durften den Abend Denmark aus Augsburg. Anscheinend musste man sich, aufgrund einer gleichnamigen ungarischen Band, noch kurzfristig umbennen – denn angekündigt waren die vier Jungs immer als Kernel Panic. Nichtsdestotrotz kannte ich die Band vor dem Konzert nicht. Doch mit den paar Stücken die sie darboten durften, haben sie mich absolut überzeugt – das war druckvoller, verspielter Post-Hardcore im Stile von Kenzari’s Middle Kata oder Trip Fontaine. Wieder mal ein Beispiel dafür, dass die bayrische Musiklandschaft zumeist unterschätzt wird. Denmark haben übrigens schon eine 4-Track-Ep draußen.

Nicht Aussitot Mort, sondern Kidcrash machten weiter. Die Qualitäten der Band sind onehin bekannt – und live klingt das Ganze noch einen Tacken intensiver als auf Platte. Es macht vorallem Spaß Buster, dem Drummer, bei seinem Handwerk zuzuschauen. Unglaublich was der gute Mann drauf hat! Da ist es auch erlaubt, wenn man nach dem Konzert ein vollgeschwitztes Shirt hat. Aber auch die anderen drei sind, zusammen mit dem Drummer, hervorragend eingespielt. Kidcrash sind einfach unglaublich tight! Bis auf ein Stück, gab’s übrigens nur neues Material vom Album „Snacks“. Obwohl das musikalisch beeindruckend war, fehlten etwas die Höhepunkte – aber dazu mehr im Review zu „Snacks“.

Abschließen durften die Franzosen von Aussitot Mort – und das zurecht! Waren sie für mich doch der Gewinner des Abends. Ich war wirklich gespannt ob sie die Virtuosität und den Perfektionismus, der ihr letztes Album auszeichnete, auch live rüberbringen… und muss sagen, ja! Sie schafften es! Aussitot Mort kreierten atmosphärische Soundlandschaften zwischen zerstörerischen und ruhig-sphärischen Passagen. Auch hier muss man den Drummer hervorheben. Zu den Highlights zählten die beiden Stücke, in denen er selbst ins Mikrofon brüllte – und das so barbarisch wie ein Wildschwein zur Brumftzeit! Im Übrigen spielten die Franzosen auch zwei neue Stücke, welche mehr als vielversprechend klangen. Ich schätze mal, dass man nächstes Jahr neues Material der Band erwarten kann.

Summa Summarum ein sehr gelungener Abend, mit drei sehr starken Bands. Auf bald!

Selbst wenn Horse the Band aktuell nicht mehr ganz zufrieden sind mit „A Natural Death“ und es als „gezwungen“ und „gefühlslos“ bezeichnen, denke ich über das letzte Album der Band ganz anders. Klar, es war vollgepackt mit Einflüssen und Songs die konträrer kaum sein konnten, suhlte sich dabei in allerlei Soundscapes. Für meine Begriffe ging der Mix aus atmosphärischen Interludes, typisch durchgeknallten Parts und poppigen Hooks aber hervorragend auf. Außerdem schwebte über allen Songs der Gedanke des Wild West-Konzepts. Ich fands auf jeden Fall sehr frisch und unterhaltsam. Das neue Album „Desperate Living“ folgt einigen Pfaden, die der Vorgänger vorgab, etwas konkreter. Selbst wenn es bescheuert wäre, Horse the Band nun als erwachsen oder ernsthaft zu bezeichnen… nunja, zumindest die Musik ist das in vielen Teilen definitiv. Wo es sich früher alles darum drehte möglichst wahnsinnige Songs zu kreieren, da geht man nun etwas songdienlicher und abgespeckter zu Werke. Schon der Opener „Cloudwalker“ macht dies klar. Trotz des angeschrägten Beginns verläuft das Stück nie aus dem Rude und erinnert mit seinen Crew-Shouts zum Ende hin fast etwas an Enter Shikari. Der Titelsong „Desperate Living“ gibt dann relativ früh die Richtung vor in die das Album gehen wird. Herausstechen tun vorallem die Keyboard-Sounds, die in ihrem Volumen eher an 80er-New-Wave-Acts denn an Nintendo-Gedüdel erinnert. Letzteres findet man zwar immer noch, tendenziell geht man mit den elektronischen Elementen dieses Mal aber in eine ernsthaftere Richtung. Das Keyboard wird zentralisiert und darf öfter denn je alleine im Raum stehen, statt als Begleitmusik zu fungieren. Weitere Highlights sind etwa „Science Police“, das vielleicht sogar das poppigste HTB-Stück überhaupt ist und einfach nur zum Tanzen anregt. In der inoffiziellen Bandhymne „Horse the Song“ zeigt die Band, wie vielschichtig sie ist. Der Song ist zwar ebenfalls ein perfekter Partysong und dürfte schnell zum Live-Liebling (ich sage nur „1-2-3, H the B!!!“ ) mutieren, bietet zum Ende hin aber auch diese atmosphärischen Synths. Überhaupt verstehen es Horse wieder hervorragend für zig Überraschunge zu sorgen. Aus dem anfangs ziemlich verschrobenen „Shapeshift“ schält sich zum Ende hin, wie aus dem Nichts, eine unglaublich hitverdächtige Melodie hervor. So ungefähr läuft es mit den meisten Songs auf „Desperate Living“ ab. Zwar bietet es eine ähnliche Mischung wie sein Vorgänger, wirkt musikalisch gesehen aber noch etwas dichter und versierter. Die Athmo-Parts sind nun etwa gut in die Songs verpackt, statt leer im Raum zu stehen. Außerdem ist „Desperate Living“ trotz seiner, für Punk-Verhältnisse, statttlichen Spielzeit von 54 Minuten unglaublich kurzweilig. Es gibt zwar zwei, drei Songs, die dezent abfallen. Doch das kann man verkraften. Gerade weil es mit „Rape Escape“ einen epischen Abschluss gibt – selbst wenn der richtige Closer erst kurz danach mit „Arrive“ folgt. Inhaltlich lässt sich über das neue Horse-Album sagen, dass über dem Gesamtpaket kein grundsätzliches Thema mehr schwebt… doch auch „Desperate Living“ macht schnell klar, in welche Richtung HTB gehen wollten. Das Zitat aus „Horse the Song“ gibt dies wohl am Besten wider: „Living at the top, when you’re at the fucking bottom“. Anscheinend ist das Album, inhaltlich gesehen, stark durch die Welttournee der Band geprägt worden. Die im Booklet enthaltenen Pics sind wohl auch aus dieser Zeit.  Im Großen und Ganzen kann man nur begrüßen, dass es Horse geschafft haben wieder mal anders zu klingen, sich dabei ihre Markanz aber beizubehalten. Welches ihrer Alben nun am Besten ist, ist wohl Geschmackssache. Fakt ist, dass Horse the Band immer noch unglaublichen Spaß machen! 8/10

Touche Amore ist eine relativ neue Band aus Los Angeles, die mir fast entgangen wäre. Was ich zu allererst an dieser Band liebe ist, dass sie sich relativ schwer einordnen lässt. So wie es scheint kommen sie aus der starken kalifornischen Screamo-Szene um Comadre und Loma Prieta… gleichzeitig wird man aber auch von Thursday’s Geoff Rickley unterstützt, der die Band nicht nur mit auf Tour nahm, sondern auf ihrem Debütalbum auch einen Gastauftritt hat. Und um die Verwirrung perfekt zu machen, kommt Modern Life is War-Shouter Jeff Eaton zur selben Ehre. Doch irgendwie ergibt all das einen Sinn. Klingen Touche Amore auf „To the Beat of a Dead Horse“ doch sehr eigenständig und vielschichtig - Modern Hardcore ist der größte Bestandteil, wird aber mit Screamo-Facetten und emo-mäßigen Melodien zusammengeführt. Dazwischen ist noch Platz für reduzierte, atmosphärische Passagen und zig hitverdächtige Hooks. Der Opener „And now it’s mine“ marschiert dabei mit höherem Tempo und einer melancholischen Melodie nach vorne, um zum Ende hin in sich zusammenzubrechen. Es bleibt keine Verschanufspause, folgt kurz darauf doch „Honest Sleep“, das dreckig startet, aber in der Mitte zu einem epischen Part ansetzt. Der Schlusschor („i’m loosing sleep, i’m loosing friends, got a love hate love with the city I’m in…“) reißt dermaßen mit, dass man  schon nach dem dritten Durchlauf lauthals mitschreien muss! Ich denke „Honest Sleep“ könnte für Touche Amore auf Konzerten das werden was „Hit me up on my Celly Cell“ für Comadre ist. Man kann sich direkt vorstellen wie der Chor aus zig geprügelten Kehlen rausgequetscht wird. Das anschließende „Cadence“ bietet den zweiten, wirklich grandiosen, Chor, der passend zum Albumtitel verlauten lässt „I am marching to the Beat of a Dead Horse!“. Ganz anders klingt da schon „Throwing Copper“, das im Midtempo verläuft und stark auf düstere Atmosphäre setzt. Auffällig ist natürlich auch „Histroy reshits itself“, indem Geoff Rickley zu seinem Auftritt kommt. Nicht nur wegen dem mal geschriehenen, mal markant gesungenen Part von Rickley erinnert der Song an Thursday – nein, auch die melancholische, aber irgendwie auch hoffnungsvolle Leadgitarre erinnert an die Band des Supporters. Die B-Seite wird eröffnet vom intensivsten Vocal-Part des Touche Amore-Sängers, indem er mit verzweifelter, rauchiger Stimme „the sinking feeling when you’re not yourself: searching for a reason for some kind of help, but all that comes is empty promises and feeling anxious and useless…“ in den Raum wirft. Das simpel betitelte „Nine“ beweist, dass Touche Amore auch in schlappen 44 Sekunden perfekt auf den Punkt kommen können. Genauso wie es „Always running never looking back“ schafft in etwas über zwei Minuten eine unheimliche Epik zu erzeugen. Hier hört man übrigens Jeff Eaton, der allerdings weniger auffällt wie Rickley zuvor. Das abschließende „Adieux“ führt dieses makellose Debütalbum zum perfekten Abschluss. Hier heißt es: „i was not born with a strong voice, it’s never been one to boom. But I’ll be damned to go out quiet, if it’s the only thing I’ll lose“. Unaufdringlich, beinahe abrupt, aber auch höchst atmosphärisch und über allem thronend schließen die Kalifornier ihr Album ab. Es ist beeindruckend wie viel in gerade mal 18 Minuten und 32 Sekunden passieren kann! Touche Amore gehen musikalisch und von der Aussage her zwar in eine ähnliche Richtung wie Modern Hardcore-Bands a la Modern Life is War oder Ruiner, schaffen es aber durch ihre kurzen, aufregenden Songs und ihr intelligentes Songwriting völlig eigenständig zu klingen. Hinzu kommen Seiten, die an Screamo-Bands wie Battle of Wolf 359, Orchid oder Comadre erinnern – vorallem bei den Melodien und den verzweifelten Vocals machen sich diese bemerkbar. Auf jeden Fall gehen Touche Amore wesentlich emotionaler als die meisten modernen HC-Bands zu Werke, ohne ihre Lyrics dabei übertrieben persönlich zu gestalten. Die Texte sind immer noch in genug Metaphern und erinnerungswürdige Poesie verpackt, als dass es zu konkret wird. Dabei pendelt „To the Beat of a Dead Horse“ ständig zwischen Verzweifelung, Hass und einem Funken Hoffnung – und DAS fühlt man hier in jeder beschissenen Sekunde!  9/10

„The Devil and God are raging inside me“ – was war das für ein Album! Über die Qualität des letzten Brand New-Werkes lässt sich sicherlich debattieren. Der Status als absolute Konsensplatte ist aber unbestritten. Schließlich schafften es Brand New jede mögliche Sparte zu Begeisterungsstürmen zu animieren - Kritiker, Kommerzhörer, tighte Leute die sonst nur unbekannte Bands mit kryptischen Namen hören und alles dazwischen. Umso überraschender ist es, dass es Brand New weder sich selbst, noch den Käuferschichten leicht machen. Denn schon nach dem ersten Durchlauf wird klar, dass „Daisy“ höchstens aufgrund der vorhandenen Reputation mit seinem Vorgänger mithalten kann. Aber auch hier spreche ich hauptsächlich für die Allgemeinheit. Mir persönlich sagt „Daisy“ nämlich mehr zu. Die Platte ist mit Sicherheit schroffer und weniger zugänglich als „The Devil and God are raging inside me“. Aber von einer übertriebenen Vertraktheit zu sprechen, wäre übertrieben. Schon nach drei, vier Durchläufen kristallisieren sich viele viele Hits heraus. Vielleicht sind diese nicht so große wie die besten Stücke auf „Devil“, doch als Gesamtwerk funktioniert „Daisy“ prächtig. Mein größtes Problem beim Vorgänger war die Tatsache, dass einige Songs schlicht zu lange dauerten und deswegen auch einiges an Leerlauf vorhanden war. Grad zum Schluss hin wurd mir die Angelegenheit zu zäh. „Daisy“ ist da um einiges kompakter. Statt einer knappe Stunden werden die elf neuen Songs in etwas über 35 Minuten rausgeballert. Und nicht nur das, nein! Brand New schaffen es in dieser kurzen Zeit auch wesentlich facettenreicher und abwechslungsreicher denn je zu klingen. Keine der Nummern artet in Stakkato-Gefummel aus oder lässt einen zu lange im Dunkeln rumtappen. Ein interessanter Part folgt auf den nächsten. Dabei kommt nicht mal annähernd Langeweile auf. Ich kann verstehen, wenn einige meinen, dass „Daisy“ nicht mehr so „groß“ ist. Das stimmt irgendwie auch. Ein paar Nummern klingen, im Vergleich zu den epischen Brechern auf „Devil“, geradezu zerrissen und fragmenthaft – gerade die lauteren Fetzen. Doch im Grunde bleiben sich Brand New gerade mit ruhigeren Stücken wie „You stole“ oder dem Titelstück „Daisy“ doch relativ treu. Nur sind diese nicht mehr so übertrieben aufgeblasen. Auch Songs wie „Bed“, „Bought a Bride“ oder „Noro“ bieten diese melancholische, düstere Atmosphäre, die man von der Band liebt. Nur finden sich in diesen Songs nun halt auch ein paar schrägere Parts. Das sorgt aber nicht dafür, dass sie unzugänglich wären – im Gegenteil, sie geben der Platte mehr Kanten, mehr Charakter. Und dann wären am Ende noch die heftigeren Stücke, die einfach perfekt mit den ruhigen Stücken harmonieren. Das giftige „Vices“, das an eine Kombination aus 108 und Glassjaw erinnert, an den Anfang zu stellen, ist dabei natürlich eine geniale Entscheidung. Hier sieht man wie Brand New mit den Erwartungen spielen. So angeschrägt und „hart“ klingen die anderen zehn Stücken aber niemals. Wenn in „Gasoline“, „Sink“ und „In a Jar“ auch etwas geschriehen wird. Doch, was soll ich sagen? Selbst das beherrscht der wandlungsfähige Jesse Lacey perfekt. Überhaupt vollbringt er auf „Daisy“ seine stärkste Sangesleistung! Im Großen und Ganzen ist „Daisy“ ein überraschend mutiges, doch genauso gelungenes Album geworden. Es besitzt neben größerem musikalischen Gespür auch seinen völlig eigenen Charakter. Definitiv kann sich dafür nicht jeder so begeistern… doch wem beim Vorgänger die Leerläufe störten und die eingeschränkte Abwechslung fehlte, der könnte mit „Daisy“ richtig glücklich werden. 8/10

Schon ihre ersten Veröffentlichungen zeigten, dass Ruiner im Hardcore-Bereich zu den hoffnungsvollsten Bands zählen. Trotzdem fehlte sowohl den EPs, als auch dem ersten Album der letzte Kick. Wirklich viel hab ich mir vom zweiten Langspieler dann auch nicht erwartet – umso mehr beeindruckt bin ich, wie stark sich Ruiner entwickelt haben! „Hell is empty“ ist definitiv anders. Was zuerst auffällt, ist der Sound. Als Produzenten schnappte man sich übrigens weder Jay Maas, noch Kurt Ballou oder Jim Siegel. Nein, es war J. Robbins. Und dass der in dieser Sparte schon große Arbeit verrichtete, zeigen die letzten Alben von Paint it Black, Modern Life is War oder Killing the Dream. Typisch Robbins verstand er es Ruiner einen Sound zu verpassen, der einerseits aufgeräumt und reduziert klingt, andererseits aber mit viel Wucht, Aggression und Dreck wieder beschmutzt wird. Auf jedenfall passt das neue Klangbild besser zu Ruiner als ihre alten, etwas matschigen Aufnahmen. Nicht vergessen sollte man dabei, dass die Produktion hervorragend zu den Songs der Band passen. Denn auch hier haben sich Ruiner relativ stark verändert. Wo man auf den EPs auf Tempo setzte und „Prepare to be let down“ atmosphärische Parts mit Knüppelnummern mischte, da agiert man auf „Hell is empty“ viel songorientierter. Endlich gibt man den Stücken auch ihre durchschnittlich zweieinhalb Minuten um sich zu entfalten. Stilistisch ist das Ganze dann wesentlich langsamer, rockiger und melodischer. Natürlich gibt’s auch noch ein paar schnelle Passagen… doch sie wurden zugunsten von groovenden Midtempo-Parts stark reduziert. Auch die Melodien sind nun einfach zentraler und vordergründiger, was dem Album noch mehr Hitpotenzial verleiht. „Hell is empty“ klingt einfach frischer und moderner als alles das Ruiner zuvor gemacht haben. Sicherlich siedelt sich das irgendwo zwischen den letzten Werken von Verse und Have Heart an – es hat aber auch sehr viele eigene Charakteristiken. Eine davon ist natürlich Shouter Rob Sullivan. Mit seinem angepissten, aber nie übertrieben brutalem Organ gefiel er mir schon auf den älteren Releases sehr gut – doch auch er profitiert viel vom aufgeräumten Gesamtbild und der gesattelten Geschwindigkeit. Endlich versteht man wirklich jedes Wort von ihm! Und es lohnt sich ihm zuzuhören. Versteht er es doch perfekt seine, zumeist persönlichen, Geschichten zu erzählen. Es ist wirklich beeindruckend wie sehr die Lyrics hängen bleiben. Selbst wenn Sullivan’s Geschichten zumeist „typisch Modern Hardcore“ sind, kommen sie authentisch rüber. Ob das an seinem kraftvollem Gesang oder den starken Texten liegt, lässt sich schwer sagen. Wahrscheinlich ist es eine Kombination aus beidem. Im Übrigen harmonieren die Vocals nun auch viel besser mit der Musik. Das Zusammenspiel aus heftig pumpenden Rhyhtmen, sägenden Riffs, epischen Melodien und passionierten Vocals funktioniert so gut wie selten zuvor in diesem Genre. Dabei ergeben die einzelnen Fragmene von “Hell is empty“ ein funkelndes Gesamtwerk. Die einzelnen Stücke fließen perfekt ineinander und wirken in ihrer Zusammensetzung sehr homogen – selbs wenn man konträre Nummern wie „Part one“ und „Part two“ nebeneinaner stellt. Das absolute Highlight haben sich Ruiner dann aber für den Schluss aufgespart. „Solitary“ ist ein perfekter Rausschmeißer, in dem nicht nur der Shouter, sondern auch seine Kollegen ihren Höhepunkt erreichen. Über einen Killer-Rhythmus und einer eindringlichen Gitarrenmelodie skizziert Rob Sullivan das Schicksal eines Freundes. Und das in einer derart mitreißenden, emotionalen Art und Weise, dass einem die Spucke wegbleibt. Nur das grandios aufgebaute Finale kann da noch einen draufsetzen. „Solitary“ ist in seinen 3:32 epischer als jeder noch so lange, um Dramatik bemühte, Closer der letzten Jahre. Bei den meisten Platten würde man sagen: der Rest kann da nicht mithalten! Aber das ist hier nicht der Fall! Denn selbst wenn es käsig klingt, aber: auf „Hell is empty“ hat jeder Ton seinen richtigen Platz. Ruiner legten mit ihrem zweiten Album einen fetten Sprung hin… mit Abstand DIE Modern Hardcore-Platte des Jahres!  Kaufbefehl! 9/10

Zusammen mit Shai Hulud unterschrieben Evergreen Terrace als erste echte Hardcore-Band beim traditionsreichen Indie-Riesen Metal Blade. Da war der Aufschrei natürlich groß und der Gedanke, dass sich Evergreen Terrace dem Metal verschrieben hätten, nicht mehr fern. Doch die Jungs aus Florida machten mit dem folgenden „Wolfbiker“ alles richtig. Sie hatten zwar die fette Produktion diverser Labelkollegen, bauten aber auf ihren Stärken auf. Weiterhin gab es die unverkennbare Mischung aus brutalen Moshparts, Breakdowns, punkigen Abgehparts und ultrapoppigen Gesangsharmonien. Nun hörte man schon im Vorfeld, dass Evergreen Terrace zurück in Richtung ihres Klassikers „Burned alive by Time“ gehen wollen. „Almost Home“ heißt nun das neue Werk. Bezeichnenderweise! Denn anscheinend sind die sympathischen Burschen auf halbem Wege von einem Wolfbiker gefressen worden. Was dabei rauskam, ist weder Fisch noch Fleisch. Was zuerst auffällt: die Produktion. Vom fetten, brutalen, aber dennoch sehr dreckigem „Wolfbiker“-Sound ist nicht mehr viel übrig geblieben. Stattdessen regiert ein relativ homogener, runder, ja fast schon glattgebügelter Sound. Besonders die Melodien hat die Band nun viel mehr zentralisiert. Fast jeder Song auf „Almost Home“ hat einen gesungenen, poppigen Refrain, der auch noch kräftig von harmonischen Gitarren und dem ein oder anderen „Oh!“ und „Ah!“-Chor unterstützt wird. Phasenweise klingen Evergreen Terrace anno 2009 wie Alexisonfire vor ein paar Jahren. Stark verändert hat sich auch die Stimme des Sängers – ich konnte es anfangs kaum glauben, dass das der selbe Typ sein soll. Seine relativ dumpfen, ausdrucksstarken und vorallem markanten Vocals sind einem verwechselbaren, soften Süßholzraspeln gewichen. Doch bei aller Kritik, kann man Evergreen Terrace sicherlich keinen Ausverkauf vorwerfen. Denn wie man das von der Band kennt, herrscht zwischen den Refrains wieder verdammt viel Härte und Geschwindigkeit. Das dissonante Geschrei ist genauso bekannt wie die moshige Gitarrenarbeit oder das gallopierende Schlagzeug. Aufgrund des glatteren Sound klingt das alles zwar nicht mehr so kraftvoll, doch für die breite Masse ist das immer noch zu viel des Guten. Das Problem von „Almost Home“ liegt am Ende aber nicht mal bei der Produktion. Zumindest nicht komplett. Viel eher klingt das neue Werk etwas zu feige und standardisiert. Nicht nur, dass sich die Songs grob betrachtet ziemlich ähneln… nein, es fehlen einfach die Aha-Momente. „Wolfbiker“ war deswegen so großartig, weil es die Grenzen der Band auslotete. Es war brutal, dreckig und hart wie nix zuvor, gleichzeitig aber auch hitverdächtig wie nix davor. Es war schlichtweg in allen Belangen kompromisslos. Und dank dessen klangen die einzelnen Songs auch markanter. Bei „Almost Home“ ist davon nur mehr das Skelett übrig geblieben. Gerade die Songs ähneln sich grob betrachtet zu sehr – weder negativ, noch positiv sticht eines der elf Stücke richtig heraus. Was darin resultiert, dass die Scheibe durchaus viele kleine Hits hat. Etwa das starke Anfangstrio aus „Enemy Sex“, „God Rocky, is this your Face?“ und dem Titelsong oder auch „Hopelessly Hopeless“ und „Not good enough“. Aber die absoluten Brecher fehlen leider. Zu vieles auf dem Album klingt nach „1000 mal gehört“. Um den kleinen Hunger für Zwischendruch zu stillen ist „Almost Home“ aber ein sehr unterhaltsames Album. Doch um einen weiteren Evergreen zu schreiben, fehlt Evergreen Terrace diesmal die nötige Originalität. Wenn ich in Zukunft Lust auf den Trupp bekomme, werd ich im Plattenregal wohl weiterhin nach „Burned alive by Time“ und „Wolfbiker“ suchen. 6/10